Пейзажная живопись. Jo March

Пейзажная живопись. Jo March

Вселенная творчества. Пейзажная живопись Часть 2

Японская пейзажная живопись

Мы рассказывали об особенностях китайской пейзажной живописи, разделили наше повествование о пейзажной живописи Востока на две части, рассказ о китайской и японской пейзажной живописи. Как может показаться с первого взгляда, довольно близкие направления, но имеют свой путь развития и особенности.

Традиции пейзажной живописи Востока уходят вглубь веков, мы с трепетом узнаем о школах, династиях, изучаем работы каждого исторического периода. Материалы, техники исполнения. Горные ландшафты, озера, реки, водопады, деревья. Деревушки, храмы, монастыри. Монохромный и цветной. Пейзажи, выполненные на рисовой или хлопковой бумаге, на шелке. Бесподобная японская гравюра, особенностям и процессу в работе над японской гравюрой мы обязательно посвятим одну из наших статей.

Суми-Э, Укиё-э, Эпоха Эдо, Мэйдзи, Нихонга, Ёга – эпохи, стили, развитие

Повествование было бы не полным, если бы мы не упомянули о творчестве Кацусика Хокусая (1760-1849) и его знаменитой гравюре «Большая волна в Канагаве» — 1832 г. Первое произведение из серии «Тридцать шесть видов Фудзи», одно из самых знаменитых и самых популярных произведений японского изобразительного искусства за пределами самой Японии. Отпечатки столь популярной гравюры делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться.


Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве»

Укиё-э (Ukiyo-e) — картины «бренного», изменчивого мира. Это особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Первоначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как «бренный и быстротекущий мир». В 17 веке оно уже стало обозначать современный суетный мир, мир любви и наслаждений. Слово «э» означает «картина, изображение». Поэтому название искусства «укиё-э» говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь периода Токугавы или Эпоха Эдо (1603-1868) Эдо — по древнему наименованию столицы Японии г. Токио.

Удивительные, тонкие, наполненные воздухом гравюры Tsuchiya Koitsu 1870-1949.


Работы Tsuchiya Koitsu

В 1868 году в Японии произошла буржуазная револю­ция, положившая начало новому периоду в жизни страны, известному под названием Мэйдзи (1868-1912). Социальные изменения, вызванные революционным переворотом, оказали большое влияние на формирование культуры и искусства. в связи с прекращением изоляции Японии, длившейся более двух с половиной столетий. В этот период времени происходит некоторые трансформации в сторону Западного искусства. Но после сравнительно короткого промежутка времени интерес к западному новаторству был утрачен, и художники возвращаются к традициям японского искусства, это плодотворный период мастеров техники – Нихонга. Пытливый творческий подход мастеров к симбиозу Западного и Восточного искусства отображен в картинах направления Ёга.

О направлении живописи Ёга интересная статья на нашем сайте:

О выдающихся художниках и направлении живописи Нихонга статьи на нашем сайте:


Работы Юкио Кондо

Суми-э (Суйбокуга) – техника живописи тушью, имеет глубочайшие исторические корни.

Техника живописи тушью, которую использовали китайские художники, творившие в эпоху танской династии (618 — 907), впервые была представлена японцам в VIII в. Прошло еще несколько столетий, прежде чем монохромная живопись мастеров Китая, живших при сунской (960 — 1279) и юаньской (1279 — 1368) династиях претерпела трансформацию в основное направление японского изобразительного искусства как такового.

Настоящий расцвет Суми-Э произошел в XIV веке в эпоху Муромати. Произведения искусства Суми-Э украшали стены дворцов знатни и военачальников. Самыми яркими представителями суми-э являются Дзёсецу, Тоё Сэссю и Кано Мотонобу. Именно монах Дзёсецу считается отцом стиля суми-э.


Работа Дзёсецу «Ловля сома с помощью тыквы — горлянки»

Пейзажи, выполненные в технике Суми-э наполнены воздухом, тончайшие переливы оттенков туши. Проникновенное созерцание картины от переднего плана к ускользающему, выходящему за грани картины заднему плану. В работе особое значение уделяется композиции, каждый персонаж пейзажа имеет свой облик. Монохромная живопись японского пейзажа завораживает, глубокие оттенки темной туши и многогранные оттенки более светлых тонов туши.

Кисти мастера подвластно все, уникальность техники Суми-э в изысканности владения кистью и множестве приемов. Кисть, бумага, тушь участвуют в создании картины и успех в творческом замысле зависит от каждой из этих трех составляющих. Бумага с памятью и без, тончайшая Васи или более плотная Джунминтан, хлопковая или рисовая. Точка, линия, пятно, работа всей поверхностью кисти или кончиком. Различные способы набора туши на кисть для изображения стеблей и листьев бамбука или тончайших прозрачных лепестков цветка. Работа сухой кистью позволяет отобразить великолепие коры дерева, движение струй водопада, фактуры деревянного строения.

Работа кисти по влажному или сухому листу, многослойная или легкая однослойная живопись. И совершенство работы выполненной мастером на бумаге с памятью, когда бумага обладает свойствами запоминать каждое движение кисти. Несомненно, в технике работы Суми-э очень важно владение кистью. Современные мастера японской живописи прибегают к некоторым техническим приемам, работая с резервами, к ним относятся растворы «Доса» и «волшебный порошок» Ванпо. С помощью этих резервов можно добиться мягкости туманов и передать изящные веточки заснеженных деревьев.

В следующем разделе мы расскажем о разнообразии творческого мира современных японских художников.

Читать еще:  Обычные вещи. Jason Sacran

И обязательно посвятим одну из статей искусству японской гравюры.

Приглашаем Вас к посвящению в эстетику японской живописи

Самые знаменитые картины с морским пейзажем

Морской пейзаж – особенный жанр живописи. Море — живое воплощение природы, источник вдохновения. Переменчивость состояния морской стихии создает сложность в изображении, но в то же время дает безграничную возможность для проявления фантазии и импровизации.

Ниже я подобрала несколько самых знаменитых картин с морским пейзажем в мировом искусстве.

И. Айвазовский. «Девятый вал». 1850 г.

Клод Моне. «Впечатление. Восход солнца». 1872 г. Эта картина, изображающая порт Гавр, дала начало импрессионизму.

Клод Лоррен. «Высадка царицы Савской». 1648.

Каспар Давид Фридрих. «Странник над морем тумана». 1818 г. Одна из знаковых картин эпохи романтизма.

Рембрандт. «Шторм на Галилейском море». 1633 г.

Клод Жозеф Верне. «Вход в палермский порт при лунном свете», 1769 г.

Хокусай. «Большая волна в Каганаве». 1823-31 гг.

Брейгель. «Падение Икара». 1558 г.

Аркадий Рылов. «В голубом просторе». 1918 г.

Клод Моне. «Скала Игла и Порт д’Аваль«. 1885 г.

Алексей Боголюбов. «Афонское сражение 19 июня 1807 года». 1853 г.

Уильям Тернер. «Последний рейс корабля «Отважный». 1739 г.

Валентин Серов. «Одиссей и Навсикая». 1910 г.

Уинслоу Хомер. «Лунный свет». 1875 г.

Николай Дубовской. «Притихло». 1890 г.

Архип Куинджи. «Берег моря со скалой». 1898-1908 гг.

Пейзаж в голландской живописи

Пейзажный жанр Голландии XVII века особенно интересен. Это не природа вообще, некая общая картина мироздания, а национальный, именно голландский пейзаж. который мы узнаем и в современной Голландии: знаменитые ветряные мельницы, пустынные дюны, каналы со скользящими по ним лодками летом и с конькобежцами — зимой. Воздух насыщен влагой. Серое небо занимает в композициях большое место.

Именно такой изображает Голландию

Ян ван Гойен (1596 — 1656)

Вид на сельскую дорогу с мельницей

Лодки у замка

Причал у замка

Мельница

Вид на гавань с лодками

У двух дубов

Зима

Зимний пейзаж

Катанье на льду на реке

Зимний пейзаж

Вид на Емерих

Якоб ван Рейсдал (1628/29 — 1682)

Расцвет пейзажной живописи в Голландии относится к середине XVII века. Крупнейшим мастером реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдал. Это был художник неистощимой фантазии. Его произведения обычно наполнены глубокого драматизма, изображает ли он лесные чащи («Лесное болото»), ландшафты с водопадами («Водопад») или романтический пейзаж(!Еврейское кладбище»).

Природа у Рейсдала всегда в движении, в вечном обновлении. Даже самые простые мотивы природы приобретают под кистью художника монументальный характер.

Еврейское кладбище

Пейзаж леса, реки с пастухом и овцами

Вид на Эгмонд-ан-Зее

Переправа через реку

Лесной пейзаж

Пейзаж с водопадом

Ян Порселлис (ок.1584 — 1632)

Ян Порселлис был прекрасным маринистом, писал только морские пейзажи.

Лодка и фрегат в штормовом море

Корабли в бурном море

Кораблекрушение

Военные и рыболовные корабли

Альберт Кейп

Широкое распространение в голландском пейзаже было соединение пейзажа с анималистическим жанром. Так, излюбленным приемом Альберта Кейпа было включение в пейзаж коров, лошадей, собак, домашних птиц.

Топ-5 таинственных пейзажей

Что означает совмещение дня и ночи на картинах Магритта? Почему нидерландский художник Иоахим Патинир соединил античные и библейские сюжеты? Зачем Каспар Давид Фридрих изобразил крест в горах? Отвечаем на эти и другие вопросы о пейзажах

1 Иоахим Патинир. «Пейзаж с Хароном, переправляющимся через реку Стикс» (1520–1524)

Жанр пейзажа рождается в эпоху Ренессанса — сначала как часть сюжетных композиций в основном на библейские темы. Первый нидерландский худож­ник, у которого пейзаж приобретает самостоятельное значение, — Иоахим Патинир. Его картина «Пейзаж с Хароном, переправляющимся через реку Стикс» уникальна не только поэтому: в ней соединяются античные мотивы (река Стикс, перевозчик душ Харон, вход в Аид, охраняемый трехглавым Цербером) и христианский сюжет — ад и рай (с ангелами, символическими животными и Фонтаном жизни).

Ладья Харона находится посреди реки и направляется к зрителю. Душа у ног огромной фигуры смотрит на «адскую» сторону: побережье с плодовыми деревьями там выглядит привлекательнее, чем скалы у входа в рай. Тем самым зрителю сообщают: путь в рай тернист, а путь греха соблазнителен. Но мораль­но-этическим поучением смысл картины не ограничи­вается. Обширная пано­рама (так называемый мировой пейзаж Термин применяется к немецкой и нидер­ландской живописи XVI века и обозначает панорамный воображаемый пейзаж, вклю­чающий в себя реки, горы, долины, леса и т. п. , написанный с высокой точки) со мно­жеством занимательных деталей, фантастических скал, вполне убеди­тель­ных животных, кошмарных мелких чудовищ в духе Босха, городом с церковью на заднем плане расширяет значение картины. Это образ огромного мира, включающего в себя и сказочное, и реальное.

2 Геркулес Сегерс. «Скалистый пейзаж с дорогой и рекой» (между 1615 и 1630 годом)

Голландский офортист и живописец Геркулес Сегерс похож на романтика, хотя родился за два с половиной столетия до появления романтизма. Коммерчески успешным художником Сегерс не был, но его изобретения и эксперименты в гра­вюре уже после его смерти оценили другие мастера — например, сам Рембрандт купил восемь работ Сегерса. Эксперименты Сегерса связаны с цвет­ной печатью, новыми техниками, напоминающими акватинту и резерваж Акватинта, резерваж — разновидности офорта. , использованием японской бумаги и ткани для отпечатков. В гравюре «Скали­стый пейзаж с дорогой и рекой» отсутствуют типичные для Голландии сюжеты (идущие пут­ники, всадники, крестьяне за сельскохозяйст­венными работами и др.), оживляющие ландшафт: здесь нет людей, а маленькие домики затеряны в неуют­ной суровой долине. Масштаб этого мира не понятный, человечес­кий, а космический. Резкое кадрирование Сегерс нередко менял композицию: напри­мер, в первом оттиске пейзаж был панорам­ным, затем художник мог обрезать гравюр­ную доску и сделать новый отпечаток, в ко­тором пейзаж укрупнялся, приближаясь к зрителю. необычно для голландского пейзажа этого времени, а фантастические горы и взгляд сверху встречаются у более ранних нидерландских мастеров (например, у Брейгеля). Структура гор кажет­ся пористой, а светотень — глубокой и мрачноватой. Смешанная техника и ра­бота пятном (а не отдельными штрихами) создает эффект, напоминающий скорее живопись, чем гравюру.

Читать еще:  Повествовательная фигурация. Pascal Marcel

3 Каспар Давид Фридрих. «Крест в горах» (1808)

Картина немецкого романтика Каспара Давида Фридриха кажется мистиче­ской: в отдалении от зри­теля — высокая гора, поросшая ельником; распятие, повернутое к условно изображенным лучам заходящего солнца. Полукруглое завершение напоминает об алтарных картинах; золоченая рама по рисунку самого Фридриха, выполненная Генрихом Кюном, содержит христианскую символику (колосья пшеницы и виноград отсылают к евхаристии, в треуголь­нике изображено Всевидящее око). Зритель может задаться вопросом: что изображено на картине — настоящая Голгофа с умирающим на кресте Христом или скульптурное распятие в горах?

Картину Фридрих писал в подарок королю Швеции Густаву IV Адольфу, однако в итоге она досталась графу Францу Антону фон Тун-Гоген­штейну. Невесте графа понравилась одна из работ Фридриха, и Тун-Гоген­штейн уговорил худож­­ника продать ему «Крест в горах». Фридрих согласился, поставив условие: пейзаж следует водрузить на пьедестал, задрапированный темной тканью Именно в таком виде картина была представлена на выставке в мастерской Фридриха в 1808 году до продажи. , и выставить в капелле замка фон Тун-Гогенштейнов Течен Современный Дечин в Чехии. рядом с алтарным образом. Однако заказчик обещания не сдержал: полотно повесили в супружеской спальне.

Соединение пейзажа с религиозной живописью было новаторским: до этого пейзаж относился к низшим жанрам. Немедленно разгорелась полемика в прессе: главным критиком выступил прусский дипломат и художественный критик Базилиус фон Рамдор, противник романтизма, написавший в журнале Zeitung für die elegante Welt, что пейзажная живопись «прокрадывается в цер­кви и пробирается на алтари». В ответ Фридрих объяснил смысл картины: изображенная скульптура символизирует Христа, отражающего свет Бога Отца, которого нет на земле (заходящее солнце). Скала с крестом означает христиан­скую веру, а вечнозеленые ели и плющ — надежду на вечную жизнь. Так впер­вые художник выразил свои религиозные чувства через пейзаж.

4 Фернан Кнопф. «Покинутый город» (1904)

На рисунках бельгийского художника-символиста Фернана Кнопфа по памяти и по фотографиям воспроизведен город его детства — Брюгге (там он провел первые пять лет своей жизни). В «Покинутом городе» домики на площади Вунсдахмаркт соседствуют с подступающей водой. Пустынный город оставлен людьми, с постамента исчезла статуя Ганса Мемлинга — знаменитого худож­ника XV века и местной гордости. Кнопф никогда не возвращался туда, не же­лая видеть изменения города (в начале XX века Брюгге начал превра­щаться в туристический центр). Он хотел запомнить старый Брюгге — тихий опус­тев­ший город, утративший былую славу крупного торгового центра (к XV веку ка­нал Звин занесло песком, и Брюгге потерял выход в Северное море). Этот образ города-призрака, в кото­ром остались лишь воспоминания о славном прошлом, позаимство­ван из пове­сти бельгийского писателя Жоржа Роденбаха «Мертвый Брюгге» (фронтиспис к этому произведению Кнопф иллюстрировал в 1892 го­ду).

В рисунке Кнопфа в город возвращается мо­ре — но не для то­го, чтобы вернуть туда жизнь: теперь это своего рода меланхолический мемориал, фантазия, странный и печальный сон.

5 Рене Магритт. «Империя света» (1950)

Пейзаж сюрреалиста не может не быть странным, и Магритт соединяет в «Им­перии света» дневное небо с открыточ­ными облаками и ночной пейзаж с фона­рем и безлюдной улицей. Этот коллажный принцип — общий для боль­шинства его парадоксальных работ, похожих на интеллек­туаль­ный ребус, с поэтичес­ки­ми названиями, не расшифровывающими смысл. Сам художник говорил, что в картине есть логика, раз на планете в разных полушариях одновременно день и ночь. Магритт вдохновлялся световыми эффек­тами викторианского живо­пис­ца Джона Аткинсона Гримшоу: некоторые из его работ изображали уеди­нен­ные дома или усадьбы с эффек­тами закатного освещения. Название карти­ны придумал бельгийский поэт, друг Магритта Поль Нуже, из чьей поэмы в прозе «Любитель рассвета» был взят образ противостояния ночи и дня Также темы совмещения двух времен суток можно встретить и у Льюиса Кэрролла, и у главы парижских сюрреалистов (с которыми общался Магритт) Андре Бретона. .

Читать еще:  Нейроэстетика: что для нашего мозга красиво, а что нет

Картины с этим сюжетом были настолько популярны у покупателей, что Магритт повторял его вновь и вновь: начиная с 1949 года как минимум 16 раз, и это считая только живопись маслом. Картина сильно повлияла на массовую культуру — от рекламы до фильма ужасов 1973 года «Изгоняющий дьявола».

Живопись среди волн — 1

Марина — это вид пейзажа, на котором изображено море.
Также маринами называют конкретные картины или гравюры морской тематики.
Слово «марина» (итал. marina) произошло от латинского marinus — морской.

Иван Айвазовский. Среди волн

Самая ранняя марина, дошедшая до наших дней, создана раньше 79 года н.э. — года извержения Везувия.
Тогда был разрушен древнеримский город Стабии. В одном из патрицианских домов обнаружена роспись,
изображающая морской порт.

Фреска «Морская гавань», найденная при раскопках Стабий.

Итальянцы и голландцы в XIV—XV века писали море не ради него самого,
а в рамках религиозных сюжетов.

Сцены из жизни Святого Николая. Деталь: Святой Николай, чудом наполняющий трюмы
кораблей зерном
Амброджо Лоренцетти
1330-е

«Португальский флот на фоне скалистого берега».

Эта картина размером считается самым ранним случаем, когда художник счел море достойным того,
чтобы изобразить его просто так, ради него самого, а не как фон для религиозного сюжета.
Попросту говоря, это первая марина. Ее датируют 1540-м годом. Морской музей (Лондон), где картина
хранится, не берется назвать имя художника. В разное время работу приписывали Корнелису Антонису
и Питеру Брейгелю.

Как отдельный жанр морской пейзаж сформировался в XVII веке в Голландии. В стране, населенной
мореплавателями и рыбаками, марины пользовались спросом. По сохранившимся картинам той эпохи
мы можем получить представление о кардинально разном подходе живописцев к изображению стихии.
В начале XVII века голландец Корнелис Хендрик Вром показывал морские сражения против испанцев.
Море оставалось «местом, где нечто происходит», просто теперь это нечто историческое, а не
мифологическое.

Хендрик Корнелис Вром
Флотилия в море
1614


Его соотечественник Ян Порселлиссделал решительный шаг: море стало основным объектом изображения.
Порселлис считается одним из основоположников морского направления в пейзажной живописи.

Море в пасмурный день
Ян Порселлис
1630

К кораблям Порселлис, похоже, относился с большим уважением и блестяще передавал их строение и
оснастку. Само море у него почти монохромное, очень мягко изображенное.
В изображении морской стихии голландцы (и фламандцы) были не чужды и символизма. Стихия могла
обозначать как жизненный простор, так и захлестнувшую волну чувств и т. д. Находилось место
воде и в религиозных сюжетах.

Святая Вальбурга и чудо спасения в шторм
Питер Пауль Рубенс
1611

К определению «марина» не стоит подходить слишком узко. К примеру,венецианская форма марины — не
совсем марина. Особенно в этом направлении отличились Каналетто и Гварди, хотя называть их
маринистами не совсем корректно — они писали Венецию и омывающее ее Адриатическое море (впрочем,
Гварди иногда все же обращался к большому морю).

Джованни Антонио Каналь (Каналетто)
Вид гавани Сан Марко
1745

Франческо Гварди
Бучентавр на траверсе Сан Никколо в Лидо

А Клод Лоррен с формальной точки зрения куда больше внимания уделял изображению портов и
мифологических сюжетов, нежели собственно морской стихии. При этом на него едва не молился
величайший маринист Тёрнер. Именно Лоррен внес в морские пейзажи сияющее солнце.

Отплытие царицы Савской
Клод Лоррен
1648

Максимально востребованы марины оказались в первую очередь не классицистами, а романтиками. И в
самом деле, что лучше изобразит бурю чувств, нежели морская буря? А поскольку в романтизме особо
ценили предельные состояния, то марина оказалась очень удобным в этом смысле жанром: идеальный
способ показать максимальный эмоциональный накал, поместив человека в разбушевавшуюся стихию.

Кораблекрушение Дон Жуана
Эжен Делакруа
1840

Крушение плота «Медузы»
Теодор Жерико
1819


В стилеромантизма, а позднее — реализма работал Айвазовский. Пожалуй, его имя первым вспоминается
при слове «марина». Айвазовской оставил порядка 6 тысяч морских пейзажей. Марины молодого художника,
впервые выехавшего за границу, очень высоко оценил уже признанный британский маринист Уильям Тёрнер.

Американские суда у скалы Гибралтара
Иван Константинович Айвазовский
1873

Кстати, о Тёрнере. Мало того, что он залил холст сияющим солнечным светом, соединив его в
невероятный коктейль с морем, мало того, что создал на своих картинах сияющие туманы, из
которых вышли импрессионисты — а значит, задал направление всему последующему развитию живописи…
Главное — Тёрнер провозгласил море самоцелью. Его интересовало только море, солнце над ним и
небо. Пейзаж — более не «среда, в которой», скорее это как раз люди — статисты, позволяющие
оттенить мощь и красоту стихии.

Восход солнца сквозь туман. Рыбаки чистят и продают рыбу
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер
1807

Штормовое море с дельфинами
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер
1830-е

Бурное море
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер
1840-е

В этом же направлении работает Эжен Буден, прозванный королем небес.



Пляж в Трувиле
Эжен Буден
1893

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector