Спонтанные рисунки. Andrew Gareth Young

Спонтанные рисунки. Andrew Gareth Young

Спонтанное рисование – каждый может стать художником

Спонтанным рисованием может овладеть каждый человек. Импровизации с красками помогут избавиться от страхов, обрести внутреннюю свободу и раскрыть свою индивидуальность. Так считает Барбара Дайан Берри, преподаватель искусства с 30-летним стажем, автор книги «Рисуйте свободно!».
Вот 7 советов из этого увлекательного «учебника» арт-терапии

1. Помните: ошибок не существует.

Импровизация дает спонтанный выход нашей подлинной сущности. Решаем ли мы окунуться в искусство, писательство, актерское мастерство или танцы – если занятие не имеет четкого плана и возникает спонтанно, то оно близко нашему внутреннему миру.

В импровизации нет ошибок – только возможности. Оговорка или случайный мазок приведут к неожиданным открытиям. Ключ к свободе – это способность принимать все, что получается, независимо от того, насколько это примитивно, кустарно, нелепо, глупо (или на чем там настаивает внутренний критик).

2. Начните с обычных точек.

Гештальт-психология базируется на том, что все живое стремится к равновесию. Точка – это правильная форма. Поэтому нет ничего удивительного в том, что рисование точек – умиротворяющее занятие, которое одновременно помогает нам двигаться вперед.

Набрав краску, кончиком кисти медленно поставьте на бумаге несколько точек. Затем добавьте точек, прижимая к листу всю поверхность головки. Не нужно добиваться правильных окружностей. Просто, используя разную силу нажима, создавайте естественные круглые или овальные формы.

3. Не ищите идеальный цвет.

Процесс рисования должен быть простым и легким, поэтому все, что прерывает его плавное течение, попадает под подозрение. В тот миг, когда мы спрашиваем себя, какой цвет лучше всего подойдет для следующей детали, мы воздвигаем препятствие. Пусть все цвета обладают для вас одинаковой ценностью – это один из способов усилить спонтанность реакций.

С помощью кисти-копны и черной краски изобразите небрежный узор из линий. Закрасьте две или три замкнутые области черным. Закрасьте остальные области другими цветами. Вы можете каждый раз брать новую краску или повторять цвета, но используйте несколько оттенков потемнее, например, синий и зеленый. Дорисуйте мелкие детали и линии в областях, закрашенных темными цветами.

4. Дайте волю воображению.

Помните, как в детстве мы играли, вглядываясь в облака? «Вон то похоже на кролика. А то — на поезд… Теперь это дракон». Когда кисть путешествует по бумаге, оставляя следы, будьте готовы к новым возможностям.

Отправимся в путь, рисуя линию на бумаге. Мы не будем делать ничего особенного, просто позволим кисти вести нас. Возможно, линия станет волнистой или превратится в нечто бесформенное. Что бы ни выходило из-под нее, двигайтесь легко и свободно. Закончив, посмотрите на получившиеся линии. Они напомнили вам что-то? Выберите один кружок или завиток и дополните его как можно большим числом деталей.

5. Разоружите внутреннего критика.

Попытайтесь вспомнить комментарии, которые ваш внутренний критик отпускает по поводу «рискованных» начинаний. Это был неодобрительный голос, заставляющий вас сомневаться в своих способностях или воображении? Это был критик, оценивающий вас по завышенным стандартам и убеждающий не заниматься тем, в чем вы никогда не станете лучшим?

Верный способ противостоять силе цензора – нарисовать карикатуру на него. Если потребуется, выполняйте это упражнение снова и снова, и вы увидите, что нет двух одинаковых критиков. Вариации бесконечны! Наделяя едва появившегося демона обликом, вы разоружаете его до того, как он сможет нанести вред.

6. Как бороться со страхами.

Импровизация помогает состояться диалогу между бессознательным и сознательным. Кисть невольно рисует то, что нас волнует. Часто это истинные составляющие нашей сущности, которые мы отрицаем. Но психика никогда не выдает того, к чему мы не готовы. На самом деле, выпуская эти энергии, мы становимся сильнее, гибче и менее подверженными перепадам настроения.

Изобразите большое пятно любого цвета. Позвольте существу выйти из-под вашей кисти. Придумайте ему голову, хвост, когти, клыки. Предела количеству глаз или размеру рта не существует. Проделайте то же самое с конечностями – руками, ногами, хвостами. Если вы не хотите, чтобы какая-то деталь оказалась там, тем более рисуйте ее.

7. Не относитесь к себе слишком серьезно.

Находите смешное в себе или своем рисунке. Это полезно для мозга. У смеха есть научно доказанные свойства: он не только развлекает, но также благотворно влияет на иммунную, сердечно-сосудистую и эндокринную системы. Смех помогает справляться со стрессом, генерировать идеи и привлекать партнеров.

Нарисуйте два овала: это будет ваша маска и то, что прячется за ней. Внешнее «я» может включать интересы, карьеру и отношения. Спросите себя: «Какие роли я играю? Что думаю о себе, как хочу выглядеть в глазах окружающих?» Внутреннее «я» включает личные желания, чувства или воспоминания. Подумайте, что вас заботит, кого вы любите, о чем мечтаете. Такие картинки могут рассмешить и принести облегчение.

Как сделать рисунок выразительным: лучшие трюки Нормана Роквелла

Работами Роквелла вдохновлялись Джордж Лукас, Стивен Спилберг и целое поколение американцев. Разбираемся, как он строил кадр и почему у него получались такие выразительные работы.

Young Lady with the Shiner (Юная леди с подбитым глазом)

Каждый хороший иллюстратор — немного режиссер. Он не просто украшает историю подходящей картинкой, а старается сделать так, чтобы эта картинка сама могла рассказать всю историю. Для этого в иллюстрации должны быть выразительность и драматургия, характеры и отношения — в общем, режиссура.

Известный американский иллюстратор Норман Роквелл не скрывал, что фанатично любит кино. Кинематограф был для него источником не только вдохновения, но и множества практических приемов, как сделать кадр более выразительным. Собственно, Роквелл сначала фотографировал натуру, а потом использовал эти фото в качестве референса, то есть основа его иллюстрации — это всегда именно кадр.

Режиссура у Роквелла проходила в два этапа. На первом он заставлял моделей принять нужные ему позы и выражения лиц. Но требовать от них слишком много художник не мог — как правило, это были соседи или друзья, то есть не профессионалы. Поэтому особенно важен второй этап режиссуры, протекавший исключительно в голове Роквелла, — те изменения, которые он вносил в референс по мере переноса его на холст. Для этого художник использовал приемы выразительности, которые будут интересны даже откровенным противникам фото-референсов.

Как создавался The Runaway (побег)

Взгляните, например, на это фото и нарисованную с него иллюстрацию. Роквелл изменил ряд деталей, чтобы довести выразительность до максимума. Прежде всего он переделал фон, который был слишком урбанистическим. Художнику нужно было показать, что сбежавший городской мальчик находится далеко от дома. Для этого Роквелл создал интерьер в духе сельской глубинки, где ребенок один, без родителей сидит в кафе.

The Runaway (Побег). Иллюстрация для Parker Brothers Puzzle (производитель паззлов)

Более плоский фон помог привлечь внимание к фигурам на переднем плане. Примечательно, что художник предпочел изобразить не сплошную ровную стену, а разделил ее на вертикальные панели, которые напоминают тюремную решетку. Для мальчика это знак — «Ты попался!».

Роквелл заставил офицера сильнее наклониться к ребенку, но сохранил суровое выражение лица модели. Одновременно он нарисовал полицейскому широкие, как у Геркулеса, плечи, и оставил без изменений то, как туго их обтягивает рубашка. Левый локоть офицера художник сильнее отставил в сторону, словно прижать его к телу не позволяет накачанный бицепс.

Голубую полоску, которая собралась складками на брюках на правой ноге, Роквелл сделал более волнистой, чтобы избежать монотонных, повторяющихся линий.

На фотореференсе сбежавший мальчик сидит, оперевшись руками на стул позади себя — как будто он в хорошем настроении, получает удовольствие от происходящего. Роквелл же изобразил его жестким маленьким мужчиной, руки которого сложены на коленях, спрятаны от зрителя. Это заставляет ребенка выглядеть взрослее.

Художник изменил положение ног мальчика так, чтобы они лучше вписывались в общую композицию. Вместо полосатой рубашки он одел его в жёлтую — таким образом каждый из трёх персонажей получил «свой» цвет, а румянец на всех трех лицах заиграл ярче. Роквелл, безусловно, понимал двойственность символики жёлтого цвета. Здесь его можно трактовать положительно, как выражение юношеской энергии, или отрицательно, как символ обмана и двуличности.

Официант на референсе — это молодой человек с насмешливым выражением лица. На рисунке же Роквелл показал его зрелым мужчиной, который выглядит скорее по-отечески. Это уже не городской парень, проворно разливающий содовую в новом кафе-мороженом на углу. Теперь это одновременно и повар, и официант в деревенском кафе, а само кафе — семейное дело. Иллюстратор не просто рисует людей, но и продумывает историю каждого персонажа, контекст, который за ним стоит. Одновременно он старается угадать реакцию аудитории на ту или иную деталь.

Читать еще:  Стоп кадры из ежедневных историй. Juss Piho

Как Роквелл работает с референсами?

На этой иллюстрации перед нами двое детей, которые несутся вперёд на велосипеде. Важно, что такую сцену невозможно нарисовать непосредственно с натуры, и трудно сделать убедительной, если рисуешь с неподвижной модели. Чтобы передать движение, Роквелл для начала поднимает на фото косичку девочки так, будто она развевается от быстрой езды. На самой иллюстрации девочка сильнее наклоняет голову вперед, навстречу движению, её профиль вытягивается в диагональ. Это привносит в позу динамическое напряжение.

Если Роквеллу нужно было показать на фото, что человек идёт, хотя на самом деле модель стояла на месте, он подкладывал ей под обувь книги.

Этот прием художник использовал регулярно.

Рисуя тучного мужчину с картинной рамой в руках, Роквелл внёс в референс несколько важных изменений. Понятно, что в обрамлении рамы мужчина как бы тоже представляет собой картину. На иллюстрации Роквелл оставляет намного меньше пространства внутри рамы, чем было на фото. Так он подчеркивает дородность модели: персонажу словно бы тесно внутри рамы, как ему тесно в его одежде.

Сама рама на рисунке намного шире, чем на референсе, и обильно украшена декоративными элементами. В итоге условная «картина» выглядит дорого и помпезно. Это подчеркивает ощущение уверенности и собственной значимости, которое сквозит в лице и походке персонажа, и опять-таки коррелирует с его мощным телосложением.

Мужчина является принадлежностью сразу двух пространств: реального мира, где он идёт по коридору, и пространства картины, куда он попадает благодаря раме. Так Роквелл показывает взаимопроникновение реального и вымышленного мира. С этой же целью он нарисовал девушку на картине, которая висит слева на стене. Девушка является частью пространства картины, но при этом смотрит словно бы в реальный мир, в коридор, на идущего мужчину.

У художника также было несколько трюков, которые помогали изобразить человека, бегущего во всю прыть. Ноги модели закреплялись в нужном положении с помощью стульев и ящиков, а одежда развевалась на бегу благодаря рукам ассистентов.

На следующем фото сразу два ассистента удерживают девочку в такой позе, как будто она бежит.

Эта кропотливая работа была проделана не ради главного героя, а всего лишь чтобы нарисовать крошечную бегущую фигурку на многолюдной улице — настолько Роквелл был внимателен к деталям. Только посмотрите на девочку в синем платье, которая бежит справа налево возле фонарного столба — нам ни за что не придет в голову, как тщательно она срежиссирована.

Моделей на фото можно заставить не только бегать, но и танцевать. Чтобы поднять их ноги на достаточную высоту, художник опять-таки использовал книги, стулья и ящики.

С помощью ассистентов иллюстратор заставлял «танцевать» даже собак:

На базе таких референсов можно было создать иллюстрацию, где люди и животные веселятся вместе:

Трюки, с помощью которых Роквелл имитировал движение модели, до сих пор полезны и востребованы. Однако при современном уровне развития техники художники предпочитают снимать движущихся людей на видео, а потом просто выбирают подходящий кадр.

Когда Роквелл хотел нарисовать людей, которые едут в автомобиле, он устраивал им две разных фотосессии. Сначала художник фотографировал моделей в салоне автомобиля, чтобы разобраться с освещением, глубиной и цветом. Затем он фотографировал тех же людей просто на диване, чтобы до конца понять их позы. Как хорошо видно на следующем фото, Роквелл добивался максимального сходства референса с тем, что хотел в итоге получить на иллюстрации. Выдумывал он очень мало.

Опыт Роквелла показывает, что моделям нужно давать тщательно продуманные инструкции и добиваться, чтобы они очень точно им следовали. Кроме того, художнику следует развивать чувство архетипа, которое поможет увидеть будущего героя картины в привычном, казалось бы, лице соседа, друга или родственника.

Вот еще несколько референсов Роквелла и иллюстраций, которые он по ним нарисовал. Предлагаем вам сравнить их и разобраться, что художник в них изменил и зачем. Нам это занятие показалось очень увлекательным!

Election Day (Дьюи против Трумэна. День выборов), 1948 год.

After the Prom (После выпускного), 1957 год.

Tattoo master (Татуировщик), 1944 год.

Little Girl Observing Lovers On A Train (Маленькая девочка, следящая за влюбленными), 1944 год.

Marriage Counselor (У консультанта по брачным вопросам), 1960 год.

Andrew Wyeth.

Этот пост я вынашивала в своих мыслях уже давно. Не только потому, что Эндрю Уайет один из любимейших моих художников на картины, которого я мечтаю посмотреть в живую.Но еще причина кроется в том, что когда-то давно я обещала некоторым своим друзьям познакомить их с американским искусством.

Я помню удивленные вытянутые лица на мое заявление о том, что есть много отличных американских художников.

— Это в Америке-то, откуда? Молодая разрозненная нация.

— Это ты про поп-арт?

И я полностью согласна, в американском искусстве до 20 века действительно можно найти мало чего выдающегося, тем более на мировом уровне. Но вот потом.
Так что первым про кого я расскажу, и я надеюсь не последним, пусть будет Эндрю Уайет.
К сожалению он не так давно покинул этот мир в 2009г.

Мое знакомство с творчеством этого художника произошло лет 6 назад благодаря моему горячо любимому педагогу Елене Александровне Трофимовой. Кто-то из ее знакомых давно привез из-за границы монографию .Я помню как меня поразили репродукции напечатанные там. К сожалению интернет и качество здешних картинок дает очень слабое представление о его кропотливой детализации в работах и прекрасном владении акварелью. Помню как с жадностью вглядывалась
в каждую картину.
Хочу заметить, что реализм наверно одно из самых моих нелюбимых направлений в искусстве,
я долго не могла сформулировать почему, так как ответ потому что мне не нравится реалистическое изображение предмета меня не устраивал.И вот наконец я поняла, реализм очень часто убивает
в картине загадку, историю, там настолько все ясно просто и понятно, что посмотрел и прошел мимо, над этим не хочется размышлять.Ты видишь прекрасную технику и больше ничего, художник не показывает своего отношения к изображенному сюжету.Картина получается безликой-очень техничной, но без чувств. Разве это искусство? Это мастерство, а что за ним? Ничего?
Получается некий парадокс вроде нарисовано точно, как в жизни, а жизни то и нету.
Картина мертвая.Мертвые предметы, мертвые лица.
Но сейчас смотря некоторых современных художников я начинаю замечать, что они выводят реализм на новый уровень и это довольно интересно.

И Эндрю Уайет прежде всего поразил меня своей тайной. Его стиль характеризуют как «магический гиперреализм» и этим уже все сказано. Его умение подать простой предмет в простом, но одновременно сложном пространстве. Его композиции. это наполненная пустота!
то что я так люблю и ценю! и надеюсь когда-нибудь смогу достичь.

Монография была конечно на английском и включала в себя дневник Уайета. Елена Александровна перевела все и зачитала нам несколько отрывков, и вот тогда я окончательно и бесповоротно влюбилась в этого художника. Какое это необыкновенное восприятие мира.

Некоторые мысли Уайета я выложу отдельным постом.
Вот тут:
От его картин такое острое ощущения прожитой истории. И ведь на практике так и оказывается, каждая картина каждый предмет это что-то очень личное, что он описывает в своем дневнике. На самом деле мне поста не хватит рассказать про все эти вещи и истории.
Да и достоверного источника к сожалению под рукой нет, а интернет очень скуден и не надежен на этот счет. Так что друзья часто ездящие за границу! если вдруг будете в Америке и вам на глаза попадется любая литература касающаяся Эндрю Уайета, благодарна буду по гроб жизни! заплачу и верну любые деньги:) намек понят?)))

Но историю одной картины я все таки вам расскажу. По памяти, так что за некоторые возможные неточности простите.
Эта картина и эта история врезались в мою память очень ясно. И всегда вспоминая Эндрю Уайета я вспоминаю сначала эту прекрасную написанную метафору. Мне кажется эта история полностью характеризует творчество Уайета.
Я несколько часов искала эту картину в недрах интернета, чтобы рассказать кто на ней изображен и нашла только в таком качестве.Но надеюсь мои усилия прошли не даром и вам понравится.

Вы видите колокол висящий на двух подпорках. Казалось бы ничего особенного, а оказывается это портрет его сестры, которая любила носить шляпки, она была калекой, видимо какая-то травма, передвигалась на костылях. Увидев эту картину, она все поняла и попросила Уайета подарить ей.
Мне кажется это очень трогательно.

Читать еще:  Талантливая украинская художница. Татьяна Синяева

Ну а теперь все по порядку.

Эндрю Ньюэлл Уайет ( 12 июля 1917 — 16 января 2009) родился в Чеддс-Форд, штат Пенсильвания, США.
Сын выдающегося художника-иллюстратора Ньюэлла Конверса Уайета (N. C. Wyeth), брат изобретателя Нэтениела Уайета и художницы Генриетты Уайет Хёрд, отец художника Джейми Уайета(Jamie Wyeth).

Эндрю был младшим ребёнком в семье Ньюэлла Конверса и Каролины Уайетов. Обучался дома по причине плохого здоровья. Рано начал рисовать, учился живописи у отца. Историю искусства Уайет изучал самостоятельно.
Первая персональная выставка акварелей Эндрю Уайета состоялась в Нью-Йорке в 1937 году, когда ему было 20 лет. Все работы, выставленные на ней, были довольно быстро распроданы. В начале своей карьеры Уайет также немного занимался иллюстрированием книг, как его отец, но вскоре прекратил это.
В течение всего последующего времени Уайет попеременно жил в Пенсильвании и Мэне, практически не покидая восточное побережье США. Стиль художника практически не менялся, хотя со временем картины Уайета становились более символическими, уходя в сторону магического реализма.

Вот отец N. C. Wyeth как раз яркий представитель того самого реализма, который я не люблю!
Но тем не мение художник заслуживающий внимания.
Немного для ознакомления:

Он учил сына, что в живописи главное колорит, особенно если ты рисуешь такую страну, как Америка. Эндрю же считал, что великая страна нуждается не в ярких красках, а в ярких людях. Величие в простоте. А самый простой и естественный цвет — серый, цвет обычной земли, которую истоптал башмак фермера, чье лицо, как и землю, выветрили ветра и лишил колорита пот того, кто на земле трудится.

Эндрю Уайет проводил долгие часы на натуре: в доме Олсонов, в доме соседей Кёрнеров, которых он часто рисовал, часы — на берегу ручья, на жаре, часы — под деревом, на морозе. Никто в доме не знал, куда и зачем он уходит. Свобода и секретность работы была его привилегией. Родным было запрещено спрашивать, где он был.В выборе объектов Уайетом не обязательно руководила любовь или восхищение, но обязательно – сильное чувство.

Он погружал зрителя в мир повседневный, в котором жили обыкновенные люди. В этом мире не присутствовала современная цивилизация, индустриальный век. Как-то критик заметил, что его герои не носят… ручные часы. Поставив ему это в упрек.

Важнейшая особенность творчества Эндрю Уайета в том, что художник всю свою жизнь прожил только в двух местах: в Чеддс Форд, штат Пенсильвания, и на океанском побережье Мэйна, где у семьи был летний дом. Он рисовал ТОЛЬКО два эти места. Он делал портреты только жителей этих городков – своих друзей и соседей. Так что если говорить о «мире Эндрю Уайета» в терминах географических, то он – крошечный.
Но. другая особенность Эндрю была в том, что он находился в долгих, теснейших, интимных отношениях с людьми, которых он писал, и с их домами, и с видами, которые открывались из их окон. И он испытывал сильнейшие чувства ко всем своим объектам.

Я помню не меньше 10 минут разглядывала эту работу. Черная кожа среди пестрых лоскутков, какое тонкое сочетание по цвету , какое техническое выполнение не передать словами.

Garret, 1962

ну поехали.

Barracoon. 1976.

«Henry Teel» 1944

Старик и море.
Adrift, 1982

Christina’s World, 1948

Distant Thunder, 1961

Master Bedroom, 1965

«Willard’s Coat» 1968

The Quaker, 1976

Night Sleeper. 1979

«Spring Fed» 1967

Groundhog Day. 1959

Love in the Afternoon. 1992

Far from Needham, 1966

Trodden Weed. 1951

Wind from the Sea. 1947

Off at sea. 1972

Open and Closed. 1964

Monday Morning. 1965

Walking Stick. 2002

The Witching Hour. 1977

к сожалению эти работы в маленьких размерах:

На эмоции Уайета откликаются зрители, не знающие ни его героев, ни обстоятельств его жизни. Коллекцию «Хельга» купили за огромные миллионы японцы. Выставка Уайета имела огромный успех в России в 87-м году. Я думаю, секрет живописи Эндрю Уайета (как и всякого искусства) в том, что она способна выразить чувства.

А вот работы сына, Джейми Уайета.
Ему явно близка философия отца.

фухх. ну вроде конец)))
извиняюсь что не все работы подписаны и датированы, просто уже сил нет.
надеюсь вам понравится!

Американец посадил 160 гектаров подсолнухов в память об умершей жене

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 22:32
  • 1124

Бабетте Джакьюш из американского штата Висконсин при своей жизни очень любила подсолнухи. Поэтому ее муж засадил этими растениями огромные поля.

23 очаровательных кота, пародирующих фотографии моделей

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 19:30
  • 1194

Кто сказал, что только модели могут удачно позировать? Братья наши меньшие ни в чем им не уступают!

Безопасность превыше всего

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 18:43
  • 3256

Соляночка =3

  • Ник Парабеллум
  • 24 августа 2015 03:47
  • 3104

Чтобы прослушать файл установите Flash Player и включите поддержку JavaScript.

Коллекция эмоциональных снимков. Часть 41

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 03:32
  • 2922

Преображение девушек при помощи макияжа

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 03:23
  • 3924

Иногда случается так, что вы встречаете невероятно красивую девушку, а после выясняется, что ее красота, прежде всего, является заслугой макияжа.

В Великобритании открылся мрачный «Диснейленд» — Dismaland

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 03:10
  • 2582

22 августа уличный художник известный под псевдонимом Бэнкси открыл парк развлечений в городе Уэстон-сьюпер-Мэр, Великобритания. Парк называется Dismaland и представляет собой мрачную версию знаменитого «Диснейленда». В отличие от яркого и сказочного «Диснейленда», здесь все выглядит мрачно и отражает суровые реалии современного мира. В парке выставлены работы современных художников, включая Дэмьена Хёрста и Дженни Хольцера, а еще в нем пройдут музыкальные выступления и арт-перфомансы. Здесь есть полуразрушенный замок Золушки и сама Золушка, ставшая частью экспозиции, напоминающей нам о трагической гибели принцессы Дианы. Вход в парк Бэнкси, прославившегося своими остросоциальными граффити на улицах Лондона и других городов, будет стоить 3 фунта (примерно 4,5 доллара). Проработает парк до 27 сентября.

На границе между КНДР и Республикой Кореей вновь неспокойно

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 02:36
  • 1817

На фоне инцидента с громкоговорителями, установленными вблизи демилитаризованной зоны Южной Кореей в целях пропаганды, отношения с КНДР резко ухудшились. Дело дошло до того, что Северная Корея открыла артиллерийский огонь по громкоговорителям, на что южный сосед ответил огнем из своих орудий. Далее последовал ультиматум, согласно которому КНДР требовала прекратить вещание через громкоговорители, угрожая ввести войска на территорию соседней страны. Армии обеих стран были приведены в полную боевую готовность, к тому же Республика Корея начала совместные учения с американцами. Избежать полноценных боевых действий позволили переговоры, которые представители обеих стран ведут уже второй день. В реальном положении дел в регионе позволит разобраться данный пост.

1. По итогам Второй мировой войны Корея, которая с 1910 г. по 1945 г. входила в сферу влияния Японии, была разделена по 38-й параллели. В 1948 г. здесь были созданы два государства — Корейская Народно-Демократическая Республика (КНДР) и Республика Корея.

Заброшенный терминал в индийском аэропорту

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 02:26
  • 1317

В аэропорту небольшого индийского города Джайсалмер, что находится посреди Великой индийской пустыни в штате Раджастхан, построили новый терминал, потратив на это 17 миллионов долларов. Терминал построен по современным технологиям и способен ежегодно принимать 300 000 пассажиров, однако, он оказался невостребованным. Теперь это сооружение стоит заброшенным и совершенно ненужным.

Забавные существа Лукаса Левитана на фото из Instagram

  • NikoniX
  • 24 августа 2015 02:24
  • 956

Бразильский иллюстратор Лукас Левитан (Lucas Levitan) известен тем, что дорисовывает своих забавных персонажей на чужих фото из Instagram. Предлагаем взглянуть на веселые работы этого художника.

Gareth Pugh: дизайнерами не становятся, ими рождаются

В этот раз решила поделиться с вами биографией и подборкой подиумных фото Гареда Пью. Сколько бы я не читала об этом человеке и не смотрела его коллекции, меня абсолютно ничего не шокирует и не удивляет, мне наоборот кажется, что и внутри меня сидит нечтно, что я потом рождаю в свое искусство.

Он похож на вечного enfant terrible британской моды. В отличие от большинства своих сверстников-выпускников колледжа Central St Martins, которые рано, но ненадолго покоряют заоблачные высоты профессии, Гарет Пью продолжает красиво пугать оттуда полюбившую его публику. При этом она ничего, кроме имени героя, о Пью толком не знает.

Читать еще:  Художник-самоучка. Henrik Aarrestad Uldalen

31 августа 1981 года Гарет Пью родился в английском Сандерленде, который известен более всего одноименной футбольной командой, выступающей в премьер-лиге. На вопрос, наложил ли этот портовый городок отпечаток на его творчество, дизайнер однажды ответил: «Я прожил там достаточно долго, так что считать его источником вдохновения было бы честно». Его отец, Тревор, работал в полиции. Старший брат, снова Тревор («тут мои родители проявили максимум воображения»), тоже был полицейским. «Думаю, никто не сомневался, — говорит Гарет, — что в полиции я буду уже лишним». Мать Гарета, Лесли, до недавнего времени работала диспетчером в Littlewoods — фирме, занимающейся доставкой товаров на дом. «Школьником я просидел там целое лето, — вспоминает Гарет. — Littlewoods приветствует вас! Говорит диспетчер Гарет. Мэм, вам со сливочным маслом или без?»

31 августа 1991 На десятый день рождения мать повезла Гарета в Лондон на мюзикл «Призрак оперы». «Это было мое первое путешествие в столицу. Театр располагался в Вест-энде. Помню, мы шли по Сохо, и там все было не так, как у нас в городе. Люди просто сидели за столиками, стоящими на улице, и, не обращая ни на кого внимания, пили кофе. «Здорово здесь!», — сказал я себе тогда».

Когда Гарет учился в школе, мать отдала его в балетный кружок, в котором он занимался до 14 лет. «Она хотела, чтобы я был как Билли Элиот». Но Пью больше интересовали балетные костюмы, чем танец. «В старших классах я хотел специализироваться на текстильных изделиях, но пошел на социологию — из-за родителей. Они хотели, чтобы сын занимался какой-нибудь серьезной наукой. В конце концов, мне это даже понравилось. Интересно узнать чуть больше о том, как все вещи в мире связаны между собой».

1995 Гарет устроился на лето в лондонский Национальный молодежный театр. Чтобы попасть в труппу, Пью соврал, что ему уже исполнилось 15. Выступал в пантомиме, но большую часть времени пропадал в костюмерной.

1997 Поступил в Cандерлендский колледж и с блеском защитил дипломную работу по специальности «Дизайн одежды». Его преподаватель Линда Андерсон вспоминала: « Гарет был прекрасным учеником. Несмотря на вспыльчивость и некоторую эксцентричность, Гарета очень любили преподаватели и одноклассники». Издатель Джефферсон Хэк рассказал, как Гарет, готовя материал для выставки в Ноттингеме, упросил мать позировать ему обнаженной.

2000 Гарет планировал поступать в школу искусств Слейда на историческое отделение, но в последний момент решил рискнуть и сдать экзамены в культовый колледж дизайна и моды Central St Martins, увидев про него передачу на BBC. Пью чуть было не пожалел, когда его туда приняли: « В первый же день я обнаружил, что совершенно не вписываюсь. Я оказался чужим на своем курсе». Это не помешало Гарету стать звездой на своем потоке. «Там были замечательные преподаватели, например, Говард (Танги — прим. ред), который учил еще Джона Галльяно. Он нам все время повторял: «Не думайте, что вы станете дизайнерами, когда закончите колледж, потому что дизайнерами не становятся, ими рождаются. «Заключительная коллекция» на выпускных экзаменах потому и называется «заключительной», потому что для большинства она и будет первой и последней демонстрацией ваших талантов».

2003 «Заключительная коллекция» Гарета Пью была сделана из надувных шаров, к тому же по подиуму вышагивали модели в шубах из человеческих волос. «Один из моих преподавателей объяснил, что у меня в Central St Martins есть три года, чтобы создать лучшую коллекцию из возможных. Я никак не мог понять тех студентов, которые все три года старались изобрести то, что уже можно купить в соседнем бутике».

Март 2004 года Модели Гарета Пью украсили обложку журнала Dazed & Confused. После этого дизайнера пригласили принять участие в Венецианской биеннале в секции «Измененное настоящее», но организаторы отклонили его работы, сославшись на то, что автор слишком молод для столь солидного мероприятия. Вместо Венеции Гарет устроил первый показ в лондонском клубе Kashpoint’s в рамках Неделе альтернативной моды и заслужил приглашение участвовать в групповой выставке набирающего силу художественного сквота !WOWOW!

Осень 2005 Групповая выставка !WOWOW! На подготовку коллекции Гарету было отведено четыре недели и — ни пенса денег. Жил в сквоте, спал в турбосолярии, к тому же параллельно работал над костюмами для турне Кайли Миноуг, спасая их от бродящих по сквоту собак. Коллекция Пью привлекла внимание самой Анны Винтур, которая с тех пор регулярно посещает его дефиле. Костюмы для Кайли Миноуг подарили Гарету еще одного постоянного клиента от музыкальной индустрии — Мэрилина Мэнсона.

Осень 2006 Первый персональный показ в рамках Недели Моды в Лондоне. Последующие Недели уже не обходились без Гарета, которого, правда, стали упрекать в том, что он до сих пор не продал ни одной вещи из своих коллекций. Критика встала на его защиту: «Если Пью и стал новым фаворитом у поклонников лондонской клики молодых дизайнеров, то лишь потому, что он последний, кто придерживается давней традиции дефиле-перформансов, восходящей к Ли Бовери. Именно ее развивали Вивьен Вествуд, Александр Маккуин и Джон Галльяно».

2007 Пью получает премию Elle как лучший молодой стилист года. Дизайнера приглашают в партнеры Рик Оуэнс и его супруга Мишель Лами. С их помощью осеннее-зимняя коллекция Гарета, наконец, идет в тираж, хотя и весьма ограниченный — для пошива с трудом отыскали фабрику в Италии. Продаются модели в только в солидных бутиках — Browns в Лондоне, Colette в Париже, Seven, Barneys и Bergdorf Goodman в Нью-Йорке.

Июнь 2008 Премия ANDAM. Гарет Пью срывает куш, единолично получив весь призовой фонд в 150000 евро. Он перебирается из Лондона в Париж:«Лондон это место, где я привык жить и работать, тут все мои друзья. Но ведь интересно и проверить, на что я способен, смогу ли показываться в Париже».

И он смог: в январе 2009 года дизайнер впервые представляет публике свою мужскую коллекцию на парижской Неделе моды.

В августе 2010 года Пью открывает первый магазин в Гонконге.
На сегодняшний день Гарет регулярно принимает участие в показах парижской Недели моды, выпуская ежегодно по две коллекции. Марка Gareth Pugh производит мужскую и женскую линию ready-to-wear.

Несмотря на то, что Гарет когда-то отказался создать капсульную коллекцию для бренда Topshop, впоследствии он смог реализовать себя во многих других проектах. Одним из самых нашумевших становится сотрудничество дизайнера с косметической компанией MAC cosmetics, для которой Пью создает эксклюзивную «готическую» линию.

Коллекция Gareth Pugh и MAC состояла преимущественно из фиолетовых, серебристых, синих и серых оттенков кремовых теней, лака для ногтей, помад и блесков для губ, а также накладных ресниц необычной формы. Гарет лично выбирает оформление и разрабатывает упаковку. MAC запускает косметику в продажу в ноябре 2011 года.
Для коллекций 2009 и 2011 года дизайнер снимает футуристические видеоролики. В первом видео, продолжительностью 8 минут главную и единственную роль исполняет модель Наташа Войнович, предстающая в различных образах в стиле Гарета под монотонную мелодию. Клип 2011 года снимается при участии видео-оператора Руфа Хогбена (Ruth Hogben) и представляет из себя сюрреалистичную картину в темных тонах. Ролик был представлен на итальянском шоу Pitti.

Летом 2011 года Гарет Пью сотрудничает с компанией «Absolut», для которой разрабатывает дизайн бутылки водки. Лимитированная серия выполнена в излюбленных дизайнером черно-белых тонах, а каждая «модель» имеет специфические крылья. С сентября 2011 года «Absolut Mode Edition» поступает исключительно в «люксовые» универмаги Великобритании.

Глядя на коллекции Gareth Pugh, кажется, что переносишься в другие миры. Его модели своим обликом напоминают инопланетных существ, неожиданно посетивших модный показ.и это как нельзя лучше характеризует создаваемые им вещи. Его «потусторонние» образы шокируют, приводят в восторг, вызывают негодование, но никогда не оставляют равнодушными.
Однажды Гарет признается, что это и является его основной целью: быть не как все и не создавать то, что можно купить в любом модном магазине. Так, балансируя на грани темного и светлого, он продолжает набирать популярность, каждый раз перенося зрителей то ли в волшебную сказку, то ли в темное подземелье.
Звездными поклонниками марки являются Кайли Миноуг (Kylie Minogue), Мэрилин Менсон (Marilyn Manson), Бейонсе (Beyonce), Леди Гага (Lady Gaga) и многие другие.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector