Традиционная живопись. Pedar (Peter) Dillon

Традиционная живопись. Pedar (Peter) Dillon

Как изображали Марию Магдалину величайшие художники: Тициан, Джентилески, Иванов и др

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

«Магдалина с дымящей свечой» Жоржа де Латура (1638-1640)

Жорж де Латур — французский художник эпохи барокко, который написал этот шедевр в 1640 году. Сцена, изображенная в «Магдалине с дымящей свечой», происходил в темной и простой комнате. На картине де Латура Мария Магдалина сидит перед столом и целиком погружена в свои мысли. Ее правая рука лежит на черепе, ноги обнажены, а белая рубашка приоткрыла обнаженные плечи героини. Тело Марии Магдалины окутывает таинственная тьма, а лицо освещает только свеча. Лампа не только создает атмосферу движения, но также является элементом, намекающим на хрупкость человеческой жизни.

Благодаря этому источнику света можно увидеть книги и атрибуты, характеризующие Страсти Христовы и мимолетность жизни. Вот деревянный крест и окровавленная плеть. Череп представляет собой Голгофу, место распятия Христа. Смысл есть и в руке, ласкающей череп — это отражением темы смерти. Пламя и череп вкупе олицетворяют быстротечность и невозвратность времени. Таким образом, все элементы картины отсылают к темам покаяния и испытаний, посланных Богом.

«Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения в Италии» Александр Иванов (1834-1835)

Хотя Иванов написал картину в традициях академического искусства, в неё чётко прослеживаются особенности итальянского искусства и живописи эпохи Возрождения. «Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения» считается «репетицией» перед созданием масштабного полотна «Явление Христа народу» (его Иванов писал долгих 20 лет!). Однако, работа с Магдалиной все же заслуживает должного внимания, ведь именно благодаря ей автор получил звание академика, а картина украшала стены дворца самого царя Николая I.

Сюжет с Магдалиной кисти Иванова отличается элегантной простотой и итальянским изяществом. Зритель видит только две фигуры — Христа и Магдалину. Художником запечатлен момент из Евангелия, когда Магдалина увидела его воскресшим. Она спешит к Христу, но он останавливает Магдалину спокойным жестом.

Лицо Марии озарено множеством искренних и сложных чувств: удивление, волнение, горе, восхищение и пр. Магдалина одета в ярко-красное платье. Христос изображен в белой мантии. Образ Магдалины пробуждает у
зрителя веру в чудеса. А главный посыл картины в том, что даже самую заблудшую душу можно спасти.

Фредерик Сэндис «Мария Магдалина», 1859 г.

Фредерик Сэндис (1829–1904) был сыном художника и получил образование в Норвичской школе дизайна. Он начал свою карьеру как портретист и иллюстратор антиквариата. Его переезд в Лондон в 1851 году стал судьбоносным, там он стал членом Братства прерафаэлитов, подружился и жил в одном доме с Данте Габриэлем Россетти. Последний назвал Сэндиса «величайшим из ныне живущих рисовальщиков». Сильные и чувственные образы женской красоты и культовые изображения соблазнительных и загадочных женщин, выполненные в стиле прерафаэлитов, принадлежат именно этому художнику.

Глядя на его работу «Мария Магдалина», зритель не сразу узнает в героине Святую Магдалину. Она изображена красавицей с длинными золотыми волосами в стиле прерафаэлитов. Интересно, что Сэндис специализировался именно на поясных фигурах красивых и роковых женщин. Пристальное внимание Сэндис к деталям типично для школы прерафаэлитов. Образы женской красоты Сэндис — это знаковые изображения очаровательных и загадочных женщин, представляющих его уникальный стиль. Героиня изображена практически в профиль. Фон – темно-зеленый с английским орнаментов. В руке у героини сосуд с притираниями (ее главный атрибут), а плечи покрывает красно-зеленый платок с растительным орнаментом. Этот образ Магдалины резко выделяется на фоне других картин.

Карло Дольчи «Кающаяся Магдалина» (1670)

Покаяние Святой Марии Магдалины — традиционная тема, особенно популярная в итальянском искусстве XVII века. На картине Долчи Магдалина изображена с распущенными волосами, ее правая рука лежит на груди, а ладонь левой руки поднята вверх и опирается на раскрытую книгу. Ее традиционный атрибут — горшок с притираниями, с которым она пришла к Христу, чтобы помазать его – изображен на правом переднем плане среди скал. К слову, распущенные волосы и горшок – это ссылка на Евангелие от Луки (7: 37-8). В писании описывалась женщина-грешница, которая помазала ноги Христа, омыла их своими слезами, а отерла длинными волосами. Карло Дольчи был глубоко набожным человеком и прославился своей эмоциональной передачей религиозных сюжетов, а также тщательной детализацией. Мария Магдалина была его наиболее часто изображаемой героиней.

Самобытный и детализированный стиль живописи Дольчи принес ему известность как во Флоренции, где он провел большую часть своей жизни, так и за ее пределами. Эта картина вошла в Королевскую коллекцию в качестве подарка сэра Джона Финча католической королеве Екатерине Брагансской, жене Карла II. Будучи английским резидентом при дворе великого герцога Фердинанда II, Финч встретил Карло Дольчи во Флоренции и имел возможность заказать у него ряд работ. Финч восхищался художником и оказывал ему покровительство и поддержку.

Читать еще:  Фотосессия в нижнем белье

Артемизия Джентилески «Преображение Марии Магдалины (Кающаяся Мария Магдалина)», 1615-1616

Артемизия Джентилески — это первая женщина-художник, присоединившаяся к флорентийской академии, написала образ трогательной Магдалины в 1617 году. Это был заказ от семьи Медичи. Героиня Джентилески одета в желтое с кружевами платье и и сидит среди роскошного шелка и бархата. Одна рука Магдалины прильнула к груди, а вторая — к зеркалу, которое показывало ей, кем она была перед Богом. Ее глаза теперь полностью открыты и жаждут свободы, Христа, света. Мария Магдалина не перестает быть красивой, когда обращается к Христу, но эта красота больше не предназначена для обогащения. Она – для прославления Господа, который любит ее больше, чем кто-либо и когда-либо.

Известно, что сама Артемизия Джентилески испытала боль публичного проступка после того, как в 17 лет была изнасилована коллегой своего отца. Последующий судебный процесс по делу об изнасиловании унизили девушку и подвергли ее сплетням еще больше. Собрав всю свою волю и «упаковав» свой потрясающий художественный талант, она переехала во Флоренцию, чтобы начать свою жизнь заново.

Тициан «Кающаяся Магдалина» (1531, 1565)

Тициан был одним из тех художников, которые изображали Магдалину как символ искупления. В двух знаковых произведениях он демонстрирует кающуюся Магдалину. Зритель видит момент из Евангелия, когда Магдалина осознает свою греховную жизнь и плачет, поднимая свой взор на небо. Его первая Магдалина была написана в 1531 году, а затем он вернулся к ней 30 лет спустя.

Работы Тициана хоть и затрагивают христианскую тему, но кажутся довольно чувственными. Причина кроется в средневековых повествованиях. В них говорится, что в течение 30 лет после вознесения Иисуса Мария Магдалина бродила по пустыне и ее одежда буквально разваливалась. Художники того времени стремились использовать это упоминание как способ смешения чувственности и религии. Картины, таким образом, становились более популярными, а художники не боялись скандальной реакции общественности. Физические характеристики Магдалины Тициана соответствуют идеалу красоты того времени: золотистые длинные волосы, полные губы и пышное тело.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Питер Клас: пространство, залитое волшебным светом

Питер Клас (Pieter Claesz; родился1597 г. — умер 1 января 1661 г.) — выдающийся художник Золотого века голландской живописи, основатель знаменитой харлемской школы натюрморта. В картинах великого голландца свет — самостоятельное действующее лицо: определенная цветовая гамма, как правило, коричневато-золотистая, зеленоватая или серебристо-серая, придает композиции таинственную, почти мистическую гармонию. Питер Клас стал родоначальником тонального (монохромного) натюрморта. Он первым оценил роль единого тона в колорите, связывающего объекты и воздушную среду в одно целое.

Питер Клас работал также в более мрачном, метафоричном жанре ванитас (vanitas), распространенном в голландской живописи эпохи Барокко.

Биография Питера Класа

Питер Клас, к имени которого иногда добавляют «ван Харлем», родился около 1597 года в бельгийском Берхеме (по другим данным — в 1596 или 1598 г. в Бургштайнфурте, Вестфалия (в настоящее время Штайнфурт, Германия)), в семье голландцев. О детских годах гения практически ничего не известно. Поселившись в Харлеме, двадцатилетний юноша вступил в Гильдию Святого Луки и начал свой путь в качестве художника. Тогда же, в 1617-м, молодой человек женился, и в 1620 году впервые стал отцом. Его сын впоследствии снискал славу в искусстве как пейзажист, и внук тоже пошел по стопам деда. После кончины супруги вступил в брак вторично, в этом союзе у него появились две дочери.

В начале XVII века Харлем был важнейшим центром изобразительного искусства, сыгравшим огромную роль в становлении нового жанра — натюрморта, а Питер Клас оказался в нем одним из лучших. Возможно, учителем молодого дарования был Флорис ван Дейк (Floris van Dyck).

Творчество Питера Класа обычно делится на три периода, каждый из которых отличается своим собственным стилем.

Первые пробы пера относятся к 1621-1622 годам. В них еще чувствуется неуверенность ученика, ориентирование на признанные образцы. Примерно до 1625 года на его картинах изображались накрытые столы («завтраки»), работы выполнены в свежем, четком цвете. Предметы пока изолированы друг от друга и мало связаны, но уже смещены от центра к краю стола для приближения к зрителю и придания композиции глубины — а это уже прямой намек на будущего Питера Класа.

В период с 1625 по 1640 год живописец постепенно уменьшал количество предметов, часто ограничивая себя, например, стаканом, тарелкой, простой сельдью или булочкой. В работах 1630-х художник уже предстает перед нами как тонкий, самодостаточный мастер. Между 1630-м и 1640-м годами палитра цветов стала монохромной, приглушенной.

Читать еще:  Традиции и современность. Jerome Parker

Одно время Питер Клас, под влиянием утрехтских мастеров-караваджистов, увлекался изображением искусственного света. Рисовал пламя свечи, отражающееся в бокале, хотя считал утрехтские натюрморты напыщенными и неестественными.

После 1640 г. автор вернул в свои картины драматические цвета, на них стали появляться цветы, фрукты, птица, дичь, изящное стекло. Его поздние работы вдохновили таких мастеров, как Ян Давидс де Хем (Jan Davidsz de Heem), Абрахам ван Бейерен (Abraham Van Beyeren) и Виллем Кальф (Willem Kalf), которые преуспели в жанре «роскошного» натюрморта. И это несмотря на то, что сам Питер Клас никогда не использовал в своих композициях аристократические предметы и полированную отделку.

Произведение «Завтрак», выставленное в Музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве — прекрасный образец подлинного, сформировавшегося Питера Класа. Натюрморт, исполненный особой благородной простоты, выдержан в спокойных серо-коричневых тонах.

Со временем живописная манера мастера становится все красочнее, а композиция — более непосредственной. С помощью самых простых приемов он превращал обычную трапезу в важное явление. Тончайшие вариации сходных монохромных оттенков стали более выраженными. На поздних картинах порой встречаются листья и виноградные лозы, нарисованные Рулофом Кутсом (Roelof Koets).

Питер Клас продолжал писать вплоть до самой смерти, случившейся в конце 1660-го года. Художник похоронен 1 января 1661-го. Его произведения хранятся в коллекциях лучших художественных музеев мира.

Самые известные картины Питера Класа

Картины Питера Класа уже при его жизни стали весьма и весьма знаменитыми. Мастер натюрморта имел множество последователей и подражателей, с его работ постоянно снимались копии. Среди лучших картин:

  • «Ванитас. Натюрморт с черепом и свечой» (1625) — при помощи символов выражена библейская мысль о суетности бытия.
  • «Натюрморт с черепом и гусиным пером» (1628) — произведение написано в жанре vanitas.
  • «Трубки и жаровня» (1636) — фактура предметов подчеркнута игрой света и тени. Картина из собрания Государственного Эрмитажа.
  • «Натюрморт с лобстером и крабом» (1643) — отличается необычайной степенью натурализма, мелкие детали тщательно прорисованы.
  • «Натюрморт с фруктами» (1644) — в этой картине автор демонстрирует оптимистическое, позитивное, более того — эпикурейское восприятие жизни.
  • «Завтрак» (1646) — украшения на ножке сосуда похожи на лежащие рядом виноградинки, но ягоды живые, а стекло — нет.

Во всем Харлеме лишь Виллем Клас Хеда (Willem Claesz (Claeszoon) Heda), друг и соратник Питера Класа, мог сравниться с ним в профессионализме. Министр Самуэль Ампцинг указал работы Питера Класа и Виллема Класа Хеды в «Похвале городу Харлему» в 1628 году. Их имена так и оказались рядом в плеяде «малых голландцев», продолживших традиции мастеров эпохи Возрождения.

Школа голландского натюрморта погрузилась в относительное забвение в XVIII-м и начале XIX-го века, пока французский искусствовед Теофиль Тор-Бургер заново не открыл ее. Тогда Питер Клас вновь получил то внимание, которое он, несомненно, заслужил.

На сайте Veryimportantlot можно принять участие в аукционах и приобрести произведения известных мастеров прошлого, а также недорого купить картины напрямую у современных художников.

parashutov

parashutov

МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ В ЖИВОПИСИ — ЦИТРА

Семь лет назад я делал пост, посвященный цитре и ее аналогам, но на тот момент я собрал всего несколько картин, поэтому в честь сегодняшнего Международного Дня музыки я хочу еще раз поговорить о цитре.

Цитра (нем. Zither) — струнный щипковый инструмент, получивший наибольшее распространение в Австрии и Германии в XVIII веке. Цитра — родственник арфы и очень похож на русские гусли, она в разных странах называется по-разному.
В Германии Die Zither, во Франции цистр, а в Италии четера. Слово «цитра» является одним из нескольких названий музыкальных инструментов, происходящих от названия древнегреческого щипкового многострунного инструмента кифара.
Аналогичные инструменты древнего происхождения встречаются у многих народов. Так, цитры были распространены в Китае и на Ближнем Востоке. В переводе Библии на русский язык цитрами названы древние музыкальные инструменты киннор и кийтарос (катрос). В России цитра появилась во второй половине XIX века, знали ее во Франции и в Англии, в Венгрии и Румынии, в Италии и даже за океаном — в Соединенных Штатах. Цитра известна была с давних пор. Уже в 16 столетии цитра была вторым по популярности музыкальным инструментом после лютни. Но свое второе рождение она получила в XVIII веке, когда ее почти одновременно усовершенствовали два разных, незнакомых друг с другом, мастера — немецкий — Симон и австрийский — Киндл. К этому времени относится расцвет цитры, на которой с удовольствием играли и коронованные особы, и простой люд.
Цитра имеет плоский деревянный корпус неправильной формы, поверх которого натянуто от 17 до 45 струн (в зависимости от размера инструмента). Несколько ближайших к исполнителю струн (обычно 4-5), натянутых над грифом с металлическими ладами, защипываются надетым на большой палец правой руки плектром, на них играется мелодия. Оставшиеся струны служат для аккордового сопровождения, на них играют остальными пальцами.

Читать еще:  Украинский художник. Valeriy Kot

Emil Rau (German, 1858-1937) The Zitherplayer. 1890 г.

Emil Rau (German, 1858-1937) The Zitherplayer.

Emil Rau (German, 1858-1937) Zither Player in an Alpcottage.

Ludwig Vollmar (German, 1842-1884) The Young Zither Player.

Hugo Wilhelm Kauffman (German, 1844-1915) The Zither Player.

Rudolf Epp (German, 1834-1910) The Zither Player.

Carl Zewy (Austrian, 1855-1929) The Zither Player.

Jenő György Remsey (Hungarian, 1885-1980) Concert.

Franz von Defregger (Austrian, 1835-1921) The Music Lesson.

Franz von Defregger (Austrian, 1835-1921) Familienidyll.

Franz von Defregger (Austrian, 1835-1921) The Zither Player.

Franz von Defregger (Austrian, 1835-1921) Zither spielen (Игра на цитре). 1899 г.

Hermann Kern (Austrian, 1838-1912) The cimbalom player.

Thomas Eakins (American, 1844-1916) Professionals at Rehearsal. 1883 г.

Thomas Eakins (American, 1844-1916) The Zither Player 1876 г.

Edwin Howland Blashfield (American, 1848–1936) The Musician. 1874 г.

Carl Zewy (Austrian, 1855-1929) The Zither Player from Aussee.

Emil Rau (German, 1858-1937) The Music Lesson.

Julius Müller-Massdorf (German, 1863-1933) Ebenda Dachstubenmusikanten.

M. Morelli The Zither Player.

Maximilian Wachsmuth (German, 1859-1912) The Zither Player.

Петер Парлер. Собор Святого Вита

Петер Парлер чеш. Petr Parléř , нем. Peter Parler родился в 30 годах 14 века, в семье зодчего Хайнриха Парлера. Парлеры были известной династией зодчих и архитекторов из Кельна. Однако самым талантливым из них был Петер. Он прожил большую часть жизни в Чехии, и умер в Праге. Его сыновья, Венцель и Йоханн, пошли по стопам отца.

Первым архитектором, строившим собор, стал француз Маттиас из Арраса , приглашённый в Прагу из папского дворца в Авиньоне . Маттиас составил общий план строения в стиле французской готики (переходная базилика, аркбутаны , короткий трансепт). Однако он дожил лишь до окончания строительства аркад и галереи.

Маттиас у мер в 1352 году . Узнав о работах Парлеров в Швабии, Карл IV пригласил Петера достроить Собор Святого Вита после смерти предыдущего архитектора.
И 23-летний Петер Парлер строительство продолжил. Сначала он работал в соответствии с планом Маттиаса. Но постепенно начал добавлять собственные идеи и наконец полностью изменил первоначальный проект собора. Парлер был не только инженером, но и скульптором. И относился к архитектуре творчески, как к скульптуре. Его смелые инновационные идеи внесли в постройку необычные уникальные элементы. Вместо классической мрачной готики, собор стал казаться праздничным, невесомым и воздушным.

Когда Петер Парлер умер в 1399 году , его работу закончили сыновья — Вензел и Ян.

Петер Парлер был похоронен в Соборе Св. Вита, который он построил. Честь, которой удостаивались избранные.

Длина главного нефа собора 124 метра. Высота Большой южной башни 96,5 метра. На западной стороне возвышаются две 82-метровые неоготические каменные башни с 10-метровым круглым окном в виде розетты между ними. Три портала кафедрального собора богато украшены скульптурами, каменными и бронзовыми рельефами .

Этот собор удивительной красоты, на самом деле долгострой длиной в века. Строительсво, перестройки и реконструкции длились с 1344 года до 1929 год — чуть меньше 600 лет. Но , думаю, оно того стоило.

Художник Петер Ильстед

Петер Ильстед (Peter Vilhelm Ilsted, 1861-1933) — крупный датский живописец и гравёр. После того как его сестра вышла замуж за Вильгельма Хаммерсхёя, Ильстед сблизился с кругом этого талантливого художника, куда входил и Карл Холсо. Все три художника были членами «Свободной выставки», — прогрессивного художественного общества, созданного около 1890 года.

Их произведения отражают упорядоченность спокойной жизни, — по аналогии с ранними работами Вермеера. Ильстед, как и Хаммерсхёй и Холсо, особенно привлекает внимание прекрасными «интерьерами» — сценами повседневной жизни в изящно-меблированных комнатах. Они использовали ограниченную палитру тусклых тонов, подчеркивая, как мягко солнечный свет отражается от каждой поверхности, и выделяя различные текстуры. Некоторые считают такие картины успокаивающими, другие чувствуют в одиноких женских фигурах отчаяние и отчуждённость. Позже творчество этой группы будет олицетворять «Копенгагенскую интерьерную школу».

Картины Петера Ильстеда:

Джеймс Макнейл Уистлер, Дюре и многие важные художественные критики стали первыми поклонниками и коллекционерами авторской живописи Ильстеда. Он выставлял свои работы по всей Европе, в Лондоне в 1907 году, в Германии и в Парижском Салоне.

Художник Петер Ильстед достиг значительного успеха в жизни и получил множество наград за свою работу. Он был единственным членом группы, который обращался в своём творчестве к гравюре. Достижения художника в меццо-тинто были революционными. Некоторые из его гравюр в этой технике считаются одними из величайших когда-либо созданных. Однако, сейчас в России более известны Хаммерсхёй и Холсо.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector