Ню и портреты в изобразительном искусстве. Susannah Martin 16+

Ню и портреты в изобразительном искусстве. Susannah Martin 16+

victorrom

Озёрский привет

Что хочу — то пишу.

Роскошные обнажённые тела и душевные портреты в картинах (16+)

Сегодня предлагаю вам очередную праздничную подборку необычных картин, посвященных женщине.

«Яркая незаурядная личность, женщина-загадка, светская львица», – всё это и многое другое говорили о польско-американской художнице Тамаре де Лемпицкой (Tamara de Lempicka), (1898 — 1980), чьё неординарное творчество и по сей день не перестаёт привлекать внимание.

Совсем неудивительно, что её броские и экстравагантно-эпатажные, но в тоже время чувственно-завораживающие картины, выполненные в стилях кубизм и ар-деко, мало кого оставляют равнодушным, ведь все они, так или иначе, излучают невероятный магнетизм и бесконечный поток чувственной энергии…

2. «Прекрасная Рафаэлла», 1927

14. «Купальня для женщин», 1929

15. » Портрет Романы де Ла Саль», 1928

16. «Женщина с голубем», 1931

17. «Портрет миссис Алан Ботт», 1930

19. «Портрет Мадам Букар», 1931

20. «Леди с мандолиной», 1933

21. «В розовой сорочке I», 1927

22. «Портрет Сьюзи Солидор», 1933

23. » Обнаженная с Парусниками «, 1931

24. «Выздоравливающая», 1932

25. «Портрет Майори Ферри», 1932

26. «Дама в голубом»

27. «Сидящая обнажённая», 1925

28. «Группа из четырёх обнажённых», 1926

30. «Адам и Ева», 1931

32. «Нана де Эррера», 1928-29

33. «Купание Сюзанны», 1938

34. «Обнажённая со зданиями», 1930

35. «Сидящая обнажённая», 1925

36. » Сидящая обнаженная в профиль «, 1923

38. «Спящая девушка», 1930

39. «Две подружки», 1930

40. «Обнажённая с книгой»

«Позы» Аретино — средневековая похабщина, ставшая классикой Ренессанса

«Позы» Аретино, «Шестнадцать поз» или «Любовные позы» — все это названия сборника похабных стихов поэта Пьетро Аретино, проиллюстрированного гравюрами с разнузданными сценами секса.

Эту книгу запрещали, за нее сажали, ее много раз подпольно копировали, и ей восхищались — со временем «Позы» Аретино превратились из произведения, от одного упоминания которого дамы падали в обморок, в ценнейший артефакт Ренессанса, из которого черпали вдохновение Казанова и Александр Сергеевич Пушкин.

Рассказываем о непростой судьбе этого очаровательного культурного памятника средневековой эротики. Естественно, с картинками.

Начать рассказ о «Позах» Аретино придется издалека. В 1524 году маркиз Федерико II Гонзага решил построить себе загородную виллу рядом с городом Мантуя, и пригласил в качестве архитектора не абы кого, а Джулио Романо, именитого ученика Рафаэля Санти. Романо понадобилось всего восемнадцать месяцев на постройку виллы и еще десять лет на дальнейшую роспись ее интерьеров. Работа оказалась колоссальной. Несколько залов покрыли огромные росписи с мифами о богах-олимпийцах, однако некоторые работы Романо отличались от основного массива. К примеру, вот эта:

Хотя маркиз Гонзага и придерживался передовых взглядов, еще до начала строительства виллы он забраковал большинство откровенных росписей, оставив лишь несколько. Но пропасть самым пикантным рисункам не дал друг Романо, Маркантонио Раймонди — художник и еще один ученик Рафаэля. Когда Раймонди впервые увидел этюды приятеля, он был настолько восхищен их дерзким эротизмом, что предложил Романо незамедлительно переделать их в гравюры и издать отдельно. Автор был не против, но понимал, что после такого у них точно появятся серьезные проблемы не только с властями, но и лично с папой Климентом VII, с которым у Романо и без того были сложные отношения.

По легенде, Климент VII однажды пригласил Джулио Романо расписывать Ватикан, однако времена были тяжелые, и они не смогли договориться насчет гонорара, поэтому в отместку ретивый художник оформил зал Константина порнографическими картинами, которые потом пришлось перекрашивать, за что Романо и впал в немилость.

Так это было на самом деле или нет — никто не знает, но Романо действительно поучаствовал в росписи Битвы Константина, которую ему поручили доделать за Рафаэлем после смерти мастера. И между Романо и Климентом правда были разногласия, но, с другой стороны, у кого из именитых живописцев их тогда не было? В Италии шел Ренессанс, и если для творческих людей это был переломный момент в художественном переосмыслении роли человека, Бога и морали, то для католической церкви это был слом политический — в 1527 году Рим вообще будет разграблен войсками Карла V, из-за чего власть папы серьезно пошатнется.

Но в 1524 году папский престол еще крепко стоял, и когда гравюры Раймонди по самым разнузданным эскизам Романо были изданы, их незамедлительно изъяла церковь. Усугубляло дело еще и то, что картинки с совокупляющимися парочками сопроводил похабнейшими стихами друг живописцев, поэт Пьетро Аретино. По другой версии, Аретино добавил свои сонеты уже многим позже, однако очевидец всего этого безрассудства, художник Джорджо Вазали, пишет о событиях так:

Джулио Романо поручил Маркантонио вырезать по его рисункам на двадцати листах все возможные способы, положения и позы, в каких развратные мужчины спят с женщинами, и, что хуже всего, мессер Пьетро Аретино написал для каждого способа неприличный сонет, так что я уж и не знаю, что было противнее: вид ли рисунков Джулио для глаза или слова Аретино для слуха. Произведение это было строго осуждено папой Климентом, и, если бы, когда оно было опубликовано, Джулио уже не уехал в Мантую, он заслужил бы суровое наказание от разгневанного папы. Маркантонио был схвачен и заключен в тюрьму, и плохо бы ему пришлось, если бы его не выручили кардинал Медичи и Баччо Бандинелли, находившиеся в Риме на службе у папы.

Лишь в неспокойном 1527 году Романо, Раймонди и Аретино удалось, наконец, переиздать свой труд, но и тут их ждала неудача. Творцы понадеялись, что политическая смута в Италии отведет от них зоркий взгляд папы Климента VII, но чуда не произошло — второе издание сборника, уже известного в народе как «Позы» Аретино, также было полностью сожжено. На этот раз, к сожалению, безвозвратно.

Читать еще:  Непонятые, но привлекательные работы Teiji Hayama

Уцелевшая гравюра Раймонди

Так оригинал «Поз» Аретино был утрачен — до нас дошла лишь одна уцелевшая гравюра Раймонди и шестнадцать сонетов Пьетро Аретино. Однако в середине XVI века широкой публике это произведение было вновь представлено в изложении художника Агостино Карраччи, сделавшего копию с другой копии 1550 года. «Любовные позы» к тому моменту уже превратились в легенду — сборник несколько раз переиздавался кем ни попадя, но раз за разом уничтожался властями.

Копия «Поз» 1550 года

По разрозненным свидетельствам мы знаем лишь то, что обе этих версии («Позы» Карраччи и пиратское издание 1550 года) отличаются от оригинала персонажами, но не самими позами. На гравюрах Раймонди были изображены обычные люди, тогда как Карраччи рисовал пары богов и знаменитых любовников из реальной истории: Зевс и Гера, Марк Антоний и Клеопатра, и все в таком духе. Не исключено, что таким образом Карраччи хотел избежать излишнего гнева церковников — дескать, не порнографию какую-то рисует, а отдает дань уважения классическим сюжетам.

Мускулистые тела и мощные торсы персонажей тоже были идеей Карраччи, как и идея перенести сцены секса из бытовых интерьеров в более помпезные локации. Именно эта версия «Поз» Аретино в итоге и стала каноничной, а если точнее, то ее французское переиздание 1798 года под названием L’Arétin d’Augustin Carrache, ou recueil de postures érotiques, d’après les gravures à l’eau-forte par cet artiste célèbre (примерный перевод — «Позы Аретино в исполнении Агостино Карраччи или сборник эротических картин с дополнениями знаменитого художника»).

По соображениям нынешней нравственности, во многом столь близкой по духу эпохе Ренессанса, мы были вынуждены замазать некоторые пикантные детали этих гравюр. Но вы наверняка это и так уже поняли.

Обнаженная натура в советском изобразительном искусстве. Часть II. 1930-1949

1930-40-е годы — период торжества соцреализма. Хотя существовали и другие направления. Основными темами при изображении обнаженной натуры оставались «натурщицы в студии» и водные процедуры — пляжи, купания и баня. Кроме как в студии — ради искусства, при гигиеническом омовении и оздоровительном принятии солнечных ванн советскому человеку, конечно же, негоже было щеголять нагишом.

Итак, начнем с купальщиц.
К.Сомов. «Купальщицы на солнце», 1930.

В Коваленко, «На пляже», 1930.

А теперь переместимся в студии художников.
Картина В.Буковецкого так и называется — «В студии». 1930 год.

Петр Кончаловский. «Натурщица» (этюд). 1930.

Иногда модели не выдерживали, да и засыпали. Н.Тырса. «Спящая модель», 1930.

Эта, похоже еще не заснула. Но на грани. Николай Мако, «Лежащая обнаженная», 1930.

Г.Горелов. «Обнаженная со спины», 1930.

Александр Самохвалов. «Девочка с полотенцем», 1930. Картинка безобиднейшая, но сейчас, боюсь, бедного художника чёрт те в чем бы обвинили.

Юрий Анненком в 1930 году написал картину к 10-летию смерти Амедео Модильяни. «Памяти Модильяни».

Владимир Лебедев, «Обнаженная», 1932.

И еще одна картина того же художника, того же года и с тем же названием.

Помимо студийных и водных сюжетов, стали появляться изображения жанра «ню», с тематикой «утро». Это направление особо станет популярным позже, начиная с послевоенных лет.
К.Сомов, «Летнее утро», 1932.

Александр Дейнека, куда же без него. «Купающиеся девушки», 1932.

А.Дейнека, «Полдень», 1932.

И опять — «Утро». Александр наш Дейнека, 1933 год.

Иногда художники рисовали мужскую натуру. П.Кончаловский. «Ученики в мастерской», 1932. Интересно там у них занятия проходили. Но тогда люди были неиспорченными, и ничего такого никому и в голову не придти не могло.

Но все же художники предпочитали натуру женскую. Г.Горелов. «Лежащая девушка», 1934.

А вот тут соцреализм и не ночевал. Давид Бурлюк, «Обнаженная», 1933.

Ф.Антонов, «На солнце», 1934.

Игорь Грабарь, «Флора», 1934.

А.Самохвалов, «После кросса», 1935. Спортсменка, и наверняка — комсомолка.

В.Тихов. «Купальщицы», 1935.

Б.Яковлев. «Девочка на камне», 1936.

Картина Вл.Пебедева с неожиданным названием «Кассирша», 1936.

А через год художник рисует ту же кассиршу, но уже с названием «Женщина со скрещенными руками».

Иван Астахов, «Модель», 1937.

Николай Тырса, «Сидящая модель», 1937.

Художница Татьяна Маврина явно отошла от принципов соцреализма и подверглась чуждым влияниям. «Обнаженные с синим чайником», 1936.

Ее же, «Портрет Ольги Гильдебрант», 1937. Ничего так портретик, да?

Ольга Амосова-Бунак, «Одуванчик», 1939.

И опять водно-помывочные дела. Н.Богданов-Бельский, «Перетягивание каната», 1939.

Александр Герасимов, по всей видимости, был любителем бани. Особенно женской. «В бане», 1940.

Его же «Баня», датированная как-то странно: 1938-1956.

В.Дрезнина, «Отдых на берегу», 1940.

С.Луппов, «Три грации», 1940.

И снова Александр Дейнека, «Бегущие девушки», 1941.

Аркадий Пластов, «Трактористки», 1942. Мужчины воевали, а женщины осваивали совсем не женские профессии.

В студиях художников, несмотря на тревожные предвоенные годы, жизнь не затухала. Александр Лабас, «Обнаженная перед зеркалом», 1940.

Константин Вещилов, «Женский портрет», 1940.

Николай Денисовский, «Обнаженная с веером», 1940.

Сергей Герасимов, «Натурщица», 1940.

А это уже послевоенное время.
Юрий Пименов, «Утро», 1946.

Г.Шегаль, «Натурщица», 1947.

О.Кулагина, «Натурщица в студии», 1948.

Евг.Кацман, «Обнаженная», 1949.

Мих.Баранчеев, «Утро», 1949.

Завершаю подборку картиной Александра Герасимова «Русская баня», которую иногда датируют 1949, а иногда 1950 годом. Но поскольку выше уже есть картины этого художника на банную тему, отнесем и эту к 1940-м годам.

Читать еще:  Полу абстрактные фигурные композиции. J Louis

Оригинал взят у catrina_burana в Обнаженная натура в советском изобразительном искусстве. Часть II. 1930-1949

Нагие отроки в русском искусстве

В ина ли это православного наследия Византии или сурового и сдержанного национального характера, но отечественное искусство весьма целомудренно даже в изображении женской наготы, а мужской — особенно. Тем более — детской и отроческой. Пусть в католической Европе в огромном количестве создавали прекрасных обнаженных Давидов и святых Себастьянов, а в Новое время — Ганимедов и просто купальщиков, в России с этой темой было сурово. Рассмотрим считаные сохранившиеся работы.

Портретный жанр

Поразительно, но самая первая (1716 год) картина с изображением обнаженного мужчины, вернее, мальчика в русском искусстве — портрет «второго лица» государства. Это изображение наследника Петра Великого — его старшего сына от Екатерины I цесаревича Петра Петровича. Мальчика, которому было суждено умереть в возрасте трех лет, написал француз Каравак в образе обнаженного Купидона.

В Европе подобное тогда никого не шокировало: принцев из рода Бурбонов и прочих аристократов писали так уже лет сто, играя в мифологических персонажей. Еще Каравак увековечил его маленькую сестру Елизавету Петровну (будущую императрицу) в образе обнаженной Венеры. Любопытный казус: недавно американцы удалили этот портрет из «Википедии» как детскую порнографию: так изменились вкусы и мораль.

Портреты мальчиков в образе амурчиков — пожалуй, самая благопристойная детская нагота, без всякого подтекста. Одно время их продолжали создавать в России вслед за западной модой. Хорошо известен портрет крылатого и обнаженного князя Генрика Любомирского кисти художницы-гастролерши Виже-Лебрён, но он был польский шляхтич; из россиян же она запечатлела так малолетнего Бориса Юсупова. Рене Теодор Бертон написал нагого малолетнего Анатоля Демидова верхом на тигре и вооруженного луком и стрелами. Для конца 1810-х годов такие детские портреты еще уместны, но вскоре мода на образы олимпийских божеств окончательно умирает. В 1829 году Карл Брюллов пишет портрет обнаженного ребенка из семьи Гагариных реалистично, без античных атрибутов, просто усадив его в бассейн — смотрится это странно и модой не стало.

Мастера академизма

Под тем же влиянием Запада обнаженная натура проникала и в другие жанры, в первую очередь в скульптуру, которая в период классицизма в России переживала расцвет и, опираясь на античные образцы, стеснялась не сильно. Находим наготу и в академической живописи, но тут самоцензура была сильнее. Например, написать полностью голого человека и строго фронтально живописцы XVIII–XIX веков стеснялись. Помогали драпировки.

Примечательно, что и тут художники подсознательно обращались к эталонным образцам скульптуры: люди на живописных полотнах поражают гладкостью кожи и отсутствием волос! Самой смелой, считает Игорь Кон (автор книги «Мужское тело в истории культуры»), стала картина Петра Басина «Фавн Марсий учит юношу Олимпия игре на свирели» 1821 года — у фавна там можно заметить лобковые волосы. Удивительная храбрость художника.

К детской наготе официальная цензура и подсознательное чувство приличия относились более терпимо. Поэтому кое-где в толпе второстепенных персонажей этих академических картин можно увидеть не просто голых мальчиков, но даже с обнаженными гениталиями. Но табу преодолеть сложно — так, на уже достаточно поздней, написанной в 1872 году, картине Василия Верещагина «Продажа ребенка-невольника» обнаженный ребенок — главное действующее лицо. Поэтому поставлен он спиной к зрителю. Преодолеть себя было трудно: даже знаменитый коллекционер Сергей Щукин приказал закрасить «срамные места» одному из мальчиков с приобретенного им панно Матисса «Музыка».

Александр Иванов

Самые знаменитые обнаженные мальчики в русском искусстве, пожалуй, созданы автором «Явления Христа народу». Его ранние картины, несущие явный отпечаток академической школы, также написаны на античные сюжеты — «Аполлон, Гиацинт и Кипарис», «Беллерофонт отправляется в поход против химеры». Академически совершенна и детская нагота на этих полотнах.

Со временем дети в многочисленных работах Александра Иванова становятся более реалистичными, они больше не кажутся скопированными с мраморных статуй. Тут и надутый живот, и торчащие ребра, и сутулые спины — в общем, живые люди. Делает это гениальный художник осознанно. Недаром в «Явлении Христа народу» можно разглядеть несколько типов наготы у голых купальщиков. Например, так называемый «Смотрящий» обнажен по-античному, совершенен духом и телом, демонстрирует язычески гордое единение с природой. А «Дрожащие отец и сын» наги по-библейски: они лишены покрова, не защищены, дрожат и боятся, демонстрируют греховную плоть, обреченную на стыд и проклятие.

Кузьма Петров-Водкин

Если молчаливый и застенчивый холостяк Иванов обретал в рисовании мальчишеских фигур душевный покой, то для сурового и энергичного отца семейства Петрова-Водкина это было точкой приложения идей. Художник, который даже не мог пользоваться, как все, нормальной перспективой, а изобрел собственную — «сферическую», считал человеческое тело символом духовного устремления и движения вперед. Более того, он говорил, что мускулатура должна быть естественной, а занятия гимнастикой и танцами, по его мнению, тело «уродуют», поскольку развивают его односторонне.

В наследии Петрова-Водкина много и женских ню, но поджарую мужскую фигуру он считал более выразительной, особенно в переходном подростковом возрасте. Он отмечал, что в этот период мальчики обычно гармоничнее, чем девочки, хотя ситуация потом меняется: юноши становятся неловкими и угловатыми, а девушки расцветают.

Самая знаменитая его работа — «Купание красного коня», если, разумеется, пренебречь мастью коня, достаточно реалистична. А в других произведениях, особенно в набросках, тела подростков почти превращаются в геометрические абстракции. Отсюда и до супрематических «роботов» Малевича недалеко.

Александр Дейнека

Изящный Серебряный век, несмотря на эфебофилию многих своих творцов, от Кузмина до Дягилева, заметных ню в истории русского искусства не оставил. (Цикл Сомова, посвященный его «Дафнису» — Борису Снежковскому, нам не подходит: 19-летний боксер там имеет вполне сформировавшуюся взрослую мускулатуру.) Авангард во многом вообще отвергал телесность. А вот первый период существования Советского государства обнаженной натурой был богат. Причем никогда раньше нагими мужскими телами не любовались так откровенно и в таком количестве. Но в этом — никакой эротики! Это был гимн красоте, молодости и спорту. Выражение мощной энергии молодого советского народа. Таковы мальчики и юноши на залитых солнцем полотнах Дейнеки — молодежь, не ведающая телесного стыда, сильные и гордые люди. Сплошной оптимизм и идеализм. Отметим, что взрослые у Дейнеки, как мужчины, так и женщины, — мускулистые тренированные атлеты, в общем — идеальная аллегория совершенного советского человека. А вот угловатые дети выходили у него как-то душевнее, трогательнее.

Читать еще:  Новозеландский художник. Marianne Muggeridge

Евсей Моисеенко

Но ранним десятилетиям Советского государства, с их «теорией стакана воды», концепцией «новой женщины», мгновенными гражданскими браками и такими же быстрыми разводами, настал конец. «Половую распущенность» больше не допускали, и на протяжении ХХ века ханжество все усиливалось. Сказывалось это, безусловно, и в изобразительном искусстве — любая нагота трактовалась как неприличие. Мастера социалистического реализма следовали этим правилам (хотя обнаженную натуру можно найти и у Пластова, и у Самохвалова). Среди корифеев, которые продолжали писать обнаженную натуру, причем весьма достойно, — Евсей Моисеенко, прославившийся благодаря картинам на военные темы («Красные пришли», «Победа», «Генерал Доватор»).

Дети — вторая любимая тема художника. Возможно, потому, что сам он подростком покинул дом, уйдя из глухого белорусского села, чтобы поступить в художественное училище. Мальчишки на его полотнах купаются, отдыхают, веселятся на природе. А сочетание его узнаваемой экспрессионистской манеры, нетипичной для советского реализма, с явной романтикой и поэтическим восприятием мира дает интересный эффект.

Разновидности жанра портрет

Портрет (произошло от фр. слова portrait) — это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира.
На портрете человек может быть изображен по грудь, по пояс, по бедра, по колени, в полный рост.
На портрете может быть разный поворот головы: в анфас, в четверть поворота направо или налево, вполоборота, в три четверти, в профиль.
Формат портрета может быть разным: прямоугольный вертикальный, прямоугольный горизонтальный, квадратный, овальный или круглый.
Портрет разделяется по размеру: портретная миниатюра, станковый портрет (живопись, графика, скульптура), монументальный портрет (монумент, фреска, мозаика).
Портрет разделяется по способу исполнения: масляный, карандашный, пастельный, акварельный, сухой кистью, гравированный, миниатюрный, фотографический и т.д.
Портрет может быть написан в различных стилях: академизм, реализм, импрессионизм, экспрессионизм, модерн, абстракционизм, сюрреализм, кубизм, поп арт и т.д.

Существуют различные классификации портрета:

Автопортрет — графическое, живописное или скульптурное изображение художника, выполненное им самим с помощью зеркала или системы зеркал.

Аллегорический портрет — разновидность костюмированного портрета, в котором образ портретируемого представлен в форме аллегории.

Военный портрет — разновидность парадного портрета — портрет в образе полководца.

Групповой портрет — портрет, включающий не менее трех персонажей.

Детский портрет

Донаторский портрет — разновидность религиозного портрета, на котором человек сделавший пожертвование изображался на картине (например, рядом с Иисусом).
Донатор (от лат. donator — даритель) — заказчик, организатор и покровитель строительства католического храма либо заказчик и даритель украшающего храм произведения изобразительного или декоративно-прикладного искусства.

На фото — Пьеро делла Франческа «Алтарь Монтефельтро». Справа, на коленях донатор — герцог Монтефельтро.

Жанровый портрет — портрет, где портретируемый представлен в смысловой и сюжетной взаимосвязи с окружающими его предметами быта, природой, архитектурой, людьми и т.п.

Женский портрет

Индивидуальный портрет — портрет, включающий одного персонажа.

Интимный портрет — камерный портрет с нейтральным фоном, выражающий доверительные отношения между художником и портретируемой особой.

Исторический портрет — портрет какого-либо исторического деятеля.

Камерный портрет — портрет, использующий поясное, погрудное или поплечное изображение человека. Обычно в камерном портрете фигура дается на нейтральном фоне.

Карикатура — (произошло от итал.caricare — преувеличивать) — сатирический или юмористический портрет.

Колоссальный портрет — портрет огромных размеров (как правило в скульптуре).

Конный портрет — разновидность парадного портрета.

Костюмированный портрет — портрет, в котором человек представлен в виде аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа. Обычно в наименования таких портретов включаются слова «в виде» или «в образе».

Коронационный портрет — торжественное изображение монарха в день вступления на престол, в коронационных регалиях, обычно в полный рост.

Ктиторский портрет — разновидность религиозного портрета, на котором человек сделавший пожертвование изображался на картине.
Ктитор (от греч. κτήτωρ — собственник, основатель, создатель) — лицо, выделившее средства на строительство или ремонт православного храма или монастыря, или на его украшение иконами, фресками, предметами декоративно-прикладного искусства.

На фото — Ктитор Радивой с семьёй и митрополит Калевит с макетом церкви (Кремиковский монастырь).

Малоформатный и миниатюрный портреты — портрет небольшого формата (до 20 см), обычно это акварель, тушь или тиражная графика: офорт, литография, ксилография и т.п.
Миниатюрный портрет может быть камерным или парадным, иметь сюжетную основу или не иметь таковой. Как и на большом портрете, изображённое лицо может помещаться на нейтральном, пейзажном фоне или в интерьере. И хотя миниатюрный портрет подчиняется тем же основным закономерностям развития и тем же эстетическим канонам, что и весь портретный жанр в целом, но, отличается от него как по существу художественного решения, так и своей областью приложения — миниатюра всегда носит более интимный характер.

Мифологический портрет — разновидность костюмированного портрета, в котором человек представлен в виде мифологического персонажа.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector