Польская художница. Paulina Wilk

Польская художница. Paulina Wilk

Паулина Оловска — Paulina Olowska

Паулина Оловска (1976 г.р.) — польская художница, которая живет и работает в городе Рабка-Здруй , Польша. Она известна своими картинами, скульптурами, перформансами и коллажами, большинство из которых вдохновлены воспоминаниями и ностальгией. Училась в Школе Художественного института Чикаго (1996), Академии изящных искусств в Гданьске (2000) и Rijksakademie в Амстердаме.

Содержание

ранняя жизнь и образование

Оловска родилась в 1976 году в Гданьске, Польша. Отец Оловски был спичрайтером движения «Солидарность» и его лидера Леха Валенсы . Позже он переехал в США в качестве политического беженца. Остальная часть его семьи присоединилась к нему к 1985 году.

Перед отъездом Паулины в США одноклассник посоветовал ей посетить американский ресторан, в котором есть игровые площадки и подают маленьких цыплят для детей. Ресторан оказался McDonald’s, и Оловска представила, как маркетинг может вызывать определенные чувства на основе эстетического выбора, сделанного компаниями, например, блестящие цвета McDonald’s, маркетинг Rainbow Brite, Jem и Cabbage Patch Kids, и «пушистые верхушки гамбургеров». Всего через год в Соединенных Штатах родители Оловской развелись. Впоследствии она вернулась в Польшу, где в начале 1990-х гг. достигла подросткового возраста на фоне всплеска подпольной культуры. художественная школа, сначала в Школе Художественного института Чикаго, а затем в Академии изящных искусств в Гданьске.

Оловска работает с различными медиа, включая живопись, скульптуру и коллаж. Часто ее работы включают в себя поп-арт , граффити и советскую пропаганду . Например, ее скульптурные работы относятся к виллам в стиле кантри 1930-х годов, которые напоминают дома с привидениями. Кроме того, некоторые из ее крупных картин относятся к женской моде 1980-х годов, а также к загородной обстановке ее дома и студии в Польше. «Иногда я описываю то, что я делаю, как работу с остатками или пыльной эстетикой. Они не должны быть пыльными, потому что они старые, но они вроде как не совсем в центре. Так что второстепенные виды эстетики, и я попробуйте пересмотреть их на платформе искусства ».

Ее работы выставлялись на 50-й Венецианской биеннале (2003 г.), выставке Stedelijk Museum 2004 г., Time and Again , 9-й Стамбульской биеннале (2005 г.) и 5-й Берлинской биеннале (2008 г.). В 2010 году у нее была персональная выставка в Глазго- Трамвай, а в 2011 году — в Нью-Йоркском музее современного искусства . В 2013 году она вместе с Миком Ла Роком создала фон для своей выставки Au Bonheur des Dames в Stedelijk. Оловска поставила живую постановку оперы Станислава Игнация Виткевича (Виткаций) «Мать» в галерее современного реалиста Тейт в 2015 году. Ее последние работы, « Глициния», «Мистерия», «Истерия» , совпадают с постановкой на «Кухне» в январе 2016 года. в котором она будет расписывать декорации и создавать костюмы для «формы балета» в сотрудничестве с композитором Сергеем Черепниным и хореографом Кэти Пайл , художественным руководителем Ballez .

В Оловске также проходит летний фестиваль «Микориальный театр». Фестиваль включает в себя художественные инсталляции и перформансы, чтения карт Таро, лекции о ферментации и экскурсии, посвященные традиционному польскому времяпрепровождению — охоте за грибами.

Польская художница. Paulina Wilk

Успехи наших земляков за пределами республики радуют нас часто. Но путь Паулины Копэстыньска, известной на Западе художницы из Якутии, пожалуй, особенный.

Открыть собственную школу в самом сердце Европы, получить признание коллег и почитателей искусства нескольких стран дано, пожалуй, немногим. Паулина около 10 лет ведет частные уроки в городе Комо, что недалеко от Милана, она член Ассоциации акварелистов Италии, входит в состав Союза польских акварелистов, участник многих международных престижных выставок.

За плечами серьезная подготовка: с 10 лет училась в Московской художественной школе при Третьяковской галерее, затем окончила Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова.

В Якутске Паулина по приглашению Арктического института искусств и культуры, ведет для студентов-художников мастер-классы. Как человек неординарный и талантливый не ограничивается одной задачей. В следующем году планирует провести в европейских городах выставку о Сибири. Этот визит отличная возможность для сбора материала. Ну о сверхзадачах приезда мы поговорили прямо во время занятия, точнее двух – Паулина вела мастер-классы одновременно в двух аудиториях.

— Якутск я увидела в прошлом году после 15-летнего расставания. Была крайне удивлена развитию его – насколько он стал похож на современный, динамичный город: стало много культурых объектов, высотных зданий, автомобилей разных. Огромное количество афиш – ярких, профессионально выполненных – жизнь бьёт ключом. Восхитила молодежь, их старательно подобранный стиль одежды. И тогда познакомилась с коллегами – Туйаарой Шапошниковой, Марианной Лукиной, Евдокией Романовой. Председатель Союза художников Якутии Юрий Спиридонов вручил звание почетного члена Союза. Это для меня было очень волнительно, и вместе с тем я почувствовала огромную ответственность, вяжущуюся с сентиментальной, трепетной любовь к своей малой родине…

Читать еще:  Пастели на тему балета. Kay Boyce

-Акварельная живопись. При чем мне ближе итальянская школа. Акварель имеет богатую историю в Англии, английской акварельной школе более 200 лет. Отличие его в академичности – сначала прорисовывается карандашом эскиз, потом слоями наносятся краски. Другой подход у итальянской школы, контуры прорисовываются кистью, отталкиваясь от них создается объем, нет лессировки. Несмотря на строгий подход к цветовой палитре, мне итальянская школа акварели представляется более свободной…

Думаю, в демократическом подходе, позитивизме. Я не разделяю людей по возрасту, полу и так далее. В начале общения всегда стараюсь стать понятной человеку, не важничать, раскрепостить его с помощью юмора, смеха. А раскрыть человека с помощью искусства я всегда смогу. Во время занятий чувствую себя гуру, и руковожу в своем королевстве словно композитор, веду коллектив к вершине как полководец и как мама помогаю развиваться.

И потом само занятие живописью наполнено созидательной силой. Это все равно, что благословлять то, что видим, чем дышим, восхвалять мир своей живописью. Я всегда говорю своим ученикам: если вам кажется, что вы упустили что-то важное в жизни, потеряли где-то время, то всегда можете попросить у него сатисфакции с помощью живописи, берите кисти и краски и вперед на пленер. А на свежем воздухе вы у самой природы научитесь быть чуткими, гармоничными, влюбитесь в окружающий мир вновь. Художник ведь должен быть внимательным, улавливая каждый шорох, каждое движение, передавая тона и полутона, блики… Постепенно эта наблюдательность начинает помогать в жизни.

— Насколько сегодня востребовано изобразительное искусство как профессиональное занятие?

Время идет, и жизнь меняется. Живопись в академическом понимании сейчас ценят лишь искушенные, она требует концентрации, умственной деятельности и самого ценного — времени. У большинства сейчас нет возможности уединяться, чтобы разглядывать миниатюры в попытках понять и насладиться произведением искусства. Темп жизни, растет, поток информации увеличивается. Память обнуляется чаще. Отсюда большие форматы, плакатность, условность, яркость, броскость – в ход идет все, что может привлечь зрителя или вернее покупателя – всем правят капитал, деньги.

-Вас не смущает такой подход?

Нет. Это течение жизни. Поначалу я противилась, но это дело бесполезное, мы не в силах остановить естественный ход жизни. И более того я бы хотела показать тенденции современного изобразительного искусства своим якутским коллегам, показать, как используются смешанные техники, создаются эффекты с использованием разных материалов – соли, кухонной фольги, химических веществ. И сделать это, чтобы показать миру веер возможностей якутских художников, если хотите, быть в тренде. А сохранить внутри истинное, думаю, настоящий художник сумеет. Возможно, это моя миссия – продвигать якутское искусство в мире. К примеру, начать с коллективных выставок в Европе.

-А как вам наша молодежь, студенты, с которыми вы сейчас работаете?

Замечательны. В них нет зажима, они открыты всему новому, мыслят по-современному, евразийский менталитет поможет им найти свое место в любом городе. Рада общению с молодыми коллегами еще и потому, что в процессе вспоминаю что-то давно забытое и казавшееся утраченным. Рассказываю студентам о той или иной технике, показываю и вспоминаю. Импонирует работоспособность студентов, если в первый день мы только знакомились, обсуждали план работы и делали перерывы, то во второй день, когда я у них спросила, прерываемся ли на отдых, все хором отказались. Эта работоспособность, возможно, и позволила выбрать непростую профессию художника. В Комо я вела международные курсы в Политехническом институте, учила рисовать углем различные образцы на большом формате. Так вот когда речь заходила о живописи, я слышала: давайте что-нибудь проще, доступнее. Академическая школа для них – это испуг: слишком долго, трудоемко. Здесь же у нас за две недели работы даже выходных не предвидится, мы хотим 20 числа устроить выставку в Арктическом институте искусств и культуры.

Польская художница. Paulina Wilk

Фелицита Паулюка (Felicita Pauļuka, 1925–2014) является одной из выдающихся латышских художниц, работавших в жанре портрета и обнажённой натуры. В юности она пережила Вторую мировую войну и самые мрачные годы советской оккупации. В 1940 году пятнадцатилетняя Фелицита Янке (Felicita Jānke) поступила в Латвийскую Академию художеств (ЛАХ). Это был весьма нетипичный случай в практике академии – принимать абитуриента без диплома о школьном образовании, но приёмную комиссию поразили блестящие способности юной девушки к рисованию. Тем не менее, учёбу на четыре года пришлось прервать. В 1943 году Фелицита вышла замуж за живописца Яниса Паулюка (Jānis Pauļuks, 1906–1984). В 1944 она возобновила обучение в академии, одновременно подрабатывая иллюстратором и карикатуристом в газете «Циня» («Cīņa» / «Борьба»). В 1949 году с отличием окончила мастерскую станковой живописи Гедерта Элиаса (Ģederts Eliass) Латвийской Академии художеств.

Читать еще:  Основные секреты цифровой фотографии, которые вы должны знать

В 50-е и 60-е годы ХХ века те художники, кого учреждения власти считали перспективными, имели возможность отправляться в творческие командировки не только по Латвии, но и по всему большому Советскому Союзу, и Фелицита Паулюка воспользовалась таким предложением. В результате этих поездок были созданы циклы рисунков углём и сангиной («Латышские рыбаки», «Грузинские крестьяне», «Донбасские шахтёры», «Рыбаки с острова Сааремаа» и т. д.), в которых отразилось и высокое умение художницы виртуозно владеть упомянутыми техниками, и понимание их особенностей, и мастерство в раскрытии природы характера портретируемых.

Начиная с 60-х годов Фелицита Паулюка последовательно обращается к пастели, на всю жизнь сохранив убеждённость в том, что именно эта техника «требует работать кровью сердца. Лишь умея использовать специфические приёмы выразительности пастели, можно найти новые ценности». С течением времени менялся почерк художницы: порой он мог быть лаконичным и суровым, в иной раз нежным и ласкающим, иногда увлечённым и страстным, а когда-то даже прохладным и отстранённым. «Работа начинается с выбора модели. Я очень субъективна. (..) ведь пиетет себе нельзя навязать – он либо есть, либо его нет. Концентрируясь на сути модели, невозможно впасть в однообразие. Каждая модель ставит новую задачу, определяет построение композиции, тональное решение, изменения в применении материала. Душевное состояние модели влияет на выбор яркой или сдержанной гармонии», – рассказывала Фелицита Паулюка.

В начале 1960-х годов художница задумала серию портретов деятелей культуры Латвии, которую продолжила и в последующие годы. Внешний облик, характер и индивидуальные особенности популярных художников, писателей и актёров она интерпретировала объективно и узнаваемо, но всегда со своей точки зрения.

Разнообразны и выразительны работы Фелициты Паулюки в жанре обнажённой натуры, которые занимают ведущее место в творчестве мастера. «Человеческое тело способно передать не только внешнюю, но и более глубокую сущность, точно так же, как и лицо. И у ладоней рук, и у стопок ног есть своя жизненная история. Поэтому для меня акт – это расширенный портрет, в который я включаю всё тело и тем самым запечатлеваю суть человека», – поясняла художница. В этом чрезвычайно интимном и деликатном жанре свойственное автору ощущение жизни и её утончённая техника проявились во всей полноте. Постепенно в коллекции работ Фелициты Паулюки образовались целые циклы с изображением одной модели, но в каждой картине непременно присутствовали новые открытия и тонко подмеченные нюансы характера или настроения.

На выставке в основном представлены произведения из собрания Латвийского Национального художественного музея – портреты известных деятелей культуры, акты, а также рисунки углём и сангиной.

О ВЫСТАВОЧНОМ ЦИКЛЕ «ПОКОЛЕНИЕ»

Каждое поколение принадлежит какой-то определённой эпохе. В новом цикле выставок «Поколение» Латвийского Национального художественного музея (ЛНХМ) внимание сфокусировано на искусстве второй половины ХХ века. Программа цикла, которая в период с 2016 по 2020 год будет реализовываться в выставочном зале 4 этажа главного здания ЛНХМ, включает в себя отдельные экспозиции, посвящённые таким выдающимся личностям в искусстве Латвии как Дайна Риньке (Daina Riņķe), Хенрий Клебах (Henrijs Klēbahs), Ливия Эндзелина (Līvija Endzelīna), Гунар Цилитис (Gunārs Cīlītis), Рита Валнере (Rita Valnere), Александр Станкевич (Aleksandrs Stankēvičs), Русиньш Розите (Rūsiņš Rozīte) и Гунар Кроллис (Gunārs Krollis).

Это поколение художников, родившихся в эпоху независимой Латвии, в 20–30 годы ХХ века, и переживших драматические этапы истории. После периода свободной Латвии при авторитарном режиме Карлиса Улманиса (Kārlis Ulmanis) последовала одна оккупация, затем другая, потом война, снова оккупация и утверждение метода социалистического реализма в искусстве. Но именно этому поколению в эру тоталитаризма принадлежали молодость, сила и энергия. С одной стороны – коммунистическая идеология, с другой – художественная богема, пропитанная идеалистическими надеждами.

В порыве юношеского энтузиазма многие хотели создавать «новое» или даже «свободное искусство». В 1956 году в приподнятом настроении хрущёвской оттепели состоялся III Конгресс Союза художников Латвии. На нём о себе уверенно заявили молодые художники, указавшие на необходимость основания отдельной Секции молодых художников и проведения выставок непосредственно молодых авторов. Первая выставка работ молодых художников была организована в 1956 году, и в дальнейшем подобные смотры проходили ежегодно, становясь важным событием художественной жизни Латвии. Молодые художники той поры являлись активными участниками этих выставок.

Выставочный цикл «Поколение», посвящённый молодым 50-х–60-х годов ХХ века, начинается с выставки работ Фелициты Паулюки.

Читать еще:  Приглашение погрузиться в глубины собственной души. Ivan Tzonev

КУРАТОР ВЫСТАВКИ:

Валда Кнавиня (Valda Knāviņa), хранитель коллекции графики отдела АРСЕНАЛ

(2-я пол. XX века – XХI век) / Латвийский Национальный художественный музей

КУРАТОР ВЫСТАВОЧНОГО ЦИКЛА «ПОКОЛЕНИЕ»:

Dr. art. Элита Ансоне (Elita Ansone), руководитель отдела коллекций и научных исследований АРСЕНАЛ (2-я пол. XX века – XХI век) /

Латвийский Национальный художественный музей

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector