Яркие и динамичные цвета. Французский художник. Mona Edulesco

Яркие и динамичные цвета. Французский художник. Mona Edulesco

Яркие и динамичные цвета. Французский художник. Mona Edulesco

Постоянные элементы в моих картинах — это текстуры, выполненные из толстых слоев масляной краски, в которых я использую яркие и динамичные цвета

Мона Эдулеско (Mona Edulesco) — французский художник и архитектор. Родилась и выросла в Венгрии, но в настоящее время живёт и работает в Лионе, Франция.

В результате её образования и жизненного опыта, большая часть творчества Моны посвящена городской жизни и городскому пространству, но она наслаждается, развивая свои навыки путем изучения других жанров и техник, таких как натюрморты, пейзажи и интерьеры, а также портреты и рисунки живых моделей и применяя их в практике.

Оба родителя — ее мать тоже архитектор, а отец-профессиональный художник — оказали влияние на Мону и поэтому с детства она начала увлекаться искусством. Она стала брать уроки живописи и рисования в очень раннем возрасте. Получила диплом специалиста в области искусства и дизайна в колледже изобразительного искусства имени N.Tonitza в Бухаресте, ее родном городе. Затем продолжила учебу и получила степень бакалавра архитектуры университете архитектуры и градостроительства Иона Минку в Бухаресте, Румынии, а в 2008 году получила степень магистра в области городского планирования в Лионе, Франция.

В течение этого десятилетия она постоянно дополняла архитектурные исследования живыми рисунками и занятиями живописью. В 2011 году Эдулеско решила полностью посвятить себя своей первой страсти — живописи, и вернулась к карьере профессионального художника. Большая часть картин Моны была растиражирована и разошлась по всему миру в виде принтов (высококачественных, напечатанных на холсте или бумаге, репродукций, таких как здесь: pechati-m.com/shop/shirokoformatnaya-pechat/), а также открыток и, даже, изображений на упаковке и упаковочной бумаге.

“Постоянные элементы в моих картинах — это текстуры, выполненные из толстых слоев масляной краски, в которых я использую яркие и динамичные цвета. Я очарована взрывными текстурами и интенсивной хроматикой, которую вы можете исследовать и изобретать самостоятельно, работая над масляными картинами. В основном я использую разнообразные мастихины при создании своих работ, иногда в сочетании с кистями.

Моя работа не имеет определённой направленности, и может быть как фигуративной, так и абстрактным. Что касается творческого процесса моей работы, то я считаю, что картина развивается своим путём. Основная идея может быть эмоциональным импульсом, особым моментом в моей жизни или местом, которое особенно тронуло меня. Затем я пытаюсь интерпретировать эту тему, чтобы донести до зрителя эмоциональное содержание».

Клод Моне — Стиль и техника

ОДЕРЖИМОСТЬ СВЕТОМ И ЦВЕТОМ

Одержимость Моне светом и цветом вылилась в многолетние исследования и эксперименты, целью которых было зафиксировать на холсте мимолетные, ускользающие оттенки природы.

Картины Моне породили новое течение в живописи — импрессионизм, а сам Моне признан величайшим и наиболее типичным представителем этого направления. На протяжении всей своей долгой жизни Моне неуклонно следовал основным правилам импрессионизма — запечатлевать на холсте сцены современной жизни (у Моне — это пейзажи) и работать на открытом воздухе.

РАБОТА НА ПЛЕНЭРЕ

Практика работы художника на открытом воздухе (пленэре) не была чем-то совершенно новым. Ещё в начале XIX века английский художник Джон Констебл часто писал на природе свои наброски и этюды маслом. В 1840 годах, следуя его примеру, группа французских художников собиралась в деревушке Барбизон возле леса Фонтенбло с целью писать пейзажи, которые должны изображать «подлинную природу». Камиль Коро, которого многие импрессионисты высоко ценили за его неидеализированный взгляд на природу, также писал маслом на пленэре, призывая художников «следовать своему первому впечатлению».

Наиболее важную роль в становлении Моне как художника сыграла его юношеская дружба с пейзажистом Эженом Буденом, специализировавшимся на небольших воздушных приморских пейзажах, которые он создавал на открытом воздухе. Боден настоял на том, чтобы Моне присоединился к нему во время одного из таких сеансов в Гавре. «Неожиданно пелена спала с моих глаз», — писал позже Моне.

Там же, в Гавре, Моне познакомился с голландским художником Йоханом Бартольдом Йонкиндом, который старался передать нежнейшие оттенки воздуха и настроения в своих морских пейзажах. Позже Моне говорил о нем: «Он был человеком, который окончательно развил мое зрение».

В Аржантёе Моне работал на открытом воздухе, часто в сопровождении Камиллы, сидя в специально построенной для этого лодке. Эдуар Мане запечатлел художника за работой в 1874 году. Работа на пленэре стала по настоящему возможной благодаря изобретению в 1841 году мягких тюбиков для краски. Краски в тюбиках были более густые чем прежние, хранившиеся в специальных ящиках, поэтому художникам потребовались более толстые и короткие кисти, чтобы пользоваться ими. Краски в тюбиках требовали от художников слегка измененной техники письма и вдохновили их на более широкое использование различных «готовых» цветов.

ЧТО ВИДИТ ГЛАЗ НА САМОМ ДЕЛЕ

Моне узнал, что картина, написанная на открытом воздухе, обладает уникальной свежестью и жизненностью, которых невозможно достичь, работая в мастерской, где художник заранее представляет себе то произведение, которое он собирается создать. Совет, данный Моне художникам, четко раскрывает его собственный подход к картине: «Старайтесь забыть о том, что вы видите перед собой, — о дереве, доме, о поле, о чем угодно. Просто думайте, что в этом месте — маленький синий квадрат, там — продолговатая розовая фигура, и продолжайте до тех пор, пока у вас не возникнет наивного впечатления от картины, которая находится перед вашими глазами». Таким образом, впечатление представляет собой зрительный импульс, создаваемый увиденным в данный конкретный момент.

РЕВОЛЮЦИОННАЯ ИДЕЯ

Для всех импрессионистов, и для Моне в особенности, основной целью искусства было запечатлеть ускользающее, мимолетное впечатление. В то время такая мысль казалась революционной и шокировала не меньше, чем неприкрытый реализм Курбе в его картине «Каменотесы» или авангардные работы Мане «Завтрак на траве» и «Олимпия». Сам Моне стал знаменем импрессионистов благодаря своей любви ко всему современному и свежей манере письма.

НОВАЯ ТЕХНИКА

Для достижения поставленных целей художнику требовались новые технические приемы письма. Моне, в частности, выработал собственную технику письма, нанося на холст короткой кистью широкие грубые мазки, жирные разбросанные точки, черточки, зигзаги и толстые штрихи. Моне одновременно работал над всем пространством картины, веря, как он позже говорил, что «первый слой краски должен покрыть как можно большую часть холста и неважно при этом, насколько грубо он будет нанесен».

Читать еще:  Символический романтизм. Людмила Жукова (Gasparian)

Совершенно по-новому, революционно, Моне использовал цвет, вдохновленный, без сомнения, открытиями Эжена Шевреля о способе зрительного восприятия. Шеврёль доказал, что соседствующие основные цвета цветового круга друг друга смягчают, а наибольший контраст достигается при соседстве дополнительных цветов. Другим важным его открытием было то, что цвет не является неотъемлемым свойством предметов. Цвет — это просто способ, которым смешивается свет, отражаясь от поверхности предмета. Как и его товарищи-импрессионисты, Моне обычно пользовался ограниченной палитрой, предпочитая чистые, не смешанные цвета и рисуя на холстах, предварительно покрытых белым или кремовым грунтом, благодаря чему нанесенные краски становились светлее и ярче.

Другим важным открытием, повлиявшим на видение художников, стала фотография. На снимках того времени движущиеся предметы воспринимаются как размытые пятна, а четкие очертания имеют только неподвижные предметы. Этот эффект явно отразился в похожих на муравьев фигурках людей, которых мы видим на картине Моне «Бульвар Капуцинок» (1873).

ИЗМЕНЕНИЕ ОБЪЕКТА ИЗОБРАЖЕНИЯ

Очень интересно проследить, как на протяжении долгой жизни менялось отношение Моне к изображаемым объектам. Несмотря на то что он постоянно был поглощен игрой света, на ранних своих картинах Моне чаще всего изображал на фоне ландшафта написанные в привычной манере человеческие фигуры.

Однако ближе к 1880-м годах Моне все больше начинает привлекать природа в чистом виде. Если на картинах этого периода и появляются фигуры или неодушевленные предметы, они обычно играют вспомогательную роль и отходят на второй план.

СЕРИИ КАРТИН

Несмотря на то, что художники во все времена создавали ряд набросков одной сцены, до Моне не было ни одного, кто написал бы один и тот же объект несколько раз при различном освещении и разных погодных условиях. Картины Моне представляют целые серии, изображающие стога сена, тополя, собор в Руане, вид Лондона с Темзы и, наконец, кувшинки.

Лондонские пейзажи Моне, написанные в 1899-1901 годах, с их рассеянным светом и рассеянным цветом, — это виртуозные, драматичные произведения искусства, по которым можно проследить эволюцию стиля художника к почти абстрактной манере. Они показывают постепенное продвижение художника к объекту, который он будет писать во все оставшиеся годы жизни, создавая свои сады и превращая их в редкостные произведения искусства.

Примерно с 1905 года и до конца своих дней Моне целиком сконцентрировался на кувшинках. Эти картины, на которых чашечки кувшинок буквально материализуются на поверхности воды, не имеющей линии горизонта, стали этюдами, запечатлевшими бесконечное и неповторяющееся разнообразие цвета и света. На самом деле, эти серии картин, как и любое гениальное произведение искусства, не поддаются объяснению. Это работы поэта, тонко чувствующего природу и способного передать её красоту в своей живописи.

Биография художника

Работы художника

Арка на запад от Этрета

Впечатляющие меловые скалы близ Этрета, на побережье Нормандии, манили к себе художников ещё с XVII века. Моне приезжал сюда каждый год с 1883 по 1886 и написал здесь более 60 полотен, на шести из которых изображен один и тот же вид самой большой арки, известной как Маннпорт.

Терраса в Сент-Адресс

Один из ранних шедевров Моне. Картина написана в тот период, когда страдающий от нужды художник был вынужден оставить Париж и вернуться в отцовский дом в Сент-Адрессе. На картине изображены отец Моне, его тётка и кузина. В тот период Моне ещё стремился к строгому построению картины: она чётко прописана и тщательно выверена по композиции.

Поле маков у Аржантёя

На картине «Поле маков», представленной на первой выставке импрессионистов, изображены жена Моне Камилла и их сын Жан в поле неподалёку от дома в Аржантёе. Как и на многих других работах Моне, Камилла нарисована с зонтиком в руке, и его изящные очертания придают картине особое впечатление.

Водяные лилии

Эта картина Клода Моне является одной из наиболее поразительных в серии из 60 холстов, изображающих пруд с кувшинками, которые Моне написал в период между 1914 и 1917 годами. Плавающие на воде кувшинки резко обрезаются краями холста, создавая впечатление, что картина на самом деле является лишь частью чего-то большего.

Я люблю рисовать свет! Живопись Клода Моне. Импрессионизм

Импрессионизм (от франц. Impression-впечатление) – это художественное течение общеевропейского масштаба и связано, прежде всего, с именем Клода Моне.

Сама личность Клода Моне, как и и его искусство, в своё время произвели весь «набор» человеческих эмоций: единицы его уважали, немногие поддерживали, но большинство негодовало… Популярный художественный критик газеты «Фигаро» так писал о Моне: «Он выставил на Салоне около 30 пейзажей, похоже, написанных за один день. Теперь можно сказать с уверенностью: он стал таким ничтожеством, что уже никогда не поднимется…»

Почти сорок лет такой подход к творчеству импрессионистов доминировал даже среди мнгочисленных коллег «по цеху», импрессионизм решительно отвергался, выставлялся как, прежде всего, безрассудное явление в столь традиционно-классическом французском искусстве… Сам Клод Моне вспоминал: «В наше времянас осудили без снисхождения. Тогда не говорили ..Я не понимаю, но — ..Это идиотизм, это подлость.. – это стимулировало нас, давало мужества, заставляло нас работать… В чём дело? Почему у публики импрессионисты вызвали негодование…попробуем разобраться…

Все началось с картины, которую Моне сперва назвал «Корабли, покидающие порт Гавра». Позже, для выставки Отверженных (так непризнанные авторитетным Парижским Салоном художники себя именовали) он изменил название на «Впечатление. Восходящее солнце». Скептически настроенный художественный критик, посмотрев на полотна Моне и его товарищей, заявил, что «у них тут не живопись, а одни сплошные впечатления» (фр. impression — «впечатление). Отверженные с удовольствием приняли новое имя и стали зваться импрессионистами.

Как сам художник любил повторять, его сверхзадача была невыполнимой — он хотел рисовать сам свет! Категорически не принимая черный, как таковой, он изгнал его из свой палитры, зато всеми остальными цветами владел виртуозно. В любое время года Моне вставал вместе с солнцем, завтракал с холодным бокалом белого вина, закуривал сигарету и отправлялся работать до самого заката. Пытаясь поспеть за солнцем, меняющим пейзаж прямо на глазах, художник ставил на мольберт все новые чистые холсты, а незаконченные наброски оставлял, чтобы продолжить их завтра в то же самое время. Порой он работал сразу над пятнадцатью полотнами! Такого в истории живописи ещё не было: зримый мир был «разделён» на скопление цветоносных «атомов» — множества чистых и даже локальных цветов, которые,словно пчелиный рой, образовывали более или менееразличимую предметную конфигурацию. Зритель привык видеть понятную форму с привычной цветовой моделировкой..а тут…отсутствие форм как таковых, условность линий, конструкций…да и сами линии состоят из великого множества раздробленных цветовых форм… эксперимент был великим, так ещё никто не писал…

Читать еще:  Современные художники Мексики. Lisete Alcalde

Однажды для работы художнику удалось снять у местного портного комнату с видом прямо на Руанский собор. Все тридцать картин с изображением резного церковного фасада в разное время суток и при разных погодных условиях ушли к покупателям, едва на них успели высохнуть краски! Посмотрите, как прекрасны работы, какие они все разные по цвету и какое непохожее впечатление мы получаем от просмотра каждой работы…

Так же хорошим примером служат этюды со стогами, которые так понравились Моне, что когда пришло время их убирать, художник заплатил крестьянам, чтобы те оставили стога нетронутыми. Теперь мы можем наблюдать целую серию работ: серый утренний стог, розовый шестичасовой стог, желтый полуденный, голубой послеобеденный, фиолетовый вечерний, красный предзакатный и еще с десяток самых разных стогов.

Картина «Дама в зеленом» открыла новую главу в жизни художника. На ней он впервые запечатлел свою возлюбленную, милую и скромную Камиллу.

Позже она появлялась на очень многих его полотнах, причем в образе сразу нескольких девушек. Так на двух поистине гигантских полотнах «Завтрак на траве» и «Женщины в саду» все женские фигуры написаны с Камиллы. Ни одна из них так и не была принята Салоном, где Моне тщетно надеялся их выставить, хотя спустя шесть десятилетий французское правительство все-таки выкупило эти работы за баснословные деньги. Камилла, пусть и не сразу, все-таки стала официальной женой Моне, но их истории не суждено было продлиться долго: бедняжка скончалась в возрасте 32 лет.

Даже на смертном одре она послужила моделью художнику. «Я вдруг осознал, что стою, уставившись на ее висок, и машинально ищу переход живого цвета в мертвый… Синий, желтый, серый, не знаю какой еще… Вот до чего я докатился. Все это происходило помимо меня, автоматически. Сначала шок и дрожь от созерцания этого цвета, а потом чистый рефлекс, бессознательное стремление делать то, что я привык делать всю свою жизнь…», — писал Моне немногим позже.

Впрочем, горе было столь же кратковременным, как и сам брак. На момент смерти Камиллы Клод уже несколько лет был в тайной связи с женой своего друга, торговца живописью Эрнеста Ошеде. Она даже имела от него ребенка, которого законный супруг считал своим. Спустя время, отпущенное для соблюдения приличий, Алиса Ошеде переехала жить к Моне. Так художник обзавелся еще шестью детьми, в добавок к своим двум, рожденным в браке с Камиллой. Одна из старших дочерей — Сюзанна — обладала столь редкой красотой и грацией, что однажды, случайно приметив ее, стоящую на холме с зонтиком, Моне решительно заявил, что завтра же она будет ему позировать. На следующий день они вдвоем вновь вернулись на тот холм, поросший травой и летними цветами и художник написал сразу две картины: «Женщина с зонтиком, повернувшаяся налево» и «Женщина с зонтиком повернувшаяся направо».

Зачем? Это в духе Клода Моне: смотреть как изменяется цвет на солнце, в тенях (цвет , напимер, шарфика), каков он по насыщенности, а может, наоборот, плавно сочные мазки с яркой краской еле заметно переходят в нюансные цветосочетания…Посмотрите как восхитительно распределяется цвет! Сколько в нём света.

Великий Мастер словно играет…вот он вновь изучает…пробует написать каждый уголок созданного неустанным трудом рая-сада в поместье Живерни на берегу Сены. Сад художника был великолепным: вытянутый в длину пруд был усеян бутонами готовых вот-вот распуститься лилий, благоуханных роз, японский мостик был увит диковинными растениями, меж которых мелькал остролист, глицинии и ирисы всех разновидностей.

Моне заказывал сам все семена, нанимал садовников и переживал за каждое растеньице…ведь он наблюдал за своим детищем, запоминал, рисовал, он ухаживал, лелея грустил, когда его проницательный взгляд видел начинавшую увядать листву…

…«Пытаюсь делать вещи совершенно невозможные. Хочу написать воду, в глубине которой колышется трава …Смотреть на это чрезвычайно приятно, но передать на холсте трудно до безумия. А я, как ненормальный, делаю все новые и новые попытки!» — писал Моне. Так на свет постепенно появлялись все новые и новые полотна с изображением нимфей, и сегодня в разных концах света хранятся 250 картин, каждая из которых пленительно легка и прекрасна. Для них в Париже в 1909 году даже был организован вернисаж «Нимфеи, серии водных пейзажей».

Люди, расталкивая друг друга локтями, ломились в двери и даже самые яростные критики могли только сказать: «Слишком красиво! В природе так не бывает…» Так изменился …зритель и пришло, наконец, время, когда он, зритель, научился видеть реальный мир именно таким, каким его изображали импрессионисты: их колористическая система спустя полвека обрела характер общественно-эстетической ценности…

Яркие и динамичные цвета. Французский художник. Mona Edulesco

Моне предпочитал светлый грунт для холстов: белый, бледно серый либо очень светлый желтый.

Моне смешивал цвета используя либо технику лессировки, либо так называемый метод мокрым по мокрому. Цвета могли смешиваться, или наоборот идти отдельными пятнами.

При детальном изучении многих картин художника, видно, что зачастую, Моне писал прямо из тюбиков, и размешивал краску прямо на холсте.

Структура создавалась с помощью мазков: от густых к почти прозрачным, с крошечными вкраплениями света, контурами и очертаниями, от темных к светлым.

Пигменты, используемые художником в разные периоды его творчества:

Кобальт синий зеленый

О жизни художника потерявшего зрение

В 1908 году, в возрасте 68 лет, Моне начал терять зрение из-за катаракты, затронувшей оба его глаза.

Читать еще:  Фотографии в стиле сюрреализм. Erik Brede (фотограф)

С развитием катаракты, восприятие цветов начало искажаться: белые стали желтыми, зеленые стали оранжево зелеными, красными и оранжевыми. Голубой и фиолетовый заменили красный и оранжевые цвета.

Детали исчезали, а формы становились пятнами и размывались, как в картинах «Плакучие ивы» (1919) и «Водяные лилии» (1920).

Тем не менее, даже с ухудшением зрения, Моне не прекращал работать. Ориентироваться в красках, ему помогали подписанные тюбики, а также раз и навсегда установленный порядок размещения красок на палитре.

«Мое плохое зрение, означает, что я вижу все в тумане, — пишет Моне, — «Но даже так мир прекрасен, и именно так, я собираюсь его изобразить».

В 1911 году, Моне писал другу: «Три дня назад, я с ужасом осознал, что больше ничего не вижу правым глазом».

В течении нескольких следующих лет, его левый глаз постепенно слабел, и летом 1922 года, художник вынужден был прекратить работать. Тогда Клод Моне был практически слеп.

К счастью, его друг Клемансо, убедил Моне на операцию, и уже в 1923 году художник смог видеть правым глазом, нося специальные зеленые очки. Но зрение все равно оставалось слабым, и от операции на левом глазу, художник отказался.

В этом же году, Клод Моне вернулся к живописи.

Серия картин « The House Seen from the Roses Garden » отображает влияние операции на восприятие цвета.

Когда Моне писал картины, ориентируясь на левый глаз, пораженный катарактой, все представлялось красным, а небо оранжевым, а если с помощью прооперированного глаза, тогда окружающее становилось синим.

«Я вижу только синий, больше не вижу не красный, не оранжевый; это ужасно меня беспокоит, ведь я знаю, что эти цвета существуют, потому что я знаю, что на моей палитре есть красный, оранжевый, особенный зеленый, и редкий фиолетовый; я больше не вижу их как видел раньше, хотя я все еще помню как они выглядят», — пишет Клод Моне.

Несмотря на столь серьезные препятствия, Моне продолжал писать картины до 1926 года, всего пару месяцев до того, как уйти из жизни.

LiveInternetLiveInternet

Ссылки

Метки

Рубрики

  • Живопись (2043)
  • Художники (2016)
  • История искусства (1386)
  • Графика (1085)
  • Россия (660)
  • Иллюстрации (631)
  • Современные мастера (628)
  • История (549)
  • Магия личности (493)
  • Фото (472)
  • Франция (382)
  • Компьютер (358)
  • Животные (327)
  • Видео (299)
  • Натюрморт (279)
  • Природа (273)
  • Италия (241)
  • Голландия (180)
  • Ню (177)
  • Китай (176)
  • Музыка (167)
  • Ретро (155)
  • Эротика (153)
  • Музеи (124)
  • Литература (123)
  • Германия (107)
  • Прикладное искусство (95)
  • География (92)
  • Кино (91)
  • Фландрия (90)
  • Непознанное (87)
  • Религии (83)
  • Нидерланды (81)
  • Япония (77)
  • Старинные принты (56)
  • Юмор (53)
  • Мудрость (48)
  • Море (46)
  • Открытки (39)
  • Скульпторы (37)
  • Православие (28)
  • Космос (26)
  • Высшее (24)
  • НЛО (9)
  • Карты игральные (9)
  • Палеонтология (8)
  • Луна (4)
  • Метафизика (4)
  • Астрология (1)
  • Марс (0)

Музыка

Я — фотограф

РЕМБРАНДТ. Человек и книга

Поиск по дневнику

Подписка по e-mail

Статистика

Фовизм Мориса де Вламинка

При упоминании имени Мориса де Вламинка (Maurice de Vlaminck) всегда всплывает термин «фовизм», который для неискушенного в живописи зрителя становится чем-то загадочным и таинственным. На самом же деле он обозначает художественный стиль, который преподносит мир как раз в самом примитивном и простом виде. Отсутствие композиции, правильной перспективы и светотени, необычные цвета красок — от очень ярких до наоборот зловеще темных — все это признаки фовизма. Анри Матисс так говорил об этом: «Исходный пункт фовизма — решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым жёлтым — первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин«. Впервые живопись в стиле фовизма была продемонстрирована широкому зрителю в 1905 году на Осеннем салоне в Париже. И среди таких имен как Анри Матисс, Жорж Руо и других было и имя художника Мориса де Вламинка.

Морис де Вламинк Мост 1910

Морис де Вламинк сам определял свое творчество как близкое к Ван Гогу. Желающие могут сравнить живопись того и того и найдут много общего. Картины отличаются упрощенной трактовкой предметов, передачей тонких градаций света и использованием ярких контрастных цветов. Фирменные цвета Вламинка — ярко синий, голубой, желтый, красный и коричневый. Принимать или не принимать подобную живопись — это всегда дело вкуса, но как художественное явление она вполне заслуживает того, чтобы хотя бы иметь о ней какое-то представление.

Морис де Вламинк Автопортрет 1911

Морис де Вламинк Фото из журнала «Life» 1949

Краткая биографическая справка. Морис де Вламинк родился 4 апреля 1876 года в Париже в семье музыкантов. Отец был фламандцем, мать француженкой. Ничто не предвещало того, что юноша станет художником: после окончаничя школы он был то велогонщиком, то музыкантом-скрипачом, то журналистом. В 1899 году Вламинк вдруг увлекается живописью и самоучкой (!) приобретает все нужные навыки. Первые его картины представляются публике в 1904-1905 годах, а первая персональная выставка состоялась в 1907 году в галлерее Волара. В это же время он пишет несколько романов (известно порядка двадцати), в годы Первой мировой войны работает токарем. в общем ведет жизнь, которую вполне можно назвать насыщенной и разнообразной. Основной же источник дохода — живопись. Вламинк пишет много пейзажей, натюрмортов, выпускает ксилографии. Умирает он в 1958 горду в Рюэйла-Гадельер.

Морис де Вламинк Акведук 1911

Морис де Вламинк Вид на город

Морис де Вламинк Парусник

Морис де Вламинк Пейзаж

Морис де Вламинк Улица

Морис де Вламинк Ресторан «Ла Машине» 1905

Морис де Вламинк Сельский пейзаж 1908

Морис де Вламинк Над водой

Морис де Вламинк Улица

Морис де Вламинк В саду 1904

Морис де Вламинк

Морис де Вламинк Ваза с цветами

Морис де Вламинк Дом в Бретании

Морис де Вламинк Греция. Пейзаж 1910

Морис де Вламинк Кипр. Пейзаж с деревьями

Морис де Вламинк Придорожный Хомстед

Морис де Вламинк Яхты в Шату 1908

Морис де Вламинк Вид Шату 1910

Морис де Вламинк Белый парусник в Шату 1907

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector