Пейзажная, портретная и фигуративная живопись. Ran Wu

Пейзажная, портретная и фигуративная живопись. Ran Wu

Лаконичный гений: иллюстратор моды Рене Грюо

Рене Грюо (1909-2004) — величайший иллюстратор французской моды, гений лаконизма, создавший прекрасные образы рекламных компаний Dior, Balenciaga, Yves Saint Laurent и других модных домов. Модные иллюстрации Рене Грюо не просто рисунки, а произведения искусства, верх элегантности в модной иллюстрации и настоящий гимн женщине.

Его настоящее имя весьма сложно для запоминания русскоязычного читателя, полное имя художника звучало так — Ренато де Дзавальи Риччарделли Каминате граф Делла Каминате.

Грюо — фамилия его матери Мари. Именно этой фамилией подписывался художник на тысячах листах с рисунками и эскизами, изящно исполненными черной тушью и красной гуашью, рядом с нарисованными им гламурными светскими львицами и джентльменами в смокингах, которые рекламировали модные товары и роскошный образ жизни. Рисунки Рене Грюо дышали дорогими кварталами и гламуром, от его героинь в вечерних платьях и шикарных костюмах веяло успехом и богатством.

Художник родился в семье итальянского аристократа и французской графини, поэтому детство у него было счастливое и беззаботное, но потом его счастье омрачил развод родителей. А когда Рене Грюо исполнилось 15 лет, он вместе с матерью приехал в Париж и сразу влюбился в этот город. Ему было комфортно в атмосфере, где тон задавали дома моды. В двадцать лет он уже работал модельером, а затем решил посвятить себя модной иллюстрации, где весьма быстро добился успехов.

Журнал L’Officiel первым опубликовал модные рисунки Рене Грюо, и с этого момента у него не было недостатка в заказах. Но настоящий успех пришел к художнику после предложения великого Кристиана Диора, который доверил ему создание модных иллюстраций для рекламной компании Miss Dior.

Этот контракт принес художнику еще больше известности и весомый доход. Отныне духи Miss Dior символизировали лебедь с двумя жемчужными ожерельями на длинной шее и веер в руке, обтянутой перчаткой. Тогда же рекламный плакат помады Rouge Baiser поразил свет незабываемой улыбкой женщины в маске.

В тот период ни одна фотография не могла быть такой символичной, как рисунки Рене Грюо. Его моделями были красивейшие женщины мира — бархатные глаза Одри Хепберн выразительно смотрели с рекламы непромокаемого плаща Blizzand. Художник играл на ассоциациях и намеках. Остроносая туфелька, заглядывая в приоткрытую дверь, намекала на облегающий костюм Dior, черная юбка на красной лестнице подразумевала белье Scandale. На его живых рисунках взлетали оборки, дрожали складки, трепетали волосы.

Созданные Грюо девушки носили модные перчатки и широкополые шляпы, бросавшие на глаза таинственную тень. Этим дамам очень шли наряды от Пьера Бальмена, Юбера де Живанши, Кристиана Диора, Жака Фата и других успешных кутюрье.

Стиль Грюо складывался в жестких условиях, которые диктует художнику рекламная иллюстрация мира моды — строгость, простота, образное решение, поэтому природе нет места в его композициях. Можно даже сказать, что природа полностью отсутствует в его рисунках, там не увидишь ни одного дерева, ни одного куста, ни даже ручейка. Лишь цветы, но цветы непростые, его цветы «цветут» только на модных тканях.

В своих работах художник стремится к графической простоте — гибкость линии, плюс определенный набор используемых цветов — белый, красный, черный, золотисто-желтый иногда зеленый цвет.

Благодаря особенности рисунков, где практически полностью отсутствует природа и интерьер, за исключением некоторых деталей (полуоткрытая дверь, спинка кресла, подлокотник, блеск зеркала), художнику удавалось выдвигать на первый план человека или рекламируемый объект.

Погрузившись в любимое дело, художник работал в Париже до того момента, когда в 1960-е годы Европу охватило движение хиппи. Последователи субкультуры отвергали гламур, элегантность и даже красоту! В этот момент Рене Грюо решает покинуть Париж и перебирается в Италию, где начинает работать с дизайнером Валентино, известным своей любовью к красоте и роскоши.

В 1970–1980-е годы модные иллюстрации Рене Грюо вновь на пике популярности. Художник плодотворно работает для знаменитых домов моды, ювелирных и парфюмерных компаний. Попутно Рене Грюо активно сотрудничает с американским издательством и не забывает глянцевые журналы — Vogue, L’Officiel, Marie Claire, International Textiles.

Вот так в течение всей жизни Рене Грюо занимался любимым делом, творил красоту и гламур посредством своих модных иллюстраций, но в последние годы мода перестала его вдохновлять. Вернее сказать, ему не нравилась мода последних лет. Художник печалился и говорил: «И зачем женщины так себя уродуют?».

В этот момент он нашел утешение в живописи и расписал замок Laura Biagiotti, с которой он дружил более тридцати лет.

Вскоре после этого, в возрасте 95 лет, Рене Грюо умер. Согласно последнему желанию художника, о его смерти объявили лишь после погребения.

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Читать еще:  Польский художник. Dariusz Kaleta

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

Классика и импрессионизм в картинах Огюста Ренуара

В конце зимы 1841 года в семье простого французского портного родился шестой ребенок. Мальчика назвали Пьером Огюстом, но мать никогда не пользовалась первым именем – в сочетании с фамилией оно казалось ей неблагозвучным. Так и вошел в жизнь своей семьи, а позже и в историю мировой живописи, выдающийся художник-импрессионист Огюст Ренуар.

Завтрак гребцов

В ряду других представителей импрессионизма этот человек занимает несколько обособленное место. Картины Огюста Ренуара отличаются тонким сочетанием классического стиля и техники мелких мазков, передающих мимолетность сцены, а кроме того, необычным выбором жанра картин. Импрессионисты ставили своей целью запечатлеть мгновенные изменения в состояниях природы, поэтому работа на пленэре была важным условием создания картин. Огюст Ренуар, хотя и разделял эти взгляды, но больше всего любил писать людей и жанровые сцены – как на открытом воздухе, так и в помещении.

Палитра художника отличалась мягкостью, краски часто смешивались, а мелкие контрастные мазки перемежались с плавными цветовыми переходами. Много взяв как от классики, так и от импрессионизма, при создании картин Огюст Ренуар с годами выработал собственный уникальный стиль живописи. Но путь к этому был долгим и тернистым.

Уже в молодости Огюст был успешным декоратором: занимался росписью по фарфору и ткани, украшал стены в кафе и трактирах. Точность руки и потрясающая скорость работы позволяла молодому мастеру иметь приличный заработок. Но карьера ремесленника-кустаря не удовлетворяла его.

Лягушатник

В 21 год молодой человек поступил учиться в мастерскую Глейра, где обрел не только навыки классической художественной школы, но еще и круг единомышленников, которые хотели расширить рамки академического искусства. Моне, Базиль, Сислей, Писсаро и другие основали кружок «непримиримых». На своих полотнах молодые художники старались отразить реальность в ее мимолетной изменчивости. Отдельные контрастные мазки, создание очертаний с помощью цвета, а не контуров, приверженность к работе на пленэре – многое отличало их от корифеев старой школы. Позже это направление стали называть импрессионизмом.

Читать еще:  Пост-импрессионистическое искусство. Stefan Bottcher

Площадь Троицы. Париж

Однако общество и критики того времени относились к новому течению в живописи более чем скептически. Энтузиаст своего дела, Ренуар около 15 лет едва сводил концы с концами, напряженно работая над полотнами, которые позже будут украшать залы крупнейших музеев мира.

Бал в Мулен де ла Галет

Поворотным моментом в творческой карьере художника стало знакомство с семьей Шарпантье, в гостиной у которых частенько собирался высший свет парижской богемы. Молва о новом модном портретисте облетела французскую столицу, теперь многие захотели приобрести картины Огюста Ренуара.

Мадам Шарпантье с детьми

Надо сказать, что в портретной живописи художник не признавал никаких правил. Свои картины Огюст Ренуар писал без четких контуров, мелкими мазками, передающими мягкую одухотворенность. А в качестве основных цветов для портретов мастер нередко выбирал нетрадиционные сочетания, например розовый и зеленый. Жемчужиной творчества Ренуара в этом жанре по праву считается серия портретов актрисы Жанны Самари.

Портрет Жанны Самари

После поездки в Италию и знакомства с классическими работами итальянских мастеров стиль художника сильно меняется, становится более «сухим», образы предметов обретают устойчивость.

Зонтики

Большой ценитель женской красоты, Ренуар в зрелом периоде своего творчества уделял много внимания обнаженной натуре. По словам художника, он всегда работал над изображением до тех пор, пока у него самого не возникало желания ущипнуть холст.

Последние годы художника были омрачены борьбой с прогрессирующим ревматизмом. Болезнь побеждала, но Ренуар делал все, чтобы иметь возможность продолжать работать. Даже будучи практически парализованным, он умудрялся писать кистью, привязанной к руке.

Девушка с мандолиной

Выдающийся художник не любил драматический жанр в живописи, он считал, что цель искусства – показать приятное и радостное состояние людей в их обычной жизни. Картины Огюста Ренуара всегда наполнены светом, жизнерадостностью, легкостью и весельем: любя жизнь, художник старался передать это удовольствие окружающим. Недаром его искусство стало бесценным даром как современникам, так и многим поколениям потомков.

Светлана Виноградова

Поделиться «Классика и импрессионизм в картинах Огюста Ренуара»

Фигуративное искусство и фигуративизм — антиподы абстракционизма и концептуализма

Фигуративное искусство — это направление изобразительного искусства, в произведениях которого всегда наглядно присутствуют реальные объекты. Фигуративизм — это лишь один из стилей фигуративного искусства, эти определения не являются синонимами. В фигуративизме основным объектом изображения выступают фигуры людей или животных.

Фигуративное искусство по своей сути является противоположностью абстрактного, отрицающего необходимость изображения реалистичных вещей в работах художника. Напротив, фигуративисты стремятся в своих произведениях с максимальной достоверностью отразить окружающие их объекты.

Разновидности фигуративного искусства

Фигуративное искусство основано на реально существующем мире, а не на глубоко скрытых в подсознании иллюзиях автора. Сторонники этого направления убеждены, что художник должен создавать репрезентативные, то есть узнаваемые образы в своих произведениях.

Объектами для творчества могут быть самые разные одушевленные и неодушевленные предметы: люди, дома, животные, автомобили, растения. Но для реализации своих идей автор вправе использовать все доступные средства:

  • широкую цветовую палитру;
  • причудливые и оригинальные формы предметов;
  • сочетание контрастов, роль света и тени;
  • перспективу и объем.

Поэтому к фигуративному искусству можно отнести произведения многих жанров:

Аналогичным образом фигуративное искусство объединяет множество разнообразных стилей, в которых главным объектом изображения является реальный мир, в том числе:

Кроме того, фигуративное искусство всегда направлено на эмоциональное восприятие зрителя посредством репрезентации узнаваемых форм предметов и объектов. Этим оно кардинально отличается от концептуализма, сторонники которого видят своей главной целью передачу идеи, а форма творческого выражения для них не важна.

История фигуративного искусства

Исторические корни фигуративного искусства можно обнаружить в древнейшие времена. Даже первобытные люди в своих наскальных рисунках очень часто стремились точно изобразить окружающий мир.

Но художникам всегда было присуще желание несколько исказить, а точнее — приукрасить реальность. Мастера античной эпохи сознательно идеализировали черты человеческой фигуры в своих произведениях. В Византийской империи основным видом изобразительного искусства стала иконопись, в которой пропорции тел были отчетливо стилизованы, а символика цветов и предметов играла важную роль.

В эпоху Ренессанса художники видели свое предназначение в воспевании идеалов гуманизма и антропоцентризма. Поэтому величайшие мастера того времени создавали удивительные по красоте, но далеко не всегда реалистичные произведения. Эта тенденция продолжилась и в другие исторические эпохи, вплоть до появления импрессионизма.

Черты фигуративного искусства, несмотря на появление новых стилей и жанров, всегда оставались различимыми в картинах и скульптурах художников. Но на рубеже XIX-XX веков в мировой культуре появился революционный авангардизм. Многие художники начали решительно отказываться от тысячелетних академических традиций, в том числе и от фигуративизма. Возникла и быстро начала обретать популярность абстрактная живопись, которая постепенно заняла лидирующие позиции в современной мировой культуре.

В наступившем XXI веке соотношение количества приверженцев абстрактного и фигуративного искусства постоянно меняется. Часть художников активно выступает за возвращение старых традиций в живописи и скульптуре, а их оппоненты усердно отстаивают противоположную точку зрения. Кто победит в этой борьбе — не решаются сказать даже профессионалы в сфере искусства.

Портал Very Important Lot предоставляет всем желающим уникальную возможность принять участие в арт-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины у современных художников по доступной цене.

Читать еще:  Поп экспрессионизм. Thomas Mainardis

Вселенная творчества. Пейзажная живопись Часть 2

Японская пейзажная живопись

Мы рассказывали об особенностях китайской пейзажной живописи, разделили наше повествование о пейзажной живописи Востока на две части, рассказ о китайской и японской пейзажной живописи. Как может показаться с первого взгляда, довольно близкие направления, но имеют свой путь развития и особенности.

Традиции пейзажной живописи Востока уходят вглубь веков, мы с трепетом узнаем о школах, династиях, изучаем работы каждого исторического периода. Материалы, техники исполнения. Горные ландшафты, озера, реки, водопады, деревья. Деревушки, храмы, монастыри. Монохромный и цветной. Пейзажи, выполненные на рисовой или хлопковой бумаге, на шелке. Бесподобная японская гравюра, особенностям и процессу в работе над японской гравюрой мы обязательно посвятим одну из наших статей.

Суми-Э, Укиё-э, Эпоха Эдо, Мэйдзи, Нихонга, Ёга – эпохи, стили, развитие

Повествование было бы не полным, если бы мы не упомянули о творчестве Кацусика Хокусая (1760-1849) и его знаменитой гравюре «Большая волна в Канагаве» — 1832 г. Первое произведение из серии «Тридцать шесть видов Фудзи», одно из самых знаменитых и самых популярных произведений японского изобразительного искусства за пределами самой Японии. Отпечатки столь популярной гравюры делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться.


Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве»

Укиё-э (Ukiyo-e) — картины «бренного», изменчивого мира. Это особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Первоначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как «бренный и быстротекущий мир». В 17 веке оно уже стало обозначать современный суетный мир, мир любви и наслаждений. Слово «э» означает «картина, изображение». Поэтому название искусства «укиё-э» говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь периода Токугавы или Эпоха Эдо (1603-1868) Эдо — по древнему наименованию столицы Японии г. Токио.

Удивительные, тонкие, наполненные воздухом гравюры Tsuchiya Koitsu 1870-1949.


Работы Tsuchiya Koitsu

В 1868 году в Японии произошла буржуазная револю­ция, положившая начало новому периоду в жизни страны, известному под названием Мэйдзи (1868-1912). Социальные изменения, вызванные революционным переворотом, оказали большое влияние на формирование культуры и искусства. в связи с прекращением изоляции Японии, длившейся более двух с половиной столетий. В этот период времени происходит некоторые трансформации в сторону Западного искусства. Но после сравнительно короткого промежутка времени интерес к западному новаторству был утрачен, и художники возвращаются к традициям японского искусства, это плодотворный период мастеров техники – Нихонга. Пытливый творческий подход мастеров к симбиозу Западного и Восточного искусства отображен в картинах направления Ёга.

О направлении живописи Ёга интересная статья на нашем сайте:

О выдающихся художниках и направлении живописи Нихонга статьи на нашем сайте:


Работы Юкио Кондо

Суми-э (Суйбокуга) – техника живописи тушью, имеет глубочайшие исторические корни.

Техника живописи тушью, которую использовали китайские художники, творившие в эпоху танской династии (618 — 907), впервые была представлена японцам в VIII в. Прошло еще несколько столетий, прежде чем монохромная живопись мастеров Китая, живших при сунской (960 — 1279) и юаньской (1279 — 1368) династиях претерпела трансформацию в основное направление японского изобразительного искусства как такового.

Настоящий расцвет Суми-Э произошел в XIV веке в эпоху Муромати. Произведения искусства Суми-Э украшали стены дворцов знатни и военачальников. Самыми яркими представителями суми-э являются Дзёсецу, Тоё Сэссю и Кано Мотонобу. Именно монах Дзёсецу считается отцом стиля суми-э.


Работа Дзёсецу «Ловля сома с помощью тыквы — горлянки»

Пейзажи, выполненные в технике Суми-э наполнены воздухом, тончайшие переливы оттенков туши. Проникновенное созерцание картины от переднего плана к ускользающему, выходящему за грани картины заднему плану. В работе особое значение уделяется композиции, каждый персонаж пейзажа имеет свой облик. Монохромная живопись японского пейзажа завораживает, глубокие оттенки темной туши и многогранные оттенки более светлых тонов туши.

Кисти мастера подвластно все, уникальность техники Суми-э в изысканности владения кистью и множестве приемов. Кисть, бумага, тушь участвуют в создании картины и успех в творческом замысле зависит от каждой из этих трех составляющих. Бумага с памятью и без, тончайшая Васи или более плотная Джунминтан, хлопковая или рисовая. Точка, линия, пятно, работа всей поверхностью кисти или кончиком. Различные способы набора туши на кисть для изображения стеблей и листьев бамбука или тончайших прозрачных лепестков цветка. Работа сухой кистью позволяет отобразить великолепие коры дерева, движение струй водопада, фактуры деревянного строения.

Работа кисти по влажному или сухому листу, многослойная или легкая однослойная живопись. И совершенство работы выполненной мастером на бумаге с памятью, когда бумага обладает свойствами запоминать каждое движение кисти. Несомненно, в технике работы Суми-э очень важно владение кистью. Современные мастера японской живописи прибегают к некоторым техническим приемам, работая с резервами, к ним относятся растворы «Доса» и «волшебный порошок» Ванпо. С помощью этих резервов можно добиться мягкости туманов и передать изящные веточки заснеженных деревьев.

В следующем разделе мы расскажем о разнообразии творческого мира современных японских художников.

И обязательно посвятим одну из статей искусству японской гравюры.

Приглашаем Вас к посвящению в эстетику японской живописи

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector