Пейзажи в импрессионистском стиле. John Dimech

Пейзажи в импрессионистском стиле. John Dimech

Шедевры импрессионизма, которые нужно знать (+12 ФОТО)

Коллекция из 10 шедевров живописи эпохи импрессионизма и постимпрессионизма. Вы насладитесь картинами Моне, Дега, Ренуара, Тулуз-Лотрека, Мане и т. д.

Содержание:

В 1860-х гг. в Париже возникло независимое направление, у истоков которого стояли художники, объединенные общими темами и идеями. Это объединение не имело четкой структуры и цели, но его члены выступали против академического стиля, доминировавшего во французском искусстве XIX в. Академия признавала значимыми только картины на религиозные и исторические сюжеты, тогда как пейзаж и натюрморт были оттеснены в тень. Предпочтение отдавалось картинам с плавными цветовыми переходами, законченным и натуралистичным.

Как появился «импрессионизм»

«Салон отверженных» (франц. Salon des Refusés) был создан в 1863 г. после того, как Академия и жюри Парижского салона отказались принимать работы целого ряда художников — Мане, Сезанна и Уистлера. Неожиданно объединение «новых» живописцев привлекло огромное внимание публики.

В 1874 г. группа, куда входили Моне, Ренуар, Писсаро, Сислей, Сезанн, Моризо и Дега, организовала выставку в фотостудии. Название «импрессионизм» впервые было применено, как неодобрительное, журналистом Луи Лероем — в сатирическом журнале он высмеивал одну из работ Моне. «Впечатление от природы, и ничего больше».

Но чем больше ругали и насмехались над новым направлением в живописи, тем более оно набирало обороты. Импрессионисты представляли собой весьма разнородное объединение. В первую волну входили все те же Моне, Ренуар и Сислей, которых связывала дружба с Писсаро, Сезанном и Моризо, позднее к ним присоединились Дега и Мане. Больше всего художники новой волны хотели выйти на открытый воздух и писать то, что происходило перед их глазами. Они стремились передать свежесть и спонтанность природы, отображая мимолетность каждого мгновения.

Картины импрессионистов написаны короткими густыми мазками, краски при нанесении слегка смешиваются. Чистый черный цвет практически отсутствует, новый слой накладывается, когда предыдущий еще не успел полностью высохнуть. Все это способствует созданию мягких краев и плавному слиянию цветов.

Термин «постимпрессионизм» применяется для обозначения независимого объединения художников, возникшего чуть позже, в 1886-1910 гг. Постимпрессионисты отличались еще большим разнообразием форм и сюжетов.

К этому направлению в живописи относятся работы Ван Гога, Сера, Мунка, Гогена, Климта, Тулуз-Лотрека, Вюйара и Боннара. Считается, что неким мостиком между «импрессионизмом» и «постимпрессионизмом» стал художник Поль Сезанн.

Лучшие экскурсии в музей Орсе в Париже

Знаменитые картины импрессионистов хранятся в Лондоне, Бирмингеме, Нью-Йорке, Амстердаме и других городах мира. Но крупнейшей коллекцией может похвастаться только парижский д’Орсе. Идти в музей в первый раз интереснее с гидом: групповая экскурсия «Шедевры музея Орсе за 2 часа» обойдется в € 35 за человека, индивидуальная «Скандалы музея Орсе» — в € 188 за экскурсию (от 1 до 6 человек).

Топ-12 шедевров импрессионистов

1. «Завтрак на траве», Эдуард Мане

Местонахождение: музей Орсе в Париже (1863 г.)

«Завтрак на траве» — шедевр №1 Мане

Эдуард Мане, хоть и пользовавшийся уважением молодого поколения импрессионистов (Моне, Ренуара, Сислея), никогда не выставлялся вместе с ними, стремясь добиться признания от официального Салона. Тем не менее Мане напрямую связан с эпохой импрессионизма, благодаря оригинальности сюжетов и свободной манере письма. Завсегдатай кафе на Монмартре, Мане дружил со многими художниками и писателями — в частности, с Бодлером. Следуя его совету изображать современную жизнь, постоянно делал зарисовки на бульварах и кафе Парижа.

«Завтрак на траве» — самое известное произведение Эдуарда Мане. Неоднозначное изображение обнаженной молодой женщины, участвующей в пикнике вместе с двумя одетыми мужчинами, создано на большом холсте — на первый взгляд, предназначенного для описания грандиозных событий. Мане нарушает традиции и другими способами: резкий свет и широкая манера письма создают впечатление спонтанности и незаконченности работы. Сюжет «Завтрака на траве» произвел скандальное впечатление, но одновременно вызвал любопытство широкой публики.

Картина была отвергнута Салоном и сочтена шокирующей. Не столько из-за обнаженной натуры, сколько из-за отказа поместить ее в классическое обрамление.

Дневник живописи

В каждой картине – тайна, судьба, послание

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

Читать еще:  Немецкий художник. Nithya Swaminathan

2. Клод Моне (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Импрессионисты, модернисты и сюрреалисты на Christie’s в феврале
ARTinvestment.RU 26 января 2012

7 февраля 2012 года в Лондоне пройдут вечерние аукционы Сhristie’s «Искусство импрессионизма и модернизма» и «Искусство сюрреализма», суммарный эстимейт которых составляет от 86,2 до 127 миллиона фунтов (в 2011 году аналогичный показатель равнялся 73,8–109 миллионов).

Вечерние торги «Искусство импрессионизма и модернизма»

В ходе вечерних торгов «Искусство импрессионизма и модернизма» вниманию коллекционеров будет предложен 51 лот с суммарным эстимейтом в 66,56–97,96 миллиона фунтов. Ряд работ происходит из нескольких известных собраний, включая коллекции Элизабет Тейлор и Хубертуса Вальда. К числу топ-лотов организаторы относят произведения Хуана Гриса, Винсента ван Гога, Эдгара Дега, Поля Синьяка, Генри Мура и Робера Делоне.

Жемчужиной аукциона станет выдающийся кубистический натюрморт Хуана Гриса (1887–1927) под названием «Книга» (эстимейт 12–18 миллионов фунтов). Работа была написана в Париже в период с конца 1914 по начало 1915 года. Ее появление символизирует собой переломный момент в творчестве художника, когда акцент в его творчестве начал смещаться от композиционных решений абстрактных работ в сторону самого предмета изображения. Эти изменения совпали с более глобальными процессами, происходившими в искусстве второго десятилетия ХХ века. В 1945 году «Книга» экспонировалась на эпохальной послевоенной выставке «Кубизм» в парижской Galerie de France. Она также активно выставлялась в Европе и США в 1950–60-е годы, после чего пропала из виду на 30 лет и появилась вновь лишь на мадридской ретроспективе в 2005 году.

Главным топ-лотом секции работ из коллекции Элизабет Тейлор является датируемое 1889 годом полотно Винсента ван Гога (1853–1890) под названием «Вид на приют и часовню в Сен-Реми» (эстимейт 5–7 миллионов фунтов). В свое время холст экспонировался на нескольких первых выставках, посвященных творчеству художника. Именно эти выставки, включая проходившую в 1905 году в Городском музее Амстердама, заложили основу восприятия творчества Ван Гога после его смерти. В 1963 году «Вид на приют…» был приобретен от лица актрисы ее отцом, известным арт-дилером Френсисом Тейлором. На протяжении последних 20 лет картина ни разу не выставлялась.

Творчество Ван Гога также будет представлено на торгах акварелью 1882 года «Дерево ивы» из частного собрания, о которой сам художник писал брату Тео как о «самой лучшей своей акварели» (эстимейт 1,2–1,6 миллиона фунтов).

Из собрания Элизабет Тейлор на продажу также будут выставлены созданный Эдгаром Дега (1834–1917) около 1857–1858 годов «Автопортрет» (эстимейт 350–450 тысяч фунтов) и картина Камиля Писсарро (1830–1903) «Яблони в Эраньи» 1894 года (эстимейт 0,9–1,2 миллиона фунтов).

Пастель Эдгара Дега «Танцовщица, поправляющая бретельку» (около 1896–1899, эстимейт 3–4 миллиона фунтов) относится к череде созданных художником образов балерин. В каталоге-резоне работ Дега, составленном Полем Лемуаном, эта изысканная пастель упоминается в качестве эскиза к одному из общепризнанных шедевров художника — масштабному полотну «Четыре танцовщицы», находящемуся в Национальной галерее искусства в Вашингтоне. Работа выставляется на продажу из частного собрания впервые за последние 50 лет.

Написанная в 1907 году картина Поля Синьяка (1863–1935) под названием «Золотой Рог, Константинополь» (эстимейт 4–6 миллионов фунтов) представляет собой один из наиболее масштабных (89,2 x 116,3) видов Стамбула, созданных художником. Пейзаж обладает богатейшей выставочной историей и безупречным провенансом. Будучи в собраниях таких известных арт-дилеров своего времени как, например, Поль Валлоттон, в 1937 году картина была куплена на аукционе дочерью Синьяка Джинеттой вскоре после смерти отца. В собственности семьи художника полотно оставалось на протяжении последующих 50 лет, в ходе которых выставлялось лишь однажды — в 1957 году.

Скульптура Генри Мура (1898–1986) «Полулежащая фигура: фестиваль» была задумана и отлита в количестве пяти экземпляров в 1951 году (эстимейт 3,5–5,5 миллиона фунтов). Заказ на создание этой скульптуры Мур получил от Совета по искусствам Великобритании вскоре после того, как он стал призером Венецианской биеннале.

Вечерние торги «Искусство сюрреализма»

Сразу вслед за вечерними торгами «Искусство импрессионизма и модернизма» последует аукцион «Искусство сюрреализма», в ходе которых на продажу будут выставлены 39 работ с общим эстимейтом в 19,6–29 миллиона фунтов (рекордный на сегодняшний день показатель для данного вида торгов).

Оливье Камю, заместитель председателя, департамент Искусства импрессионизма и модернизма Christie’s: «В немалой степени благодаря нашим торгам, проходящим с 2001 года, искусство сюрреализма сегодня с каждым годом привлекает все большее число новых коллекционеров. По итогам февральского аукциона прошлого года нам удалось достичь рекордных в ценовом выражении результатов. В этом году мы надеемся на не меньший успех, тем более что вниманию коллекционеров будут предложены действительно выдающиеся работы, среди которых особое место занимают редкое полотно кисти Хоана Миро и 10 работ из коллекции Хубертуса Вальда».

«Картина-стихотворение (“Тело моей темноволосой женщины, потому что я люблю ее, как своего котенка, одетую в салатово-зеленый град, что совершенно неважно”)» (эстимейт 6–9 миллионов фунтов) была написана Хоаном Миро (1893–1983) в 1925 году. Она выставляется на продажу из частного нью-йоркского собрания и представляет собой одно из наиболее выдающихся сюрреалистических полотен художника из всех, что появлялись на рынке за последнее десятилетие. Совмещая визуальные образы и написанные от руки стихотворные строки в стиле «потока сознания», Миро удалось раздвинуть привычные грани живописи и в 1925 году создать несколько полотен, которые сегодня встречаются очень редко. По мнению друга и биографа художника Жака Дюпена, «Картина-стихотворение…», которая появится на Сhristie’s 7 февраля, без сомнения, является «наиболее известной картиной-стихотворением из всех, что были созданы Миро».

Написанная в 1936 году картина Сальвадора Дали (1904-1989) «Окаменевший автомобиль мыса Креус» (эстимейт 1,4–1,8 миллиона фунтов) представляет собой фантазийный пейзаж с изображением окаменевших останков автомобиля и группы рыбаков, впечатанных в скалы мыса Креус, расположенного неподалеку от дома художника на испанском побережье. Ранее картина находилась в собрании друга Дали и известного английского коллекционера Эдварда Джеймса. Настоящим владельцем работа была приобретена на аукционе Christie’s в 1981 году и с тех пор на рынке не появлялась.

Читать еще:  Плоские фигуры. Adolf Pen

На картине Поля Дельво (1897–1994) «Обнаженная и манекен» 1947 года (эстимейт 2–3 миллиона фунтов) изображена необычная сцена с обнаженной женщиной, лежащей на кровати, и черным манекеном, задрапированным в белую материю, напоминающую свадебную шаль.

Одним из наиболее ярких примеров того, насколько хорошо искусство сюрреализма было представлено в коллекции Хубертуса Вальда, является выдающийся пейзаж кисти Макса Эрнста (1891–1976) под названием «Цветущая раковина и голова животного на красно-черном фоне», датируемый 1928 годом (эстимейт 0,7–1 миллион фунтов). Работа сочетает в себе простые геометрические формы с загадочным и напоминающим поверхность скалы изображением в технике гроттажа.

В общей сложности в ходе аукциона на продажу будет выставлено 10 работ Макса Эрнста — художника, чьи произведения в последнее время пользуются повышенным спросом. В 2011 году на торгах Christie’s было установлено два новых ценовых рекорда на работы Эрнста, последний из которых составляет 16,3 миллиона долларов (за работу 1941 года «Украденное зеркало»).

На 8 февраля назначены торги «Искусство импрессионизма и модернизма (работы на бумаге)» и дневные торги «Искусство импрессионизма и модернизма». Суммарный эстимейт 296 работ составляет 17–25 миллионов фунтов.

Этот аукционный день тоже не обойдется без работ из коллекции Элизабет Тейлор. На торгах работами на бумаге, например, будут предложены графические произведения Белы Кадара (лот 324, «Женщина, сидящая в кресле», эстимейт 2,5–3,5 тысячи фунтов), Мориса Утрилло (лот 326, «Площадь Тертр и Сакре-Кер», эстимейт 20–30 тысяч фунтов), Огастеса Эдвина Джона (лот 327, «Голуэйские рыбаки», эстимейт 2,5–3,5 тысячи фунтов), Анри де Тулуз-Лотрека (лот 335, «Мужской и женский профили», эстимейт 1–1,5 тысячи фунтов) и Пьера Боннара (лот 336, «Пейзаж с людьми и животными», эстимейт 3–5 тысяч фунтов). А на дневных торгах импрессионистов и модернистов заслуживают внимания еще три работы из коллекции актрисы: «Конная прогулка» Кеса ван Донгена (лот 504, эстимейт 120–180 тысяч фунтов), «Табак» Мориса де Вламинка (лот 506, эстимейт 40–60 тысяч фунтов) и «Женщина в восточном платье» Пьера-Огюста Ренуара (лот 523, эстимейт 180–250 тысяч фунтов).

Суммарные эстимейты февральских торгов:
Вечерние торги «Искусство импрессионизма и модернизма»: 66,6–97,96 миллиона фунтов
Вечерние торги «Искусство сюрреализма»: 19,6–29 миллионов фунтов
Торги «Искусство импрессионизма и модернизма (работы на бумаге)»: 5,98–8,6 миллиона фунтов
Дневные торги «Искусство импрессионизма и модернизма»: 11–16,5 миллиона фунтов
Вечерние торги «Искусство, окружающее действительность»: 11,5–18 миллионов фунтов
Дневные торги «Искусство, окружающее действительность»: 257–388 тысяч фунтов
ИТОГО: 120,5–177,3 миллиона фунтов

До настоящего момента самым высоким суммарным эстимейтом, 111 909 500–158 072 000 фунтов, была отмечена аналогичная неделя торгов Christie’s 2008 года. Тогда на продажу выставлялось 487 лотов, а в этом году лотов каталоги вошли 404 работы.

Источник: пресс-релиз Christie’s

Возникновение импрессионизма: как рождалось впечатление

Импрессионисты отказались от Салона и устроили свою первую отдельную выставку в 1874 году. Их стиль, вызвавший бурную реакцию общества, формировался постепенно.

Художники-импрессионисты: в чем особенности их стиля?

Цель художника-импрессиониста — не изображение самой действительности, в своей работе он передает собственное впечатление от того, что видит, атмосферу происходящего в определенный момент. Он всегда обращает внимание на игру света и движение воздуха, отказывается от чёрного и белого цветов, ведь в реальности они никогда не встречаются в чистом виде. Для импрессионистов было важно писать свои полотна с натуры, на открытом воздухе. Они использовали короткие отдельные мазки, что придавало их картинам вибрацию и движение.

Название течения родилось благодаря попытке журналиста Луи Леруа иронизировать над стилем импрессионистов в своём фельетоне в газете «Le Charivari». Поводом употребить это слово стала картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» (от фр. «Impression, soleil levant»). Постепенно пренебрежение Леруа забыли, и слово «импрессионизм» превратилось в термин, точно передающий суть творчества его представителей.

Черты импрессионизма: от Веласкеса до Делакруа и Коро

Посетители выставки 1874 года восприняли стиль импрессионистов как революцию, но на самом деле его возникновение вовсе не было резким. Черты этого течения встречаются еще у Эль Греко и Диего Веласкеса в XVI-XVII веках: они пытались передать освещение в определенный момент и изобразить движение с помощью пробелов между мазками. Тем не менее, они любили использовать открытый чёрный цвет. В одно время с Веласкесом творил Питер Пауль Рубенс, тонко передававший свет и тень. Чистого чёрного цвета на его полотнах нет.

Однако гораздо более сильно на импрессионистов повлияли художники XIX века. Здесь стоит говорить о вкладе представителей барбизонской школы, особенно Шарля-Франсуа Добиньи, и близких к ней художников: Камиля Коро, Гюстава Курбе и Эжена Будена. Черты импрессионизма в их работах появились примерно в середине века. Барбизонскую школу окрестили по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где жили несколько её представителей. В окрестностях деревни работали многие художники (не только из этой школы), создавая свои пейзажи на пленэре.

Барбизонец Добиньи известен лирическими равнинными пейзажами. Ему нравилось изображать воду и небо, ему была важна работа с натуры, и для нее он даже устроил себе плавучую мастерскую, в которой писал, поднимаясь по течению реки Уазы. Добиньи усердно работал со светом и добился больших успехов в воспроизведении изменчивого воздуха, улавливал мельчайшие оттенки цвета.

Много внимания освещению уделял и Коро. Он старался передать его как можно более естественно, перенеся на полотно атмосферу происходящего так, чтобы не потерять материальность предметов. Коро несколько раз мог переписывать один этюд ради того, чтобы свет и оттенки получились наиболее натурально. Для него очень много значила близость человека к природе. В его работах много серых тонов, которые он получал не из чёрного и белого цветов (их он не использовал), а с помощью смешения многих ярких красок. Коро стал любимым живописцем Альфреда Сислея.

Гюстав Курбе, мастер пейзажа, прошел путь от романтизма к реализму. Он никогда не работал на пленэре, но умел изображать открытое пространство с помощью цветовых пятен, а также контраста между яркими красками и затемненными фрагментами. Курбе преподавал и говорил своим ученикам, что они должны изображать то, что видят и чувствуют — это главная идея импрессионизма. Наибольшее влияние он оказал на Эдуарда Мане.

В отличие от Курбе, Эжен Буден не представлял своего творчества без работы на открытом воздухе. Небо и море — его любимые сюжеты. На своих полотнах ему удавалось удивительно точно передавать реальные соотношения цветов. Буден часто рисовал пастели и акварели, а не только писал маслом по холсту. Этот художник был дружен с импрессионистами и принял участие в их первой выставке в 1874 году. Именно привил Клоду Моне любовь к работе на открытом воздухе.

Более того, во время франко-прусской войны 1870−1871 годов Моне, Сислей и Писарро были в Англии, где изучали творчество Констебла, Тёрнера и Крома. Потом импрессионисты вспоминали, что эти великие английские пейзажисты сильно повлияли на их стиль.

Эжен Делакруа создал свои первые акварели с импрессионистским чертами еще в 30-е годы XIX века. Поэтому, если следовать строгой хронологии, о нём стоило бы говорить еще перед упоминанием барбизонской школы. Однако многие исследователи считают Делакруа наиболее близким к импрессионистам среди всех предшественников этого течения, и из-за этого мы описываем его творчество последним. Действительно, уже во времена работы над акварелями 30-х годов этот художник понимал различие между естественным цветом предметов и теми красками, которые им придает освещение. Он, можно сказать, предвосхитил картину Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), написав своё полотно «Море в Дьеппе». Журналист Жюль Лафорг сравнил мазки Делакруа и Моне, заметив, что оба художника передают движение в своих работах вибрирующими мазками.

Читать еще:  Основная идея “Поп-Арта”. Bert Prins

Мане, Ренуар и другие

Среди самих импрессионистов главную роль в формировании этого стиля сыграл тот человек, который всегда называл себя «независимым» художником, и имя ему Эдуард Мане. Его полотна «Завтрак на траве» и «Олимпия» шокировали публику еще в 1863 году в Салоне Отверженных, где были выставлены картины, не принятые официальным салоном. Эти две работы Мане можно назвать программными. Он, как и все импрессионисты, имел классическое образование и обучался академической живописи, но в этих двух картинах отошел от её стандартов, и именно это шокировало зрителей. Мане называли сумасшедшим, например, из-за того, что в работе «Завтрак на траве» он изобразил обнаженную даму среди парадно одетых мужчин. «Олимпию» возмущенные зрители несколько раз повреждали. Эти полотна поняли, пожалуй, только Эмиль Золя и Шарль Бодлер. Другая поразительная картина Мане, более ранняя «Музыка в Тюильри», тоже подверглась жесткой критике. Публика не поняла тонкую градацию цвета, назвав её «мешаниной красок», в то время как именно она вместе с обобщением форм создала взаимосвязь изображенных людей и предметов со средой, в которой они находились, и это прекрасно послужило передаче атмосферы схваченного Мане момента. Он писал то, что видел, работая с натуры, придавая огромное значение естественному освещению, выражая своё впечатление от увиденного на холсте, и Мане можно назвать главой течения импрессионистов, пусть он и не хотел связывать себя с их группой.

Пьер Огюст Ренуар достиг необычайного мастерства в жанре портрета. Он прекрасно отражал настроение модели, особенно это касается картин, изображающих женщин и детей. Этот художник больше других импрессионистов заботился о технике своей работы. Он писал то мелкими, плотными мазками, то длинными, полупрозрачными, положенными с пробелами. Часто эти приёмы соседствуют на одном полотне. Его картины запоминаются своей жизнерадостностью. Ренуар очень любил работать на открытом воздухе и творил до последних дней своей жизни, несмотря на сковавший его тело ревматизм, поразивший, в том числе, кисти рук.

Золотым временем импрессионизма в творчестве Клода Моне стали 1870-е годы. Именно он добился наибольшего успеха в передаче изменчивого естественного освещения. Этот мастер работал практически только на пленэре, создавая пейзажи, и с течением времени он всё реже изображал на них людей. Моне одним из первых начал писать серии картин, показывающих одно и то же место, но в разное время суток или года, после смены погоды. Так появились циклы изображений Руанского собора, вокзала Сан-Лазар в Париже, мостов Лондона. Такие серии помогли Моне научиться передавать свежие, яркие, естественные краски и тончайшие нюансы освещения.

Среди импрессионистов-пейзажистов стоит выделить Альфреда Сислея с его целостностью и тонким лиризмом творчества. Он любил изображать гармонию природы, очень большое значение на своих полотнах придавая небу, глубоко разрабатывая его оттенки и освещение: небеса никогда не были для этого мастера только фоном и даже могли служить главным выразителем настроения всего полотна. Постоянно работая на пленэре, художник научился переносить на полотно всю глубину открытого пространства с его струящимся воздухом. С развитием стиля Сислея спокойствие его пейзажей стало сменяться энергичностью, а цвета становились более контрастными.

К сожалению, расцвет импрессионизма не был долгим: громко заявив о себе в 1870-е годы, к началу 1890-х это течение сошло со сцены, уступив место постимпрессионизму, представители которого были заняты поисками нового в искусстве.

Фотоимпрессионизм

Обзор приемов в фотоимпрессионизме на примере работ некоторых фотографов.

Все знают такое направление живописи, как импрессионизм, когда художники стремятся наиболее естественно и не предвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления (impressions), которые краски предметов и фигур производят при различном освещении, избегая при этом всяких подробностей.

Уверен, у большинства импрессионизм ассоциируется с полотнами французских художников конца 19 века. В то время главными покупателями искусства была городская буржуазия и, следовательно, к ее требованиям и вкусам стремились приспосабливаться профессиональные портретисты, в том числе и фотографы. Нельзя, конечно, проводить полную аналогию в становлении живописи и фотографии, но основные тенденции их развития во многом совпадают. Художественная фотография, как и живопись, пережила декаданс, выражавшийся в разрушении формы, вычурности рисунка, аллегоризации.

В буржуазных салонах на рубеже двух веков большим успехом пользовались символические фотокомпозиции австрийца Пихие и американки Анны Бригман.

Фото Анны Бригман

В их работах, благодаря увлечению ритмом линий и световыми эффектами, человек как объект изображения представал бездушной величиной, приравненной к натюрморту.

В 1912 году популярный журнал «Солнце России» опубликовал специальную статью «Фотоимпрессионизм», иллюстрировав ее работами мюнхенских фотографов.
В фотоимпрессионизме обозначился отход от четкости реальных форм ради светового пятна, расплывчатого силуэта. Тающие контуры, прозрачная дымка полутонов, раздробленность композиции — все это демонстрировало пренебрежение материальной предметностью мира.

Некоторые критики в пылу поверхностных сравнений выделяли в фотоэкспрессионизме преобладание резкоконтрастного, «рембрандтовского», света.
Так проявляло себя эпигонство формалистов, выражавшееся в отказе от идейно-образного познания действительности.

Фотографы всегда пытались преодолеть гиперреализм фотографии, используя оптические искажения, различные методы печати и прочие уловки.

Еще в конце XIX века в европейском и американском фотографическом искусстве возникло течение, приверженцы которого стремились к пикториальному (картинному, подражающему живописи) фотографическому изображению. Пикториализм – часто называют фотографическим импрессионизмом. Для достижения пикториального эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати: мягкорисующие объективы, фильтры, обработка позитива бихроматами, солями серебра.

Светлана Маковецкая – один из современных российских мастеров пикториальной фотографии. Журналист по образованию, Светлана начала профессионально работать в художественной фотографии в 1995 году. Участница многих Российских и зарубежных выставок, лауреат фотобиеналле в Токио за серию “Японцы глазами Европейца”, а ее серия “Японский сад” экспонировалась в Музее Востока.

Мультиэкспозиция позволяет получить нечеткие границы объектов, передавая краски предметов. Например американский фотограф Пеп Вентоза (Pep Ventosa) накладывает друг на друга множество снимков одного и того же знаменитого туристического места, получая при этом нечеткое, но необычное изображение.

Игра с водой, съемка отражений в воде и любых причудливых зеркальных поверхностях – еще один способ получить импрессионизм в фотографии.

Похожие на полотна художников импрессионистов фотографии создаёт Барбара Коул (Barbara Cole), фотограф из Торонто. Серию фотографий Chromatics с первого раза легко принять за картины, а не за искусные подводные фотографии.

Cristophe Jacrot – фотограф дождя из Франции. “Мне нравится романтический дождь и воздушный снег. Эта погода – прекрасное фотографическое поле, визуальный мир природы. В этом мире большинство из нас слишком заняты, чтобы скрыться от осадков. Человек становится призрачной фигурой, блуждающим и послушным капризам дождя и снега”.

Длинные выдержки вкупе со сдвигом камеры и зумированием использует Nikhil Bahl в своих работах. Однако эта техника не совсем простая, какой кажется на первый взгляд. Результат должен быть в голове у автора перед съемкой, это не просто хаотичные движения камерой.

Приемов у фотоимпрессионистов много, но главное – это быть импрессионистом в душе. Видеть в первую очередь цвет и свет, замечать красоту в каждом лучике и, в идеале, – уметь передать эту частичку другим.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector