Подводные картины. Patsy Mcarthur

Подводные картины. Patsy Mcarthur

Человек, опозоривший немецкий подводный флот. Командир Экк (5 фото)

Немецкая океанская подлодка(тип IX) U-852 , вышла в свой первый и единсвтенный поход из Киля 18 января 1944 года. Её командиром был капитан-лейтенант Хейнц-Вильгельм Экк. Ему было 28 и на флоте он служил уже 10 лет, но это был его первый выход в качестве командира лодки. Его заданием было достигнуть базы Пенанг и войти в состав группы «Монсун» для действий на Дальнем Востоке.
Привольные времена для немецких подлодок закончились — союзники уже норовились эффективно с ними бороться и каждый выход был крайне опасен. Поэтому Экк был осторожен.

После двухмесячного плавания, лодка достигла экватора, а вечером 13 марта в нескольких сот милях от Фритауна, в очередной раз всплыв на поверхность для подзарядки аккумуляторов, вахтенные заметили судно. Это был греческий пароход «Пелеус», зафрахтованный британцами. Экипаж состоял и 35 человек. Экк решил атаковать корабль и выйдя на линию огня, выпустил 2 торпеды. Пароход буквально разорвало на две части и в считанные минуты он затонул. На поверхности моря остались лишь пара плотов и небольшое количество обломков, за которые цеплялись около десятка выживших.

Спасшимся, с лодки крикнули, чтобы не отчаивались и их скоро спасут англичане. А лодка на полном ходу начала уходить подальше от места атаки. И тут у Экка возникла дилемма — ясно, что был большой шанс, что обломки и выживших моряков обнаружат и за лодкой начнётся охота. Как не уходи на всех парах — найдут. Так бежать или попробовать уничтожить обломки, чтобы никаких свидетельств атаки не было? Экк принял роковое решение — он приказал вернуться.

Вернувшись, он приказал расстреливать плоты и обломки. На суде будет отмечено, что приказа стрелять в людей не было, но какая разница? Без плотов они были обречены, да и пулемётные очереди в полутьме ложились повсюду. Однако сделанные из пробки плоты не спешили тонуть. Тогда в ход пошло зенитное орудие, а затем и гранаты. Более пяти! часов Экк и несколько человек на рубке расстреливали злосчастные плоты и людей, спасшихся на них. Так и не сумев добиться полного потопления плотов, лодка ушла прочь на полном ходу.

Несколько уцелевших моряков провели месяц на этих искалеченных плотах, пока их не спасли. К моменту спасению выжило лишь трое. Судьба U-852 оказалось печальной. Она потопила ещё одно судно, но 2 мая пришло время расплаты — лодку накрыли британские бомбардировщики «Веллингтон» и получив повреждения, в попытке спастись, лодка села на мель у восточного берега Сомали. Экипаж сдался после небольшой схватки с десантной группой с английского эсминца «Фелмут». Несколько моряков при этом погибло.

Суд над Экком и ещё четырьмя, кто вел огонь с рубки по обломкам «Пелеуса», начался 17 октября 1945 года в Гамбурге. Экк пытался доказать, что пытался потопить обломки только ради спасения своей лодки от возможного обнаружения противником. Остальные, участвовавшие в этом преступлении, утверждали, что просто выполняли приказ командира.
В промозглый, дождливый день 30 ноября 1945 года, Экк и ещё два офицера с лодки — Вейспфенниг и Хоффман были расстреляны по приговору суда за военное преступление. Инженер Ленц и старший матрос Швендер получили по 15 лет тюрьмы, но вышли по амнистии раньше.

Так закончилась ещё одна трагическая страница той страшной войны.

Самые знаменитые картины с морским пейзажем

Морской пейзаж – особенный жанр живописи. Море — живое воплощение природы, источник вдохновения. Переменчивость состояния морской стихии создает сложность в изображении, но в то же время дает безграничную возможность для проявления фантазии и импровизации.

Ниже я подобрала несколько самых знаменитых картин с морским пейзажем в мировом искусстве.

И. Айвазовский. «Девятый вал». 1850 г.

Клод Моне. «Впечатление. Восход солнца». 1872 г. Эта картина, изображающая порт Гавр, дала начало импрессионизму.

Клод Лоррен. «Высадка царицы Савской». 1648.

Каспар Давид Фридрих. «Странник над морем тумана». 1818 г. Одна из знаковых картин эпохи романтизма.

Рембрандт. «Шторм на Галилейском море». 1633 г.

Клод Жозеф Верне. «Вход в палермский порт при лунном свете», 1769 г.

Хокусай. «Большая волна в Каганаве». 1823-31 гг.

Брейгель. «Падение Икара». 1558 г.

Аркадий Рылов. «В голубом просторе». 1918 г.

Клод Моне. «Скала Игла и Порт д’Аваль«. 1885 г.

Алексей Боголюбов. «Афонское сражение 19 июня 1807 года». 1853 г.

Уильям Тернер. «Последний рейс корабля «Отважный». 1739 г.

Валентин Серов. «Одиссей и Навсикая». 1910 г.

Уинслоу Хомер. «Лунный свет». 1875 г.

Николай Дубовской. «Притихло». 1890 г.

Архип Куинджи. «Берег моря со скалой». 1898-1908 гг.

Пэм Картер: острова в океане

Пэм Картер (Pam Carter) – певец шотландских побережий и островов. Ее яркие, запоминающиеся пейзажи и особая экспрессивная манера живописи известны и любимы во всем мире.

Будущая художница родилась и провела детство в Танзании, под палящим солнцем Африки. По возвращении семьи в Шотландию, уже ощутив свое призвание, она поступила в престижную школу искусств в Глазго, где акцент делался на техники портрета и натюрморта. Лишь на летних пленэрах Пэм могла ощутить магию пейзажа. Но сюжеты, колористика и манера все-таки определялись обучением, поэтому поиск своего стиля начался уже после выпуска. Пэм – не «перспективный» студент и не мастер завязывать полезные контакты – понимала, что ей предстоит испытание одиночеством и материальными сложностями. Но у нее была свобода и простор для размышлений и экспериментов.

Читать еще:  Португальский художник. Hugo Castilho

Несколько лет Пэм занималась живописью и преподавала рисование в школе, пока однажды, буквально в результате случайной беседы не задумалась о религиозном поиске и миссионерской работе. Так судьба привела ее на Сейшелы, где волонтером она развивала местное прикладное искусство и дизайн, но главное – климат и яркое солнце воскресили в памяти образы из детства, помогли окончательно сформировать неповторимый стиль живописи.

Она вспоминает: «Туман и серость Глазго испарились, вместо них пришли цвета и контрасты. Погода позволяла бесконечно писать с натуры пляжи и хижины, бирюзовые воды и пальмовые рощи. Оттенки стали насыщеннее, формы крупнее, тени глубже, картины пронизаны светом».

Эта яркая взрывная палитра и теперь характерна для работ Пэм. Как на Сейшелах она работала под взглядами любопытных деревенских детишек, так теперь во время выставок демонстрирует процесс масляной живописи более искушенной публике.

Пэм – «зеленый» художник: остатки масляных красок не выбрасываются, а превращаются в густой серо-лиловый грунт, который ложится в основу новых холстов. До начала работы она заранее смешивает краски, готовя палитру из 30-40 оттенков, и пишет быстро и интуитивно, без набросков, намечая композицию крупными мазками. Часто именно они диктуют настроение будущей картины, хотя на этом раннем этапе конечный результат непредсказуем даже для автора.

Когда краска просохнет, Пэм вооружается тонкой колонковой кистью и прорисовывает берлинской лазурью изначально задуманные силуэты. Ей нравится использовать линии, и зачастую элементы этого рисунка видны в готовой картине. Самая экспрессивная – четвертая часть, когда в дело вступают цвета и светотень. На пятой стадии – вновь прорисовка деталей, а шестой этап пишется алла прима, без высыхания предыдущих слоев. И вот финальные штрихи: белый гребень волны, рыжая каминная труба, линия облаков.

Иногда в студии Пэм соседствуют несколько холстов разных стадий готовности. И хотя сейчас художница предпочитает не работать на пленэре, созданию каждой картины предшествуют долгие медитативные прогулки в одиночестве, дающие прочувствовать пейзаж, ощутить ритм волн, запомнить смену освещения и погоды. Живопись Пэм – не попытка фотографического воспроизведения, а скорее стремление уловить ракурс и сущность пейзажа, чтобы у зрителя создалось впечатление случайно пойманного прекрасного вида или дорогого сердцу воспоминания.

Много лет назад друг-скульптор пригласил Пэм на Гебридские острова. Именно виды этих пустынных берегов, которые она с тех пор не устает писать, принесли художнице заслуженную известность. Она также любит побережье Шотландии и Шотландские острова с их высокими утесами, бурным прибоем и далекими маяками. В работах Пэм почти никогда нет людей, но есть следы их присутствия: лодки, белье на веревках, телеграфные столбы, знаковые архитектурные формы. Старинные маленькие фермы, пастушьи хижины и каменные изгороди, разбросанные по пустынной местности и противостоящие всем ветрам, ощущаются художницей как наследие Шотландии, живо повествующее о былом и настоящем.

Не так давно Пэм Картер победила серьезную болезнь, и теперь ее живопись звучит еще громче – гимном гармонии и красоте мира.

Как простой рыбак смог заглянуть под воду и прославился своими картинами на весь мир

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Начало прекрасного

Будучи еще ребенком Марко очень часто наблюдал, как его мама Мария рисует. Как объясняет сама женщина, делала она это для удовольствия, и только спустя несколько лет применила свой талант на деле и стала дизайнером по ювелирным украшениям. В доме Суссино всегда царила атмосфера творчества. Поэтому мальчик рос с карандашом в руке. Первые рисунки он сделал в детском садике, а когда пошел в школу, начал рисовать маслом. Своему таланту реалистично изображать увиденный мир Марко также обязан школьной учительнице рисования. Она вдохновила его не бояться выражать свои мысли на холсте и объяснила, как по настоящему стать молодым художником. В четвертом классе Сусинно продал первую картину, на которой был изображен красивый дом. Получив первые деньги за свое творчество он еще больше вдохновился на написание новых картин. За время своего обучения в средней школе Марко Суссино продал еще несколько своих первых произведений.

Каждый год мальчик участвовал в больших выставках от школы и благодаря своему усердию и таланту заработал четырехлетнюю стипендию для обучения в престижном институте Пратта в Бруклине, Нью-Йорк. В 1979 году Суссино получил степень бакалавра в Институте Пратта и был отмечен многими наградами за превосходное обучение.

Казалось бы, с таким талантом и образованием можно сразу ринуться “ бой”. Но так сложилась жизнь, что еще три года “новоиспеченный” художник не брал в руки карандаш и краски. Чтобы на что-то жить юноше пришлось переехать обратно в свой родной штат Мэриленд и устроиться на строительную фирму, на которой он занимался производством пуленепробиваемых дверей. Каждый день он с утра отправлялся на работу и приходил домой только вечером. Весь день Марко пребывал “в четырех стенах” не видя красоты окружающего мира, и его муза “спала”.

Пробуждение и признание

Пробуждение талантливого художника случилось благодаря родному брату Байрону, который был заядлым рыбаком. Марко тоже любил это дело, но из-за нехватки времени редко бывал на природе. В 1984 году Байрон пригласил его на рыбалку и попросил нарисовать коричневую форель. Это дело так увлекло Марко, что он вновь взял в руки кисточки. В течение следующих двух лет он написал еще несколько картин, в основном с использованием акрила.

Читать еще:  Особенности художественной росписи коллекционных фигур

Сусинно начал участвовать в художественных конкурсах, спонсируемых государством, и выиграл 6 из них за 3 года. В 1986 году он выиграл соревнование по марке форели в Мэриленде, а в 1988 и 1989 годах — соревнование по марке форели в Индиане. Он выиграл в 1989 году конкурсы марок штата Кентукки и штата Делавэр, а его картина украсила бренд спортивного рыболовства Чесапикского залива 1989 года.

С тех пор он специализируется на рисовании подводных изображений пресноводных и морских рыб, а также на сценах ловли нахлыстом. Попутно Сусинно добавил еще 20 промысловых марок в свой список , в том числе марку форели / лосося в штате Пенсильвания 1991 года и техасскую марку пресной рыбы в штате Техас 2005 года.

Его работы были представлены на национальном уровне в различных журналах, включая Art of Angling Journal, Спортивный журнал Грея, Sporting Classics, Field & Stream, Sports Afield, Fishing World, Fly Fisherman и многие другие. Произведения Сусинно также были опубликованы в следующих книгах: «Продвинутые методы ловли рыбы нахлыстом» и «Ультимативное руководство по ловле рыбы нахлыстом» Левши Креха, «Пошаговая живопись Патрика Сеслара», «Ода басу и форели» Алана Дж. Робинсона ,» и много других.

Как художник создает свои шедевры

Марко Сусинно признается, что он никогда бы не нарисовал “живую” рыбу, если бы сам не был рыбаком: «Я рыбак, и этот факт влияет на то, как я подхожу к созданию картин, изображая на них рыбу . Мне нравится отображать ощущение света и пространства в мелководной среде, но я также чувствую необходимость представить рыбу так, чтобы она была узнаваемой для обычного рыбака, который наиболее хорошо знаком с тем, как рыба выглядит, когда она вне воды».

Обычно художник пишет картины в своем доме. Окна его мастерской выходят на лес и она всегда наполнена солнечным светом. Несмотря на загруженность Сусинно всегда находит время посидеть на берегу ручья и половить рыбу. Ведь все идеи для холста он берет из своего личного опыта.

Обычно на создание картины у художника уходит от 2 до 7 и более дней. Чаще всего Сусинно работает сразу с несколькими картинами.

Семья рыбаков

Удивительно, но Марко Сусинно женился на женщине, которая также как он обожает рыбную ловлю нахлыстом. Именно с ней художник объездил много водоемов, в которых счастливая пара словила ни одну форель. У Марко есть свой катер и цифровая камера для фотоохоты. Когда супруги заняты ловлей рыбы, время для них останавливается: они могут часами сидеть на берегу реки или ручья.

Однажды, отдыхая на легендарных водах Оук-Орчард-Крик в северной части штата Нью-Йорк, в которой водится озерная коричневая форель, Роксана и Сусинно поймали красивую коричневую форель около 4 килограмм. Это была настоящая “золотая рыбка” для художника, так как именно такую он искал для будущей картины. Используя цифровую камеру он сфотографировал рыбу в свободном плаванье в воде. Она была прекрасна и буквально просилась на холст. Впоследствии картина с коричневой форелью стала “лицом” одного бренда по производству продуктов из этой рыбы.

Сегодня Марко Сусинно проживает в Гаррисберге, штат Пенсильвания и его невероятно натуралистические картины подводных рыб продолжают радовать людей, в особенности “рыбаков” — ведь их писал рыбак.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Топ-5 таинственных пейзажей

Что означает совмещение дня и ночи на картинах Магритта? Почему нидерландский художник Иоахим Патинир соединил античные и библейские сюжеты? Зачем Каспар Давид Фридрих изобразил крест в горах? Отвечаем на эти и другие вопросы о пейзажах

1 Иоахим Патинир. «Пейзаж с Хароном, переправляющимся через реку Стикс» (1520–1524)

Жанр пейзажа рождается в эпоху Ренессанса — сначала как часть сюжетных композиций в основном на библейские темы. Первый нидерландский худож­ник, у которого пейзаж приобретает самостоятельное значение, — Иоахим Патинир. Его картина «Пейзаж с Хароном, переправляющимся через реку Стикс» уникальна не только поэтому: в ней соединяются античные мотивы (река Стикс, перевозчик душ Харон, вход в Аид, охраняемый трехглавым Цербером) и христианский сюжет — ад и рай (с ангелами, символическими животными и Фонтаном жизни).

Ладья Харона находится посреди реки и направляется к зрителю. Душа у ног огромной фигуры смотрит на «адскую» сторону: побережье с плодовыми деревьями там выглядит привлекательнее, чем скалы у входа в рай. Тем самым зрителю сообщают: путь в рай тернист, а путь греха соблазнителен. Но мораль­но-этическим поучением смысл картины не ограничи­вается. Обширная пано­рама (так называемый мировой пейзаж Термин применяется к немецкой и нидер­ландской живописи XVI века и обозначает панорамный воображаемый пейзаж, вклю­чающий в себя реки, горы, долины, леса и т. п. , написанный с высокой точки) со мно­жеством занимательных деталей, фантастических скал, вполне убеди­тель­ных животных, кошмарных мелких чудовищ в духе Босха, городом с церковью на заднем плане расширяет значение картины. Это образ огромного мира, включающего в себя и сказочное, и реальное.

2 Геркулес Сегерс. «Скалистый пейзаж с дорогой и рекой» (между 1615 и 1630 годом)

Голландский офортист и живописец Геркулес Сегерс похож на романтика, хотя родился за два с половиной столетия до появления романтизма. Коммерчески успешным художником Сегерс не был, но его изобретения и эксперименты в гра­вюре уже после его смерти оценили другие мастера — например, сам Рембрандт купил восемь работ Сегерса. Эксперименты Сегерса связаны с цвет­ной печатью, новыми техниками, напоминающими акватинту и резерваж Акватинта, резерваж — разновидности офорта. , использованием японской бумаги и ткани для отпечатков. В гравюре «Скали­стый пейзаж с дорогой и рекой» отсутствуют типичные для Голландии сюжеты (идущие пут­ники, всадники, крестьяне за сельскохозяйст­венными работами и др.), оживляющие ландшафт: здесь нет людей, а маленькие домики затеряны в неуют­ной суровой долине. Масштаб этого мира не понятный, человечес­кий, а космический. Резкое кадрирование Сегерс нередко менял композицию: напри­мер, в первом оттиске пейзаж был панорам­ным, затем художник мог обрезать гравюр­ную доску и сделать новый отпечаток, в ко­тором пейзаж укрупнялся, приближаясь к зрителю. необычно для голландского пейзажа этого времени, а фантастические горы и взгляд сверху встречаются у более ранних нидерландских мастеров (например, у Брейгеля). Структура гор кажет­ся пористой, а светотень — глубокой и мрачноватой. Смешанная техника и ра­бота пятном (а не отдельными штрихами) создает эффект, напоминающий скорее живопись, чем гравюру.

Читать еще:  Портреты акрилом. Tina Welz

3 Каспар Давид Фридрих. «Крест в горах» (1808)

Картина немецкого романтика Каспара Давида Фридриха кажется мистиче­ской: в отдалении от зри­теля — высокая гора, поросшая ельником; распятие, повернутое к условно изображенным лучам заходящего солнца. Полукруглое завершение напоминает об алтарных картинах; золоченая рама по рисунку самого Фридриха, выполненная Генрихом Кюном, содержит христианскую символику (колосья пшеницы и виноград отсылают к евхаристии, в треуголь­нике изображено Всевидящее око). Зритель может задаться вопросом: что изображено на картине — настоящая Голгофа с умирающим на кресте Христом или скульптурное распятие в горах?

Картину Фридрих писал в подарок королю Швеции Густаву IV Адольфу, однако в итоге она досталась графу Францу Антону фон Тун-Гоген­штейну. Невесте графа понравилась одна из работ Фридриха, и Тун-Гоген­штейн уговорил худож­­ника продать ему «Крест в горах». Фридрих согласился, поставив условие: пейзаж следует водрузить на пьедестал, задрапированный темной тканью Именно в таком виде картина была представлена на выставке в мастерской Фридриха в 1808 году до продажи. , и выставить в капелле замка фон Тун-Гогенштейнов Течен Современный Дечин в Чехии. рядом с алтарным образом. Однако заказчик обещания не сдержал: полотно повесили в супружеской спальне.

Соединение пейзажа с религиозной живописью было новаторским: до этого пейзаж относился к низшим жанрам. Немедленно разгорелась полемика в прессе: главным критиком выступил прусский дипломат и художественный критик Базилиус фон Рамдор, противник романтизма, написавший в журнале Zeitung für die elegante Welt, что пейзажная живопись «прокрадывается в цер­кви и пробирается на алтари». В ответ Фридрих объяснил смысл картины: изображенная скульптура символизирует Христа, отражающего свет Бога Отца, которого нет на земле (заходящее солнце). Скала с крестом означает христиан­скую веру, а вечнозеленые ели и плющ — надежду на вечную жизнь. Так впер­вые художник выразил свои религиозные чувства через пейзаж.

4 Фернан Кнопф. «Покинутый город» (1904)

На рисунках бельгийского художника-символиста Фернана Кнопфа по памяти и по фотографиям воспроизведен город его детства — Брюгге (там он провел первые пять лет своей жизни). В «Покинутом городе» домики на площади Вунсдахмаркт соседствуют с подступающей водой. Пустынный город оставлен людьми, с постамента исчезла статуя Ганса Мемлинга — знаменитого худож­ника XV века и местной гордости. Кнопф никогда не возвращался туда, не же­лая видеть изменения города (в начале XX века Брюгге начал превра­щаться в туристический центр). Он хотел запомнить старый Брюгге — тихий опус­тев­ший город, утративший былую славу крупного торгового центра (к XV веку ка­нал Звин занесло песком, и Брюгге потерял выход в Северное море). Этот образ города-призрака, в кото­ром остались лишь воспоминания о славном прошлом, позаимство­ван из пове­сти бельгийского писателя Жоржа Роденбаха «Мертвый Брюгге» (фронтиспис к этому произведению Кнопф иллюстрировал в 1892 го­ду).

В рисунке Кнопфа в город возвращается мо­ре — но не для то­го, чтобы вернуть туда жизнь: теперь это своего рода меланхолический мемориал, фантазия, странный и печальный сон.

5 Рене Магритт. «Империя света» (1950)

Пейзаж сюрреалиста не может не быть странным, и Магритт соединяет в «Им­перии света» дневное небо с открыточ­ными облаками и ночной пейзаж с фона­рем и безлюдной улицей. Этот коллажный принцип — общий для боль­шинства его парадоксальных работ, похожих на интеллек­туаль­ный ребус, с поэтичес­ки­ми названиями, не расшифровывающими смысл. Сам художник говорил, что в картине есть логика, раз на планете в разных полушариях одновременно день и ночь. Магритт вдохновлялся световыми эффек­тами викторианского живо­пис­ца Джона Аткинсона Гримшоу: некоторые из его работ изображали уеди­нен­ные дома или усадьбы с эффек­тами закатного освещения. Название карти­ны придумал бельгийский поэт, друг Магритта Поль Нуже, из чьей поэмы в прозе «Любитель рассвета» был взят образ противостояния ночи и дня Также темы совмещения двух времен суток можно встретить и у Льюиса Кэрролла, и у главы парижских сюрреалистов (с которыми общался Магритт) Андре Бретона. .

Картины с этим сюжетом были настолько популярны у покупателей, что Магритт повторял его вновь и вновь: начиная с 1949 года как минимум 16 раз, и это считая только живопись маслом. Картина сильно повлияла на массовую культуру — от рекламы до фильма ужасов 1973 года «Изгоняющий дьявола».

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector