Нидерландский художник. Anja Kok

Нидерландский художник. Anja Kok

Нидерландский художник. Anja Kok

Карел ван Мандер

Книга о художниках

Карел ван Мандер и его «Книга о художниках»

1604 год был отмечен важным для нидерландской культуры событием: выходом в свет «Книги живописцев» («Het Schilderboeck») — первого сочинения о художниках, созданного за пределами Италии. Автор внушительного по объему (около восьмисот страниц) труда — Карел ван Мандер (1548–1606) — был человеком типичным для своего времени. Ученик нидерландского художника и поэта Лукаса де Хере, он с юности был приобщен к гуманистической культуре, проявлял живой интерес к античным авторам, занимался не только живописью, но и литературным творчеством. Как все молодые нидерландские художники итальянизирующего направления, он мечтал побывать на «родине искусств». Несколько лет, проведенные в Италии (около 1575–1577), дали возможность Карелу ван Мандеру не только непосредственно познакомиться с классическим наследием, но и погрузиться в художественную среду современного ему Рима, тон которой задавали представители позднего маньеризма. Предпринятая затем Мандером поездка через Базель в Вену, где он участвовал в выполнении одного из заказов габсбургского двора, еще более тесными узами связала молодого нидерландца с этим интернациональным течением.

Вторая половина XVI века — весьма своеобразный период в истории европейского искусства. С одной стороны, закат грандиозной эпохи, отмеченный явными чертами кризиса ренессансной картины мира и ренессансной эстетической системы, с другой — преддверие новой, не менее значительной по своим достижениям эпохи барокко, с многочисленными ростками будущего (напомним, что младшим современником Карела ван Мандера был Микеланджело да Караваджо — «первый живописец нового времени», как назвал его впоследствии Роджер Фрай). Вместе с тем, обладая всеми признаками переходности, художественная культура этого периода была во многом неповторима. Одной из основных ее особенностей была высокая степень интеллектуализации, часто даже приводившая художников к отрыву от действительности и погружению в своего рода «игру в бисер», — Александр Бенуа не без основания называл маньеризм «схоластикой Ренессанса». Именно тогда, впервые в истории, рисунок — искусство более интеллектуальное, нежели чувственное, — выделяется в самостоятельную сферу художественного творчества. Любопытно, что у Федерико Цуккаро, одного из главных теоретиков маньеризма, рисунок (disegno) выступает в качестве основной эстетической категории: «Он — форма, идея, порядок, правило или предмет интеллекта, в котором выражены понятные вещи»[1]. Небывалое прежде увлечение эмблематикой и сложными аллегориями, в чем живопись успешно конкурировала с популярной в то время риторической, или «ученой», поэзией; некий «отблеск кунсткамер», лежащий на искусстве; развитие иллюзионистического рисунка, с научной точностью фиксирующего всевозможных представителей флоры и фауны, и одновременно яркий расцвет орнаментики — этой «чистой математики» искусства; склонность художников к теоретизированию — все это тоже проявления указанной выше особенности маньеризма.

Карел ван Мандер был как раз из тех, кто охотно чередовал кисть живописца с пером писателя, причем его литературный дар был, пожалуй, значительнее и оригинальнее художнического. Мысль написать книгу для живописцев и о живописцах возникла у него, возможно, еще в юности. Вдохновляющим примером мог быть его первый учитель — Лукас де Хере, биография которого открывает второй том настоящих жизнеописаний. Сын скульптора и художницы, человек одаренный и широко образованный, знаток древностей, он, несомненно, оказал большое влияние на своего ученика. Его перу помимо поэтических произведений принадлежала дошедшая до наших дней лишь во фрагментах и, возможно, оставшаяся незаконченной стихотворная книга о живописцах, о которой упоминает Карел ван Мандер: «…Он начал описывать в стихах жизнь художников, но, как я ни старался, не мог отыскать этого начатого им произведения, которым, хотя и в малой степени, хотел воспользоваться сам или же напечатать его». Вслед за учителем с юных лет Карел уделял много времени литературным занятиям: на первых порах, если верить биографу, они даже превалировали над живописью. Однако, как нам представляется, вкус к теоретизированию, а также к историографии искусства развился у него в годы пребывания в Италии, когда он тесно общался с художниками круга братьев Цуккаро и познакомился с «Жизнеописаниями наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» Джорджо Вазари, которые к тому времени уже вышли вторым изданием (1568). По-видимому, именно это сочинение укрепило нидерландца в намерении создать нечто подобное на родном языке. Это подтверждается тем фактом, что, находясь в Италии, Карел ван Мандер начал собирать и записывать сведения о местных художниках, чьи жизнеописания отсутствовали в сочинении Вазари. Впоследствии он использовал эти материалы в своей «Книге живописцев».

Окончательно идея книги оформилась, по-видимому, в середине 1580-х годов, когда Карел ван Мандер, после возвращения на родину и нескольких лет скитаний по Нидерландам в поисках безопасного пристанища (он принадлежал к семье протестантов-меннонитов), обосновался в Харлеме: в 1584 году его имя было занесено в регистр местной гильдии св. Луки. С этим голландским городом — одним из важнейших художественных центров Северных Нидерландов — связан зрелый и наиболее плодотворный период его творчества. В середине 1580-х годов Карел ван Мандер открыл студию, получившую название «Харлемская академия», где вместе с Хендриком Голциусом и Корнелисом Корнелиссеном писал обнаженную натуру. Имея за плечами путешествие в Италию, Карел ван Мандер играл в этом содружестве ведущую роль. Как литератор он снискал в это время широкую известность на родине благодаря написанным на нидерландском языке духовным песнопениям и переводам из античных авторов, а также пьесам и всевозможным сочинениям, созданным для риторических обществ (он сам состоял членом одного из них — харлемской камеры «Белая гвоздика»).

В Харлеме началась и педагогическая деятельность Мандера. По сообщению биографа, у него было много учеников. Цель «Книги живописцев» и была, прежде всего, учебно-воспитательной: она должна была стать своего рода пособием для молодых художников, приобщая их к основам профессии, к классическому репертуару, служа иконографическим источником, демонстрируя примеры жизни и творчества выдающихся мастеров прошлого и предостерегая от ошибок и заблуждений; наконец, знакомя их с современными представителями художественного мира. Эта цель определила структуру книги, включавшей в себя шесть больших самостоятельных разделов (томов), каждый со своим посвящением:

I. Основы благородного истинного искусства живописи;

И. Жизнеописание античных художников;

III. Жизнеописание знаменитых итальянских художников;

IV. Жизнеописание знаменитых нидерландских и немецких живописцев;

V. Изложение «Метаморфоз» Овидия и толкование их символики;

VI. Как изображать, понимать и представлять фигуры.

Читать еще:  Призыв к зрителю. Gill Bustamante

Сочинение открывалось «назидательной поэмой» («het leerdicht») из четырнадцати глав, которая называлась «Основы благородного истинного искусства живописи» и предварялась авторским посвящением художественной молодежи. Опираясь на средневековую традицию дидактической поэзии и французскую poesie scientifique, Мандер излагал в стихотворной форме важнейшие понятия и правила искусства; он вводил читателя в профессиональную «кухню», рассказывая о технике живописи, о природе красок, их правильном выборе и сочетании, о композиции и т. д., давая попутно массу практических советов. Он знакомил читателя с известными в ту пору жанрами, причем в отличие от итальянских авторов посвятил отдельную главу пейзажу, который зародился и получил интенсивное развитие в заальпийских странах — Нидерландах и Германии. Пятый и шестой разделы книги также имели в первую очередь служебное назначение. Перевод Овидиевых «Метаморфоз» открывал для нидерландских художников богатейший источник мифологических сюжетов, издавна питавший классическое искусство. Биограф Карела ван Мандера сообщает, что, обучая своих учеников в Харлеме «итальянской манере», он в качестве примера приводил иллюстрации Голциуса к этой античной поэме, созданные в конце 1580-х годов в тесном сотрудничестве с Мандером. Последний раздел книги представлял собой своего рода руководство по иконографии по образцу популярной в то время «Иконологии» Чезаре Рипы (1593).

Цуккаро Ф. Идея живописцев, скульпторов и архитекторов // Эстетика Ренессанса. М.,1981. Т. II. С. 531.

Кошки в искусстве. Генриетта Роннер-Книп – нидерландский художник-анималист.

Генриетта Роннер-Книп – нидерландский художник-анималист

Предыдущая публикация: Кошки на полотнах Питера Уильямса

Тема в моём блоге: Кошки в картинах художников

Генриетта Книп (Henriette Ronner-Knip, 1821 — 1909) родилась в Амстердаме в семье художника Иосифа Августа Книпа (Жозева Августуса Книпа).

Она проявила талант к рисованию весьма рано — в возрасте пяти лет, копируя этюды своего отца. В 1827 году Иосиф всерьез занялся художественным образованием дочери. В это же время он стал стремительно терять зрение. Девушка работала в студии под руководством слепнущего отца от заката до рассвета — от ее старания и успехов зависел доход их семьи. Став взрослее, Генриетта поняла, что уроки и наставления отца дали ей гораздо больше, чем могла бы дать недешёвое обучение в академии.

Генриетта Книп быстро училась и в шестнадцать лет уже участвовала в выставке в Дюссельдорфе, где была продана ее картина с изображением кошки на окне. Генриетта стала постоянным участником выставок в различных странах.

Она создавала картины с изображением пасторальных ландшафтов, замков, ферм, натюрмортов, портретов, а также жанровых сцен. Со временем, художница все больше внимания стала уделять изображению животных. Характерной чертой Генриетты Книп в то время были точность и внимание к деталям, она использовала темные цвета, что говорит о влиянии неоклассического стиля ее отца.

После 1845 г. основными героями ее картин стали собаки. Через три года она вышла замуж за Тейко Роннера и переехала вместе с мужем из Брабанта в Брюссель (Бельгия). Первые годы брака ее муж тяжело болел, и Генриетте вновь пришлось стать ответственной за доходы семьи.
Вскоре Генриетта Роннер-Книп завоевала репутацию художника-анималиста и получила большое количество заказов от влиятельных людей, среди них были короли Ганновера, Пруссии, Португалии и королева Бельгии, а также Графиня Фландрии, для которой были нарисованы портреты ее собак.

В 1870 г. в доме художницы появилась кошка и завоевала внимание хозяйки своими движениями, взглядами и взаимоотношениями с другими, что было очень удивительно точно отображено на ее картинах. К тому же тема домашних животных была очень популярна у горожан среднего класса, и картины хорошо продавались. Генриетта Роннер-Книп двигалась по этому направлению, рисуя игривых или сонных кошек, используя при этом все те же темные цвета, пока нахлынувшее модернистское течение не назвало ее искусство скучным и консервативным. Скорее всего, именно это заставило ее в своих поздних картинах отказаться от строго выстроенной композиции и использовать более светлые тона.

Генриетта Роннер-Книп умерла 2 марта 1909 года в Брюсселе. За всю свою творческую карьеру она получила множество престижных наград и почестей. Картины Генриетта Роннер-Книп находятся в крупных музеях (в Гааге, Амстердаме, Брюсселе и др.), а также в частных коллекциях.

Кошки в искусстве. Генриетта Роннер-Книп – нидерландский художник-анималист.

Генриетта Роннер-Книп – нидерландский художник-анималист

Предыдущая публикация: Кошки на полотнах Питера Уильямса

Тема в моём блоге: Кошки в картинах художников

Генриетта Книп (Henriette Ronner-Knip, 1821 — 1909) родилась в Амстердаме в семье художника Иосифа Августа Книпа (Жозева Августуса Книпа).

Она проявила талант к рисованию весьма рано — в возрасте пяти лет, копируя этюды своего отца. В 1827 году Иосиф всерьез занялся художественным образованием дочери. В это же время он стал стремительно терять зрение. Девушка работала в студии под руководством слепнущего отца от заката до рассвета — от ее старания и успехов зависел доход их семьи. Став взрослее, Генриетта поняла, что уроки и наставления отца дали ей гораздо больше, чем могла бы дать недешёвое обучение в академии.

Генриетта Книп быстро училась и в шестнадцать лет уже участвовала в выставке в Дюссельдорфе, где была продана ее картина с изображением кошки на окне. Генриетта стала постоянным участником выставок в различных странах.

Она создавала картины с изображением пасторальных ландшафтов, замков, ферм, натюрмортов, портретов, а также жанровых сцен. Со временем, художница все больше внимания стала уделять изображению животных. Характерной чертой Генриетты Книп в то время были точность и внимание к деталям, она использовала темные цвета, что говорит о влиянии неоклассического стиля ее отца.

После 1845 г. основными героями ее картин стали собаки. Через три года она вышла замуж за Тейко Роннера и переехала вместе с мужем из Брабанта в Брюссель (Бельгия). Первые годы брака ее муж тяжело болел, и Генриетте вновь пришлось стать ответственной за доходы семьи.
Вскоре Генриетта Роннер-Книп завоевала репутацию художника-анималиста и получила большое количество заказов от влиятельных людей, среди них были короли Ганновера, Пруссии, Португалии и королева Бельгии, а также Графиня Фландрии, для которой были нарисованы портреты ее собак.

В 1870 г. в доме художницы появилась кошка и завоевала внимание хозяйки своими движениями, взглядами и взаимоотношениями с другими, что было очень удивительно точно отображено на ее картинах. К тому же тема домашних животных была очень популярна у горожан среднего класса, и картины хорошо продавались. Генриетта Роннер-Книп двигалась по этому направлению, рисуя игривых или сонных кошек, используя при этом все те же темные цвета, пока нахлынувшее модернистское течение не назвало ее искусство скучным и консервативным. Скорее всего, именно это заставило ее в своих поздних картинах отказаться от строго выстроенной композиции и использовать более светлые тона.

Читать еще:  Португальский художник. Daniel Castanheira

Генриетта Роннер-Книп умерла 2 марта 1909 года в Брюсселе. За всю свою творческую карьеру она получила множество престижных наград и почестей. Картины Генриетта Роннер-Книп находятся в крупных музеях (в Гааге, Амстердаме, Брюсселе и др.), а также в частных коллекциях.

Нидерландский художник Кес ван Донген, Kees van Dongen (1877-1968)

Автор — Ела2012. Это цитата этого сообщения
Нидерландский художник Кес ван Донген, Kees van Dongen (1877-1968)

Кес ван Донген- нидерландский художник, один из основоположников фовизма.
Небольшая коллекция произведений Кес ван Донген для оценки своеобразия его живописи.


Автопортрет. 1898. 36 x 26 см. акварель, бумага. Частная коллекция

Кеес ван Донген родился 26 января 1877 в Дельфсхафене близ Роттердама в Нидерландах. Настоящее имя Корнелис Теодор Мария ван Донген (Cornelis Theodorus Maria van Dongen).


Фото Кеса ван Донгена

В 1892—1897 годах обучался в Королевской Академии художеств в Роттердаме. Зарабатывал на жизнь, публикуя ироничные, порой эпатажные зарисовки местного порта, злачных мест и притонов в местных газетах «Груне» и «Роттердам ньювсблад».


Антония Ла Кокинера. 1906. 100 х 81 см. масло, холст. Санкт-Петербург, Эрмитаж

От этого периода в творчестве ван Донгена остались многочисленные зарисовки сцен с участием матросов и проституток, сделанные художником в городском квартале красных фонарей.


Женщина с сигаретой. 1905-1908. 65 х 50 см. масло, холст. Частная коллекция

С 1899 года ван Донген обосновался в Париже, регулярно принимая участие в различных авангардных выставках. Как художник-новатор, ван Донген участвовал в различных художественных движениях, в том числе фовизме и экспрессионизме. Влияние обоих этих течений заметно в использовании звучных чистых цветов в его картинах.
В 1905 году ван Донген принял активное участие в знаменитой выставке фовистов в Осеннем салоне в Париже.


Мулен де ла Галетт. ок.1906. 54 х 73 см. масло, холст. Частная коллекция

С 1908 года являлся одним из участников немецкого объединения художников-экспрессионистов «Мост».


Portrait de Madame Mahmoud Bey Sultan Helmeja-Zeitoun. 73.3 х 60 см. масло, холст. Частная коллекция

Кес ван Донген завоевал известность картинами, посвященными «современной женщине», погруженной в мир домашней неги, моды и развлечений. К наиболее значительным ранним картинам ван Донгена относят полотна «Женщина в широкополой шляпе», «Красная танцовщица», «Дама в черных перчатках», «Танцующая Кармен Винсент», где обобщенные фигуры, лица натурщиц и дам полусвета намечены броскими цветовыми акцентами и ритмами.


Женщина в черной шляпе. 1908. 100 x 81.5 см. масло, холст.
Санкт-Петербург, Эрмитаж

Эти работы впечатляют не столько «эпатажностью», сколько мощным живописным новаторством, имевшим большой резонанс в искусстве Европы, в том числе и в дореволюционной России.


Красная танцовщица. 1907. 99.7 x 81 см. масло, холст. Санкт-Петербург, Эрмитаж


Дама в черных перчатках. 1907-1908. масло, холст. Частная коллекция

В годы предшествующие Первой мировой войне, возникли картины ван Донгена, написанные с неистовым темпераментом. Женская модель была его излюбленной темой: он продолжал писать как обнаженные фигуры, так и портреты.


Золотое платье. ок.1907. 130.4 x 131.1 см. масло, холст. Частная коллекция


Мадмуазель Fesses de Rat. 55.8 х 33.5 см. масло, холст. Частная коллекция

В 1929 году Кес ван Донген получил французское гражданство. В межвоенный период стиль ван Донгена значительно изменился. Творчество художника стало своего рода «авангардным салоном» или усредненным вариантом «ар деко», где доминировали большие заказные портреты или символические картины, полные великосветского, иной раз почти китчевого шика.


Сфинкс. масло, холст. Частная коллекция


Актриса Лили Дамита. 196.8 x 131.4 см. масло, холст. Частная коллекция

Картины ван Донгена находятся, по меньшей мере, в 35 музеях мира. В том числе в Петербургском Эрмитаже.


Портрет миссис Jean McKelvie Sclater-Booth. ок.1920. 162.5 х 130.2 см. масло, холст. Частная коллекция


Сиреневые туфли. 1921. 100.5 х 150 см. масло, холст. Частная коллекция


Женщина в берете. 1936. 55 x 46.5 см. масло, холст. Частная коллекция


Моника в шляпе. ок.1946. 60 х 53 см. масло, холст. Частная коллекция


Портрет мадам V. ок.1963. 145.5 x 113.8 см. масло, холст. Частная коллекция

Дик Кет, художник с барабанными палочками

Но есть и еще один интересный признак, объединивший все эти автопортреты, который не мог не заинтересовать врача.

Dick Ket, 1932

У Дика Кета необычные пальцы, напоминающие лапы древесной лягушки, но они имеют официальное название- барабанные палочки. Такие пальцы оканчиваются утолщенными концевыми фалангами с характерной деформацией ногтевых пластинок, а круглые и выпуклые, как будто стекающие с пальца, ногти получили название «часовых стёкол». Такие пальцы не являются самостоятельным заболеванием, а представляют собой довольно информативный симптом болезней сердца и легких. Этот симптом, по всей видимости, был впервые описан Гиппократом и иногда называется его именем (Digiti hippocratici).

Дик Кет (Dick Ket, 1902-1940) был голландским художником первой половины двадцатого века. Он появился на свет в Ден-Хелдере, небольшом порту на севере Голландии. Дик создал в общей сложности 140 картин, большинство из которых были написаны в последние десять лет его жизни. Сорок из них являются автопортретами.

Dick Ket, 1926

В детстве он был очень слабым и болезненным ребенком, что создавало определенные трудности в школе — над ним постоянно издевались сверстники. Он не мог участвовать в общих играх, не выдерживал нагрузки и часто и долго болел. Работа отца, требовавшая постоянных переездов, еще больше усложняла жизнь Кета. Во время обучения стало очевидным, что он страдает агорафобией и боязнью чужих людей. Возможно, из-за этого после окончания обучения Дик Кет редко покидал дом. Однако, когда он учился в средней школе, его художественный талант заметили два учителя.
Йохан Керкемейер, его учитель рисования, помог освоить масляную живопись и всячески поощрял его художественные способности.


Dick Ket, 1926

Другой, профессор Анри Набер, обучал его химии и физике, однако имел очень нестандартный способ представления материала — его теории проводили параллели между законами физики и человеческого бытия, что глубоко впечатлило художника. Вероятно, именно его влияние позволило Дику погрузиться в магический реализм — термин, придуманный искусствоведом Францем Ро в знаменитом эссе 1925 года. В этом эссе Ро говорит о «третьей реальности», возникающей из настоящего мира и магического измерения снов и галлюцинаций. Дик Кет стал одним из ярчайших представителей магического реализма, а спустя 80 лет после его смерти, многие его полотна до сих пор имеют невысохшие участки- они как будто подтверждают магию, художник умер, но жив.

Читать еще:  Нидерландский художник. Angelika Bes


Dick Ket, 1930

После окончания Академии Арнема в Кунстофенинге в1925 году, где Дик изучал искусство, он перестал путешествовать. Измученный неизвестной хронической болезнью, вызывавшей прогрессирующую слабость и не позволявшей ему передвигаться даже на небольшие расстояния, а также в связи с нарастанием признаков тревожного расстройства, он в конечном итоге решил жить в уединении со своими родителями в маленьком городке вдали от моря. Его дом- его крепость, из которой Дик Кет почти не выходил после 1930 года. Тревожная атмосфера и эволюция его лица на автопор
третах, которые он создал, скрываясь из мира – единственная сохранившаяся летопись жизни Кета за эти годы, проведенных в полном уединении.


Dick Ket, 1931

Дик умер внезапно за несколько дней до своего 38-летия. Уже после его смерти были опубликованы письма, раскрывшие его чувство юмора и самоиронию, его страсть к искусству, его любовь к литературе и тишине.


Dick Ket, 1933

Через свои автопортреты он продолжает общаться со зрителем.

Несмотря на его изоляцию от внешнего мира, ему все же удалось выставить некоторые из своих картин. Между 1932 и 1940 годами его работы появились на выставках в Амстердаме и других голландских городах, а также в Брюсселе, Венеции и Париже. Он приобрел определенную известность благодаря персональной выставке 1933-34 гг., которая была его первой и, к сожалению, последней в Kunstzaal van Lier в Амстердаме. К счастью, его картины были оценены по достоинству уже при жизни, и несколько его работы были куплены.

Интересно, что помимо автопортретов, он любил писать натюрморты с одними и теми же предметами: бутылки, пустые миски, яйца, газетные вырезки. Кет изображал их в различных ракурсах, пытаясь найти сущность вещей, их звучание, соответствие формы, цвета, содержания, также выражая собственные эмоции в причудливых композициях.

Dick Ket, 1935

Именно в попытках самоинтерпретации Кет создает один из своих самых «острых» шедевров. В его автопортрете 1932 года композиция напоминает классическую портретную живопись немецкого и итальянского ренессанса. Но классика форм резко контрастирует со странным страдающим внешним видом Кета. Его рубашка расстегнута, левый сосок оголен, Кет буквально указывает на проблемы с сердцем. Его правая рука крепко сжимает цветок герани. Цветок отрезан и поставлен в воду, ему недолго осталось. Позади художника на стене детская игрушка – лошадка, она стоит на дыбах. На самом деле, это не единственный раз, когда эта лошадь появляется в его картинах, ее присутствие может быть «подписью», поскольку «кет» означает «маленький конь» или «маленький мальчик» на фламандском диалекте. В правом нижнем углу он нарисовал слово «FIN», которое, скорее всего, служило напоминанием о надвигающейся смерти.


1938

Кет умер в 1940 году в возрасте всего лишь 37 лет, в результате декомпенсации застойной сердечной недостаточности. Ему никогда не ставили диагноз при жизни, но его автопортреты наглядно демонстрируют прогрессию его болезни. Уже упомянутый автопортрет, сделанный в 1932 году, изображает худого человека, держащего вазу синими пальцами, и после быстрого взгляда на его лицо можно заметить легкую синеву губ и кончика носа, что свидетельствует о наличии цианоза. Цианоз и пальцы Гиппократа далеко не всегда были у художника. Например, если мы рассмотрим более ранние автопортреты, то мы найдем пальцы без столь явной деформации. По мере прогрессии заболевания, пальцы приобретали все более и более страшный вид, ногти стали ярко синюшными, что говорит о тяжелом состоянии пациента.

Благодаря автопортретам конца его жизни можно увидеть последние стадии сердечной недостаточности, например, в двойном портрете с отцом, законченным незадолго до смерти художника.


1939

Эти характерные клинические признаки болезни позволяют предположить, что художник страдал цианотическим врожденным пороком сердца, возможно, тетрадой Фалло, встречающейся у 3 из каждых 10 000 живорожденных.

Тетрада Фалло или blue baby syndrome — так называемый синий порок сердца, сочетающий, по определению французского врача Этьена-Луи Артура Фалло, сразу четыре аномалии — стеноз выходного отдела правого желудочка, высокий дефект межжелудочковой перегородки, декстрапозицию аорты и гипертрофию правого желудочка.
Именно этот порок и стал причиной появления пальцев Гиппократа у художника, его визитной карточкой на автопортретах.

Кету никогда не ставили диагноз при жизни, потому что не было доступных диагностических инструментов, и даже если бы они были, ничего сделать было невозможно.

Тетрада Фалло больше не является болезнью, обрекающей на верную смерть, которой она была еще 100 лет назад. Так называемые «голубые дети» теперь имеют 90% 40-летнюю выживаемость.

1940

Дик Кет умер 15 сентября 1940 года, в самом начале новой катастрофы, надвигавшейся на мир.
Его жизнь, наполненная иронией и трагедией, сделала его не только искренним художником, позволяющим проникнуть в собственный мир, но и ярким представителем художественного мира двадцатого века.

Чуть меньше, чем через 5 лет, была выполнена первая успешная паллиативная операция blue baby syndrome доктором Альфредом Блалоком и одной из первых женщин-врачей Хелен Тауссиг в больнице Джона Хопкинса. Эта операция изменила прогноз таких людей.


Dick Ket, Three Small Self Portraits the Drug Drinker, 1937-1940

Список литературы:
1. Zamudio Martínez G, Zamudio Martínez A. Tetralogy of Fallot—Report of a Case Diagnosed at a Museum. JAMA Cardiol. 2020;5(5):500–501. doi:10.1001/jamacardio.2020.0033
2. Zamudio-Martínez G, Zamudio-Martínez A. Diagnósticos clínicos al observar obras pictóricas. Rev Med InstMex Seguro Soc. 2019;57(2):113-117.
3. Mazurak M, Kusa J. Landmark procedure in paediatric cardiology: 65th anniversary of the first successful repair of tetralogy of Fallot. Arch Dis Child. 2019;archdischild-2018-316441. doi:10.1136/ archdischild-2018-316441
4. Emery AEH. Genetic disorders in portraits. Am J Med Genet. 1996;66(3):334-339. doi:10.1002/(SICI) 1096 8628(19961218)66:3 3.0. CO;2-N
5. LaskowskaM, Krześlak A, Forma E, Jóźwiak P, Bryś M. Genetic diseases and other unusual disorders presented in art paintings. Folia Med Lodz. 2012;39(1):5-19.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector