Пейзажная живопись. Brigitte Dehue

Пейзажная живопись. Brigitte Dehue

Стили китайской живописи: гунби

Гунби или «тщательная кисть» — техника реалистической китайской живописи. Считается академической, поскольку была изобретена раньше остальных и противопоставляется свободному экспрессивному стилю се-и — «живописи идеи».

В технике гунби, в отличии от се-и, используется чёткий прорисованный контур со всеми ботаническими подробностями, без какой-либо независимой, экспрессивной вариации, что ограничивает художника в свободе взгляда на объект. В древности в технике гунби часто изображали фигурные композиции, божественные чертоги, мудрецов и повествовательные сюжеты.

Стиль китайской живописи гунби зародился около 2000 лет назад, в династию Хань (206 до н.э. — 220 н.э.), когда политическая стабильность Хань и её процветание благоприятствовали развитию и популяризации искусства.

Пика своего развития техника гунби достигла в эпохи Тан и Сун (с VII по XIII века), когда эти утонченные картины были одобрены императорскими семьями и начали коллекционироваться в дворцовых покоях.

Художники, работавшие у императора, обязаны были владеть стилем гунби. У императора был целый штат художников, работавших только в этой технике. Только богатые могли позволить себе приобретать такие картины. Свитки хранились в строжайшей тайне во дворце императора и покоях богатых семей.

Особенности техники гунби:

  1. Изображение объекта в контурной технике во всех подробностях;
  2. Покрытие контура цветом слой за слоем, с постепенным усилением контраста;
  3. Цель подобной техники — изысканное изображение объекта.

Самые известные художники стиля гунби:

  • Ян Либянь (ок. 600-673 )
  • Чжан Сюань ( 713-755 )
  • Чжоу Фан (ок. 730-800 )
  • Гу Хучжон ( 937-975 )
  • Император Хуэй Чжун (1082-1135)
  • Тан Инь (1470-1524)
  • Цю Ин (1494-1552)
  • Чэнь Хуншоу (1598-1652)

Техника могуфа

Могуфа одна из техник традиционной китайской живописи, в переводе с китайского языка буквально «бескостная живопись». По некоторым древним документам создание этой техники приписывают Чжан Сэн-юню, который жил в династию Лян в период Южных династий. В периоды Пяти династий и десяти царств художник по имени Хуан Цюань из бывшего княжества Шу значительно развил эту технику, которая в основном использовалась в жанре цветы-птицы (хуаняо), а также деревья и цветы, травы и насекомые, поскольку птиц продолжали традиционно рисовать в стиле гунби. Эта техника была названа «не имеющей костей», «бескостной».

Художники династии Тан, подражавшие технике Хуан Цюаня: Сюй Чунсы (династия Северная Сун, был приверженцем этой техники, вследствие чего его картины были названы мэйгуту, «картины в технике мэйгу«; кроме того, он впервые стал применять технику мэйгу в жанре пейзажа). Во времена Поздней Мин и Цин самым известным мастером этой техники был Юнь Шоупин.

Цветные пейзажи Чжана Сэн-ю династии Лян, монохромные изображения людей Лян Кая династии Сун, картины цветущих растений Юн Няньтяна династии Цинь когда-то шокировали жителей Поднебесной своими нестандартными приемами, но вскоре это впечатление «развеялось как дым». Бескостный метод рисования цветов и трав художника Юн Наньтяна использовался всего лишь 300 лет…

Китайская живопись в те времена воспринималась и понималась людьми только как живопись с четкими контурами (по-китайски чжунгуфа, буквально «метод тяжелой кости») или метод сянфа (линейный метод). В результате работы, выполненные в технике мэйгу подвергались «холодным» дискуссиям и к этим картинам было пренебрежительное отношение вплоть до того времени, пока те не исчезли совсем. И это несмотря на то, что метод мэйгу фактически составляет половину всей живописи Китая!

Все изменилось в династию Цинь, когда Сян Вэйжень, Цэн Яндун и другие начали использовать эту технику. Последователи художника Ван Жуюаня и его ученики Цай Сяоцю, Чжан Хунвэй, Чэн Маньчин стремились к новым веяниям в китайской живописи, сознательно подвергая себя нападкам, начали практиковать стиль могуфа. Итогом их усердия стала известность. В последствии их школа живописи получила название «школа живописи Юнцзя» по месту ее создания.

Стиль могуфа основывается на заливке цветом больших участков картины без предварительной тщательной прорисовки контура. «Костями» в живописи называли тщательные линии стиля гунби. «Мясом» называлось заполнение контуров цветом. «Без костей» в данном контексте означает «без контура». Сначала цветом заливается форма листа, потом по сырому изображению наносятся тен, только после этого по высохшему пятну рисуются прожилки. При этом используется непромокаемая бумага для стиля гунби, пропитанная квасцами. Так же, как и в гунби, в технике могуфа присутствует окрашивание, смазывание, растирание и заливка.

История китайской живописи. Стиль гунби

Слово «гунби» дословно переводится с китайского языка как «тщательная или прилежная кисть». И действительно, этот стиль изображения отличает особое внимание к деталям, парадность, декоративность, пышность и изящество.

Китайская традиция живописи берет истоки с религиозных ритуалов украшения храмов и усыпальниц. Позже живопись становится более светской. Императоры, как просвещенные люди, покровительствовали развитию изящных искусств. В средние века открываются Императорские художественные академии живописи. А основным заказчиком становится, естественно, император и его двор. Именно стиль гунби использовался для декорирования дворцов, предметов утвари, дорогих безделушек.

Живописная работа, выполненная в этом стиле, легко узнаваема: изображение сделано с предельной тщательностью прорисовки: усики мотыльков, шерстка животного, нежный румянец щек красавиц или тончайшие цветовые нюансы бутонов цветов, все это должно быть виртуозно отражено.

Ведение работы с изображением тоже оригинально.

Вначале художник делает абрис, контур изображаемого предмета, потом картина наполняется цветом. Здесь нужно отметить, что для китайской традиционной живописи используются и традиционные материалы: тончайшая рисовая бумага, натуральный шелк, минеральные краски, обладающие уникальными свойствами, и, конечно, основа основ китайской живописи — тушь.

О мастерстве художника судят, лишь взглянув на исполненным им контур. Рука должна быть уверенной и твердой, чтобы контур получился правильным. Даже тонкая линия призвана передавать свойства изображения. Линия абриса для бутона цветка и для его листа не могут быть одинаковы! Кроме того, контуру надлежит быть живым и передавать объем.

Говоря о стиле гунби нельзя не упомянуть имя выдающегося китайского художника Лана Шинина, благодаря которому мы знаем стиль гунби именно таким.

Лан Шинин (Лан Сияющий) — второе имя художника. Настоящее же имя, данное ему при рождении, Джузеппе Кастильоне. Даже самоё имя, Сияющий, данное ему в Китае, говорит само за себя: художник прожил в Поднебесной 50 лет и был высоко ценим императорами за безусловный талант, гибкость и восприимчивость к культурному наследию страны, за трудолюбие.

Читать еще:  Новые работы Валерия Петрова

Джузеппе Кастильоне (19.07.1688 — 17.07.1766) — итальянский манах-иезуит, миссионер, придворный архитектор и художник трех императоров династии Цин (Канси, Юнчжэна, Цяньлуна).

Кастильоне, являясь, прежде всего, художником и архитектором европейской школы, внес огромную лепту в трансформацию традиции китайской живописи, обогатив ее европейскими художественными приемами, такими как линейная и воздушная перспективы и светотень.

Тем не менее, все европейские приемы живописи интегрировались мастером в традиционную китайскую живопись аккуратно и опосредовано.

Прежде всего, художнику необходимо было менять свою живописную манеру, чтобы быть элементарно понятым китайскими зрителями. Например, существенно ослабить тональное решение светотени. Особенно это заметно на портретных работах живописца. Но и китайская традиция живописи в свою очередь также обогатила художественные приемы мастера. Кастильоне восхищала простота и чудесная выразительная естественность китайских пейзажей вкупе с художественной виртуозностью их исполнения.

Мастер стиля гунби, Кастильоне особенно преуспел в жанрах жэньу (фигура), юхуа (портрет) и хуа няо (цветы и птицы). Но также с успехом рисовал жанровые сцены и животных, среди которых на особом месте стоят изображения лошадей. Лан Шинин выполнил портреты императора Цяньлуна, наложниц, князей и аристократов.

Вот, к примеру, альбом «Цветение вечной весны» (33 х 28 см, шелк), состоящий из 16 картин и выполненный в жанре цветы и птицы, относится к ранним работам художника периода 1728-1735 годов.

«Парча весны», 170 х 95 см, шелк.

На работе изображена пара золотых фазанов на фоне цветущего яблоневого сада с причудливыми камнями озера Тайху и водный поток. А также грибы бессметрия личжи и бамбук. Одним словом, на картине собраны все китайские символы счастья и долголетия.

«Сто благородных скакунов», 1728 год, 94 х 776 см., горизонтальный свиток на шелке.

«Рыжая собака», шелк.

«Белый кречет», шелк.

«Павлин расправляет хвост», шелк.

А вот портрет Благоухающей наложницы Цянлуна, Сян фей, выполненный маслом в удивительном сочетании европейской и китайской традиции.

«Празднование нового года в Запретном городе», шелк.

Работы мастера по сей день служат наилучшими образцами для изучения стиля гунби.
Умер Кастильоне в преклонном возрасте, окруженный признанием и почестями. Был похоронен на кладбище в окрестностях Пекина. В его похоронах участвовал сам император Цяньлун.

Стили китайской живописи: гунби

Гунби или «тщательная кисть» — техника реалистической китайской живописи. Считается академической, поскольку была изобретена раньше остальных и противопоставляется свободному экспрессивному стилю се-и — «живописи идеи».

В технике гунби, в отличии от се-и, используется чёткий прорисованный контур со всеми ботаническими подробностями, без какой-либо независимой, экспрессивной вариации, что ограничивает художника в свободе взгляда на объект. В древности в технике гунби часто изображали фигурные композиции, божественные чертоги, мудрецов и повествовательные сюжеты.

Стиль китайской живописи гунби зародился около 2000 лет назад, в династию Хань (206 до н.э. — 220 н.э.), когда политическая стабильность Хань и её процветание благоприятствовали развитию и популяризации искусства.

Пика своего развития техника гунби достигла в эпохи Тан и Сун (с VII по XIII века), когда эти утонченные картины были одобрены императорскими семьями и начали коллекционироваться в дворцовых покоях.

Художники, работавшие у императора, обязаны были владеть стилем гунби. У императора был целый штат художников, работавших только в этой технике. Только богатые могли позволить себе приобретать такие картины. Свитки хранились в строжайшей тайне во дворце императора и покоях богатых семей.

Особенности техники гунби:

  1. Изображение объекта в контурной технике во всех подробностях;
  2. Покрытие контура цветом слой за слоем, с постепенным усилением контраста;
  3. Цель подобной техники — изысканное изображение объекта.

Самые известные художники стиля гунби:

  • Ян Либянь (ок. 600-673 )
  • Чжан Сюань ( 713-755 )
  • Чжоу Фан (ок. 730-800 )
  • Гу Хучжон ( 937-975 )
  • Император Хуэй Чжун (1082-1135)
  • Тан Инь (1470-1524)
  • Цю Ин (1494-1552)
  • Чэнь Хуншоу (1598-1652)

Техника могуфа

Могуфа одна из техник традиционной китайской живописи, в переводе с китайского языка буквально «бескостная живопись». По некоторым древним документам создание этой техники приписывают Чжан Сэн-юню, который жил в династию Лян в период Южных династий. В периоды Пяти династий и десяти царств художник по имени Хуан Цюань из бывшего княжества Шу значительно развил эту технику, которая в основном использовалась в жанре цветы-птицы (хуаняо), а также деревья и цветы, травы и насекомые, поскольку птиц продолжали традиционно рисовать в стиле гунби. Эта техника была названа «не имеющей костей», «бескостной».

Художники династии Тан, подражавшие технике Хуан Цюаня: Сюй Чунсы (династия Северная Сун, был приверженцем этой техники, вследствие чего его картины были названы мэйгуту, «картины в технике мэйгу«; кроме того, он впервые стал применять технику мэйгу в жанре пейзажа). Во времена Поздней Мин и Цин самым известным мастером этой техники был Юнь Шоупин.

Цветные пейзажи Чжана Сэн-ю династии Лян, монохромные изображения людей Лян Кая династии Сун, картины цветущих растений Юн Няньтяна династии Цинь когда-то шокировали жителей Поднебесной своими нестандартными приемами, но вскоре это впечатление «развеялось как дым». Бескостный метод рисования цветов и трав художника Юн Наньтяна использовался всего лишь 300 лет…

Китайская живопись в те времена воспринималась и понималась людьми только как живопись с четкими контурами (по-китайски чжунгуфа, буквально «метод тяжелой кости») или метод сянфа (линейный метод). В результате работы, выполненные в технике мэйгу подвергались «холодным» дискуссиям и к этим картинам было пренебрежительное отношение вплоть до того времени, пока те не исчезли совсем. И это несмотря на то, что метод мэйгу фактически составляет половину всей живописи Китая!

Все изменилось в династию Цинь, когда Сян Вэйжень, Цэн Яндун и другие начали использовать эту технику. Последователи художника Ван Жуюаня и его ученики Цай Сяоцю, Чжан Хунвэй, Чэн Маньчин стремились к новым веяниям в китайской живописи, сознательно подвергая себя нападкам, начали практиковать стиль могуфа. Итогом их усердия стала известность. В последствии их школа живописи получила название «школа живописи Юнцзя» по месту ее создания.

Читать еще:  Обратная связь

Стиль могуфа основывается на заливке цветом больших участков картины без предварительной тщательной прорисовки контура. «Костями» в живописи называли тщательные линии стиля гунби. «Мясом» называлось заполнение контуров цветом. «Без костей» в данном контексте означает «без контура». Сначала цветом заливается форма листа, потом по сырому изображению наносятся тен, только после этого по высохшему пятну рисуются прожилки. При этом используется непромокаемая бумага для стиля гунби, пропитанная квасцами. Так же, как и в гунби, в технике могуфа присутствует окрашивание, смазывание, растирание и заливка.

Темы пейзажей Брейгеля (Старшего)

Темы пейзажей Брейгеля (Старшего)

И. Брейгель-Старший. Городские ворота. Пейзаж из серии, изданной в 1561 году.

Надо сказать, что солнца художники просто как-то не замечали, быть может, считая его чем-то слишком обыденным[156], если только здесь не сказывался «мрак эпохи», сумерки, надвинувшиеся на душу из-за окружавших горестей и ужасов. Ведь даже в готических соборах не солнечные лучи лежали по колоннам и стенам, а сверкали яхонты витражей, точно видения из иного мира, где нет «простого», белого солнца. В течение всего первого периода «завоевания живописью природы» пейзаж так и не нашел солнца, да и не искал его, вполне овладев тайной передачи света; таким образом, как бы повторился «черед» дней сотворения мира.

И. Брейгель-Старший. Зима. Венский музей.

Найти солнце было суждено следующему периоду: периоду стиля, «украшения», но и тогда долгое время не видели всей особой игры его, всей его жизни. Солнцу давали скорей пассивную роль, и лишь эпохе импрессионизма суждено было найти в живописи эту жизнь, всю активную динамическую природу солнца, и окружить изучение его каким-то восторженным культом.

Питера Брейгеля можно познать или в собраниях гравюр, или в Венской галерее. В других местах он представлен слишком случайно. Творение Брейгеля, впрочем, вообще не очень обширно, если не считать всех копий, принадлежащих, главным образом, его старшему сыну, который из этого копирования отцовских произведений создал себе род профессии. Поэтому коллекция из четырнадцати наиболее знаменитых картин мастера, сгруппированных благодаря собирательству императора Рудольфа II и эрцгерцога Леопольда Вильгельма в Вене, представляет собою неоценимое (и долгое время остававшееся неоцененным) сокровище. Среди этих картин наиболее затейливы те, в которых крошечные фигуры рассказывают сложные истории: «Обращение Павла», «Поражение Саула», «Вифлеемское избиение младенцев», «Построение Вавилонской башни». Сцены эти происходят среди сложных и прекрасных, на версты кругом раскинувшихся декораций. Однако на последние обращаешь сравнительно мало внимания — до того интересно проникнуть в суетливый, полный ожесточенной страстности мир населяющих их «лилипутов». В других картинах выразился насмешливый нрав Брейгеля[157]: это те, в которых он изобразил пирушку и танцы мужиков, спор масленицы с постом, пословицу об опустошителе гнезд и проч. В них опять-таки пейзажи прекрасны, но внимание все же концентрируется на действующих лицах. Наконец, самыми изумительными во всем ряде венских картин являются те, в которых пейзаж играет главную и почти исключительную роль. Это уже вполне «чистые» пейзажи, такие же непосредственные изображения стихийной жизни природы, как календарные картинки в часословах герцога Беррийского, но только значительно увеличенные в размерах, обогатившиеся всей роскошью, всей «огненностью» масляных красок и вдобавок отражающие всю широту взгляда человека, жившего в самое тревожное время истории и совершившего весьма далекое для того времени путешествие (Брейгель посетил Италию в 1550-х годах и по дороге перерисовал все замечательные виды Швейцарии).

П. Брейгель-Старший. Альпийский пейзаж. Гравюра Г. Кока

Трудно определить, какую местность или даже какую часть Европы изображают эти пейзажи. Это отнюдь не этюды с натуры, а вымышленные ландшафты, пейзажи-типы. Мы найдем в них и моря, и горы, и долины, и фламандские домики, и замерзшие пруды, и плодоносные долины. Но все это разнородное объединилось, благодаря гению мастера, в неразрывное целое, получило жизнь, убедительное существование. Эти картины живут своей жизнью, и жизнь их — это синтез всей средневековой европейской жизни. Попробуйте изменить на этих картинах кое-какие подробности в формах изображенных домов, церквей, замков — и перед вами пройдут и Франция, и средняя Германия, и Тироль, и Швейцария. Только романского, итальянского нет ни следа в Брейгеле; в этом сказалась его колоссальная почвенная сила, ибо в его годы все в Нидерландах уже клялись Италией и молились на нее.

Три пейзажа из них — два варианта «Зимы» и «Осень» — особенно прекрасны. Когда глядишь на «Зиму со снегом», становится холодно, и с каким-то особым эгоистическим удовлетворением замечаешь слева у харчевни пылающий костер. Мертвые черные скелеты деревьев на этой картине — не находка Брейгеля; мы уже видели их у Гуса, у «Флемаля», у миниатюристов. Однако нигде им не отведена такая роль, их оголенность не передана с такой «чувствительностью», как здесь. Деревья эти зябнут, и печальны силуэты мерзнущих на них птиц. Зябнут и хижины под толстым слоем снега, дрожит весь сквозной лесок на соседнем пригорке, и уныло торчат в глубине острые скалы, точно придушенные саваном снега. Свинцовое небо нависло над самой головой. Слышен каждый звук: крики конькобежцев на пруде, понукание извозчика, везущего сено в деревню, унылый звон церковного колокола и еще более далекие звуки, неведомо откуда идущие. Егеря со сворой возвращаются с охоты. Густыми красочными массами, но четко вырисовываются они силуэтами на блеске снега. Их ноги утопают в белой массе, а усталые собаки понуро плетутся за ними. Отчего эта картина нам точно родная, отчего становится грустно, глядя на нее, точно читаешь повесть о собственных далеких, канувших в прошлое летах? Откуда — среди XVI века «модернизм» в самом отношении к делу? Мы все были здесь, «знаем», что это такое, можем вспомнить обо всем, стоит только вглядеться в картину. С нами говорит самый близкий, дорогой человек. Он более наш, нежели южные красавцы-итальянцы XV-XVI веков, даже нежели художники наших дней и нашей Родины[158].

Читать еще:  Портреты. Andy Beck

П. Брейгель-Старший. Ноябрь (?). Музей в Вене.

Французский художник Gustave Courbet (1819 – 1877)

Женщина в гамаке с ребенком (Femme au hamac, tenant son enfant)

Художник Гюстав Курбе (Gustave Courbet) – всемирно знаменитый французский живописец, портретист, пейзажист и жанрист, один из основателей реализма в живописи – буквально ключевая фигура французского реализма.

Автопортрет (Отчаявшийся мужчина) (Self-portrait (the Desperate man))

Жан Дезире Гюстав Курбе (Gustave Courbet) родился в июне 1819 года в небольшом городке, около трёх тысяч жителей, Орнане, недалеко от Швейцарской границы. Отец будущего знаменитого художника, Режис Курбе, был зажиточным крестьянином и владел виноградниками в окрестностях Орнане.

В возрасте двенадцати лет Гюстав Курбе начал посещать местную семинарию, но отличался из общего числа семинаристов чрезвычайно живым характером, т.е. был, как бы сейчас сказали, хулиганом. Впрочем, учился он достаточно хорошо. Настолько хорошо, что в 1837 сумел поступить в Королевский колледж в Безансоне, что должно было благотворно повлиять на его будущую карьеру юриста, о которой мечтал отец будущего художника.

Но случилось так, что Gustave Courbet серьёзно увлёкся живописью и в свободное от колледжа время начал посещать Академию, где учителем начинающего художника стал один из лучших учеников известного художника классициста Жака-Луи Давида, Шарль-Антуан Флажуло.

В 1839 году Гюстав Курбе отправился в Париж, предварительно пообещав своему отцу, что едет для дальнейшего углублённого изучения юриспруденции.

В Париже Гюстав начал изучать художественные коллекции Лувра, особенно молодого художника увлекли испанские художники и малые голландцы. Огромное впечатление на Курбе произвел Веласкес – в последующем Курбе «позаимствует» у великого художника тёмные тона для полотен.

Изучив коллекции Лувра, Gustave Courbet решил посвятить вою жизнь живописи и начал посещать занятия в разнообразных художественных мастерских, и прежде всего уроки Шарля де Штейбена. Очень скоро молодой человек решил отказаться от получения классического художественного образования и поступил на работу в мастерские Суисса и Ляпена – в этих мастерских не было обязательных уроков, а ученики не должны были придерживаться каких-либо канонов. Все занятия строились на индивидуальном художественном поиске ученика, что Гюстава совершенно устраивало.

Вскоре молодой художник представил на суд публики свою первую картину «Автопортрет с чёрной собакой», и эта картина имела огромный успех.

Автопортрет с черной собакой (Self-Portrait With Black Dog)

Художник на картине «Автопортрет с чёрной собакой» изобразил себя сидящим у входа в грот Плезир-Фонтен (недалеко от Орнана). Слева от него лежат трость и альбом для этюдов, справа на фоне залитого солнцем пейзажа тёмным силуэтом выделяется чёрный вислоухий спаниель. На небе и заднем плане — несколько пробных мазков, сделанных мастихином — инструментом, которым Курбе позднее пользовался с большим мастерством. В мае 1842 года Курбе писал родителям:

Я обзавелся прелестной собачкой, чистокровным английским спаниелем – её подарил мне один из друзей; все ею восторгаются, и в доме Удо ей рады гораздо больше, чем мне.

А всего через два года « Автопортрет с чёрной собакой » открыл для Курбе двери парижского Салона. Впрочем, все остальные картины молодого художника были отвергнуты представительным жюри.

Всё дело в том, что художник с самого начала своей творческой деятельности писал, как реалист. И чем дальше он работал, тем больше увлекался реализмом и становился противником всякого украшательства – он считал, что художник обязан показывать буквально голую действительность и суровую прозу жизни, даже пренебрегая изяществом техники живописи.

Художник начала писать портреты, путешествовал в Нидерланды и Бельгию, где установил контакты с продавцами живописи. И одним из первых почитателей и покупателей картин художника стал голландский коллекционер и художник, основатель Гаагской школы живописи, Хенрик Виллем Месдах.

Именно личные связи с продавцами живописи в Голландии и Бельгии в последующем способствовали тому, что о художнике узнали далеко за пределами Франции.

Впрочем, Курье не ограничился связями в Бельгии и Голландии, сумел войти в артистические круги Парижа. Он частенько посещал богемное кафе «Brasserie Andler», где буквально обитали известные парижские художники и литераторы.

До середины девятнадцатого века во Франции буквально господствовал академизм и работы художников-реалистов, очень часто, устроители престижных выставок отвергали. Французские художники, чьи имена впоследствии составили славу живописи страны, стали изгоями и даже решили устроить собственную выставку. Но тут началась революция…

В 1848 году семь работ Курбе были выставлены в Салоне, но покупателя на эти картины не нашлось – публика ещё не была готова принять французский реализм. Художник был безусловно талантлив и умён, однако его крайний реализм в живописи, местами, в жанровых картинах, «приправленный» социалистическими идеями, вызывал в аристократических и литературных кругах парижан гарантированный скандал. И очень скоро у художника появились влиятельные враги, например, известный критик и писатель, теоретик анархизма Прудон.

Тем не менее, через несколько лет Gustave Courbet возглавил возникшую во Францию реалистическую школу живописи. Тем более, что работы французских реалистов нашли своих почитателей в других странах Европы. А Париж реалистов бойкотировал и много лет ни одна картина Курбе не была выставлена в Салоне.

В 1871 году художник примкнул к Парижской коммуне, получил при коммуне должность управляющего общественными музеями и стал руководителем сноса Вандомской колонны.

После падения коммуны, Гюстав Курбе был приговорён к полугора годам тюрьмы, а после выхода из тюрьмы был обязан французским судом возместить расходы по восстановлению колонны, сносом которой он руководил.

Художник покинул Францию и поселился в Швейцарии. На чужбине он и умер в декабре 1877 года. Нищим и забытым.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector