Портретная живопись. Alexandra Puleo

Портретная живопись. Alexandra Puleo

Портретная живопись

Портрет – один из основных жанров в изобразительном искусстве, показывающий внешность одного конкретного человека, а иногда и группы людей. Главная задача художника-портретиста – добиться не только максимального внешнего сходства портрета с оригиналом, но и точная передача индивидуальных черт характера, и создание образа, типичного для той или иной эпохи.

История портрета насчитывает несколько тысячелетий, а зародился он как жанр живописи в античном искусстве. При раскопках на острове Крит было найдено много фресок с живописными женскими изображениями. Самое известное из них было условно названо учёными «Парижанка».

Другие древние находки, имеющие непосредственное отношение к портретной живописи, относятся уже к Египту с первого по четвёртый века нашей эры. Это – деревянные доски или холсты с выполненными на них портретами, которые в те времена помещались в гробницу усопшего вместе с его мумией. Эти изображения выполнены в технике, которая называется энкаустика, то есть, красками, сделанными на основе воска.

В эпоху Средневековья практически все живописные изображения были привязаны к религиозным сюжетам, а портрет существовал лишь как профильное изображение дарителей (донаторов), которые были только частью общей композиции.

Настоящий расцвет портретной живописи начался в эпоху Ренессанса. Художники Возрождения проповедовали гуманистические идеалы, главной их моделью становится человек, а пейзажи и интерьер – только фон для каждой отдельной личности. Величайший шедевр того времени известен каждому – это «Джоконда» Леонардо да Винчи.

Неоценимым надо назвать и тот вклад, что внесли в развитие портретной живописи Тициан, написавший целую галерею портретов своих современников, нидерландец Ян ванн Эйк, немец Альбрехт Дюрер, чьи автопортреты – пример для многих художников.

Валентин Коротков — Думы (фрагмент). 2005. Галерея «Колизей Арт»

Ранее, желающему получить свой портрет было необходимо провести некоторое время перед художником, в ожидании, пока тот не сделает грубый набросок будущей картины и более качественный набросок лица модели. Сегодняшние технологие позволили живописцам рисовать портрет с фотографии, сколь угодно долго изучая игру света и тени, улавливая самые незаметные эмоции лица, совмещая объекты из разных снимков, добавляя толику своего воображения.

Портретная живопись

Портрет – один из основных жанров в изобразительном искусстве, показывающий внешность одного конкретного человека, а иногда и группы людей. Главная задача художника-портретиста – добиться не только максимального внешнего сходства портрета с оригиналом, но и точная передача индивидуальных черт характера, и создание образа, типичного для той или иной эпохи.

История портрета насчитывает несколько тысячелетий, а зародился он как жанр живописи в античном искусстве. При раскопках на острове Крит было найдено много фресок с живописными женскими изображениями. Самое известное из них было условно названо учёными «Парижанка».

Другие древние находки, имеющие непосредственное отношение к портретной живописи, относятся уже к Египту с первого по четвёртый века нашей эры. Это – деревянные доски или холсты с выполненными на них портретами, которые в те времена помещались в гробницу усопшего вместе с его мумией. Эти изображения выполнены в технике, которая называется энкаустика, то есть, красками, сделанными на основе воска.

В эпоху Средневековья практически все живописные изображения были привязаны к религиозным сюжетам, а портрет существовал лишь как профильное изображение дарителей (донаторов), которые были только частью общей композиции.

Настоящий расцвет портретной живописи начался в эпоху Ренессанса. Художники Возрождения проповедовали гуманистические идеалы, главной их моделью становится человек, а пейзажи и интерьер – только фон для каждой отдельной личности. Величайший шедевр того времени известен каждому – это «Джоконда» Леонардо да Винчи.

Неоценимым надо назвать и тот вклад, что внесли в развитие портретной живописи Тициан, написавший целую галерею портретов своих современников, нидерландец Ян ванн Эйк, немец Альбрехт Дюрер, чьи автопортреты – пример для многих художников.

Валентин Коротков — Думы (фрагмент). 2005. Галерея «Колизей Арт»

Ранее, желающему получить свой портрет было необходимо провести некоторое время перед художником, в ожидании, пока тот не сделает грубый набросок будущей картины и более качественный набросок лица модели. Сегодняшние технологие позволили живописцам рисовать портрет с фотографии, сколь угодно долго изучая игру света и тени, улавливая самые незаметные эмоции лица, совмещая объекты из разных снимков, добавляя толику своего воображения.

Романтические женские портреты московского художника, который объединил французский арт-модерн и русский реализм

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Тема женщины в живописи – вечная животрепещущая тема. Женское начало и чувственность, нежность и трепетность, воспетые мастерами разных эпох, не оставляют равнодушными и нынешних. Подтверждением этому служат огромное множество виртуальных галерей, авторских сайтов, блогов, размещенных во всемирной сети.

Ода женщине в красках

И среди всех творческих изысканий очень существенно выделяются работы москвича Владимира Мухина. Его потрясающие женские портреты в стиле французского модерна и русского реализма, восхищают и самобытностью, и оригинальностью, и одухотворенностью. Глядя на галерею его произведений убеждаемся лишний раз в том, что ничто не может зацепить зрителя в живописи так сильно, как личные чувства самого художника, пережитые и испытанные к своим образам.

Читать еще:  Необычный Пинап. Xray Way

Анализируя творчество художника, многие искусствоведы считают, что самобытность, отраженная и в стиле, и в манере Владимира – уникальна и совершенно нова для современного русского искусства. Поэтому Мухина часто называют ярким представителем и продолжателем арт-модерна, несмотря на то, что он весьма часто задействует в своем творчестве элементы реализма.

Хочется подчеркнуть, что мастер овладев техникой сочетания этих двух, казалось бы, несочетаемых направлений в живописи, а именно французского модерна и основных традиций академического русского изобразительного искусства, нашел свое авторское лицо, неподражаемую манеру и художественный стиль в написании портретов девушек и женщин, жанровых сцен в интерьерах и на лоне природы.

Яркие динамичные творения московского художника восхищают зрителя с первого мгновения неординарной техникой, колоритом, изысканностью линий, светотеневым и композиционным решением, позитивной энергетикой, тонким лиризмом и театральностью.

К тому же живописная техника художника богата на фактурную основу и красочность палитры, а портретные образы лишены характерного для многих мастеров однообразия и «заезженности» сюжетов. Все свежо, ново и самобытно, а также построено на контрастах как цветовых, так и композиционных. К слову, контрастны в творчестве мастера и сами женские образы – кроткие и самоуверенные, нежные и чувственные… И все они в равной степени интересны зрителю.

Что любопытно пишет Владимир Мухин свои работы на полотнах большого размера, некоторые из них иногда доходят размерами до двух метров. Можно себе только представить, как в реальности впечатляет зрителя фактурная текстура и яркий колорит на его масштабных холстах… Сложно вообразимое зрелище, это нужно видеть только воочию.

«Искусство – это нечто неуловимое, вне времени и вне пространства. Искусство дарит возможность ощущать себя человеком Мира…. В процессе создания работы я вбираю в себя цвета, звуки, запахи, а затем фиксирую эти ощущения в красках, c помощью мазков кисти передаю красоту, теплоту и нежность и в то же время реальность своих переживаний. Это и есть Искусство. В этом и заключается смысл творчества», – так рассуждает о своей деятельности Владимир Мухин, достигший своим творчеством мирового признания, давая интервью журналистам.

Несколько слов о художнике

Владимир Мухин (1971 г.р.) родился в Казахстане. Художественному мастерству учился в Пензенском училище им. К.А. Савицкого, а позже во Всероссийской Академии живописи, ваяния и зодчества им. И.С. Глазунова. Именно в этом вузе молодой художник получил основу, ставшую крепким фундаментом его творчества, и получил глубокие знание графики и тонкое чувство колорита, которые позволили ему в будущем так профессионально совместить реализм с модерном.

Персональную выставочную деятельность Мухин начинал в 2000-х в ЦДХ, что на Крымском Валу в Москве. У мастера, обладающего огромными творческими способностями и неиссякаемыми идеями, творческая карьера складывалась весьма успешно. В те годы он становится постоянным участником всевозможных отечественных и международных форумов и выставок. За два десятилетия он получил членство во многих российских и международных творческих организациях, в том числе в Союзе художников России, Международном художественном фонде, Международной Ассоциации изобразительных Искусств в ЮНЕСКО. Также Владимира Мухина удостоили звания академика Международной Академии изобразительных искусств в США. И это уже не говоря о многочисленных наградах, дипломах и премиях.

В последнее время Мухин плодотворно сотрудничает с некоторыми ведущими галереями Америки, регулярно проводя там свои персональные выставки. Но живёт художник и творит свои картины по-прежнему в своей московской мастерской.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 1. Портретная живопись от возникновения до Раннего Ренессанса.

Портретная живопись — очень обширная тема, портретный жанр в исторической ретроспективе является самым ранним, самым значимым проявлением в искусстве. Уже ранние наскальные рисунки первобытного человека, представляющие собой обведенные теневые силуэты профиля, можно считать портретами эпохи. А уж «фаюмские портреты», погребальные портреты, созданные в I-III веках в Египте и продолжающие видоизмененную под греко-римским влиянием местную традицию посмертных масок на мумии, поражают воображение своей выразительностью и реалистичностью.

Ранние фаюмские портреты выполнены в технике энкаустики (восковая живопись расплавленными красками) с обильным использованием сусального золота на древесной основе. Позже стали использовать загрунтованное полотно и темперную технику, с применение яичного желтка или животного клея.

По этим погребальным маскам (а их обнаружено в разных местах более 900) мы можем судить о том, как выглядели люди той эпохи, какой была мода, что они носили, какие у них были прически и украшения.
Следующим этапом в развитии портретной живописи было раннее средневековье, когда художник был скован строгими религиозными правилами и надуманными церковными канонами. Живопись как таковая была ограничена религиозными сюжетами и изображениями всевозможных святых. Средневековое искусство не знало портрета в современном значении этого понятия, художники не преследовали цели создать живое сходство с образом оригинала. Материальный мир с его индивидуальными формами не обладал важностью и оставался всего лишь отражением, тенью мира духовного, поэтому художественную форму можно определить как «символический портрет» в иконографии и скульптуре.

Зарождение настоящего портретного жанра в живописи происходит в период поздней готики благодаря духовному пробуждению Европы, достигая своего расцвета в эпоху, именуемую Северным Ренессансом (об этом периоде поговорим отдельно позже).
Постепенно художники начали придавать святым черты лица реально существовавших людей, иногда используя даже автопортреты.

Читать еще:  Попытка устранить чувство абсурда. Steven Doffman

Этот период и стиль в живописи принято называть «Проторенессансом» (дученто и треченто — 1200-1300 годы), возникшим в Италии, представителями которого были такие художники, как Томазо да Модена, Симоне Мартини, Тадео ди Бартотло, но самым известным его представителем считается Джотто ди Бондоне (1266- 1337).

Джотто можно назвать основателем итальянской школы живописи, сумевшим преодолеть иконописный стиль, использовать трехмерное пространство, светотень и иллюзию глубины. Основоположник современного искусствознания и художник Джо́рджо Ваза́ри (1511 — 1574) писал о Джотто: «И поистине чудом величайшим было то, что век тот, и грубый, и неумелый, возымел силу проявить себя через Джотто столь мудро, что рисунок, о котором люди того времени имели немного или вовсе никакого понятия, благодаря ему полностью вернулся к жизни.»

«Интерес Джотто к сложным пространственным и оптическим эффектам изменил историю живописи больше, чем какие-либо живописные приобретения его современников.»
Можно сказать, что он был провозвестником взлета итальянской живописи вообще и портретной в частности, выразившегося уже в эпоху Раннего Возрождения (Кватроченто: 1420-1500). В этот период создавали свои шедевры Гирландайо, Гоццоли, Козимо Роселли , Мантенья, Бальдовинетти, Филиппино Липпи, Перуджино, Пьеро делла Франческа и Мазаччо. Реалистический портрет, родившийся в эпоху Ренессанса, обязан своим появлением зарождению гуманистической философии, признанию ценности внутреннего мира отдельного человека и распространению станковой живописи. Портрет очень быстро завоевывает популярность в придворной среде, где становится средством прославления государей и приближенных ко двору, великих людей страны или города.

В этот период часто можно видеть проникновение портрета в монументальную живопись на религиозную тему в качестве «скрытого» портрета, где в образе святых и библейских персонажей, изображались разные известные люди, так например, в «донаторских» портретах можно видеть лица донаторов (донатор -заказчик произведений изобразительного искусства или архитектурного сооружения), которые хотели быть запечатленными на память о своих благодеяниях, изображались они обычно коленопреклоненными и молящимися, чаще — строго в профиль.

Обычно портретные изображения располагались по краям картины или фрески, и их прототипами были выдающиеся современники, родственники правителей или сами художники, как на этом портрете Мазаччо.

Постепенно в «ренессансный»метод внедряется портретирование с натуры, и благодаря схожести с оригиналом все сильнее проявляется индивидуальность образа в произведении на религиозную тему. Савонарола (итальянский монах и реформатор 1494—1498 годов) в одной проповеди упрекал художников, за то, что они в храмах изображают святых с лицами реальных людей, а молодые люди, видя тех на улицах, говорят: «эта — Магдалина, тот — Сан Джованни, вон та — Дева Мария».

Иногда, как например, в росписи Беноццо Гоццоли в капелле волхвов в Палаццо Медичи, можно увидеть мастерство в натуралистичной передаче лица, так как каждая голова на этой фреске соответствует кому-либо из членов семьи Медичи.

Еще одним важным новшеством в станковой портретной живописи стало появление пейзажного или интерьерного фона, в отличие от более ранних портретов на одноцветном, обычно черном, фоне. Этот прием особенно ярко проявился в период Высокого Возрождения, но впервые использовался именно в Раннем.

Наряду с появлением живописного фона меняется и положение фигуры или лица — привычное профильное изображение все чаще уступает место полуобороту и полному фронтальному положению, со взглядом, устремленным вдаль или на смотрящего.

Период Раннего Возрождения имеет решающее значения для развития портретной живописи, хотя и считается, что портреты эпохи Высокого Возрождения являются более важным этапом в развитии европейского портретного искусства. «Позже портретный образ будет богаче, сложнее и тоньше, иметь больше остроты и драматизма, но в нём будет не доставать радостного и сильного чувства первого открытия ценности человеческой личности, выражение в ней безмятежной гармонии индивидуального начала и типических черт». ( Гращенков В. Н.). Портрет в итальянской живописи Раннего Возрождения.)

Становление русской живописи: портрет XVIII века

Как Левицкий, Рокотов и Боровиковский создавали новое искусство

Посетитель Русского музея, переходящий из экспозиции иконописи в зал Петра I, испытывает ощущения, похожие на те, что в фильме «Матрица» пережил Нео, принявший из рук Морфеуса красную таблетку. Только что нас окружали одухотворенные образы, яркие цвета и гармонические линии, которые лишь отдаленно напоминали видимое вокруг, но своей нетелесной красо­той представляли в нашем мире закон и порядок, установленные при сотво­рении Вселенной. Добро пожаловать в реальность — переступая порог, мы нисходим в посюсторонний мир темных красок и нарочитой телесности, вылепленных светом рельефных лиц, как будто отслаивающихся от черных фонов. Мы пришли смотреть, но сами оказались под перекрестным огнем взглядов: почти все экспонаты здесь — портреты. С этого времени и на весь наступающий век портрет станет синонимом русской живописи.

История русского портрета XVIII века — это картина визуального самосознания нации, развернутый во времени процесс обретения русским человеком «лица». В Петровскую эпоху происходит привыкание к облику индивида, встроен­ного в социальную иерархию. От сословного стандарта, зафиксированного в доволь­но ограниченном репертуаре поз и выражений лица, портрет идет к выстраи­ванию более тонких отношений между внешностью и внутренним миром персонажа. С приходом сентиментализма именно жизнь души стано­вится ценностью, признаком личности, гармонически сочетающей природу и циви­лизацию. Наконец, романтизм и эпоха 1812 года позволят — наверное, впервые в русском искусстве — родиться образу внутренне свободного чело­века.

Читать еще:  Особенности подросткового возраста. Linda Post

Говоря о портрете, нужно напомнить несколько вещей. Прежде всего, в сослов­ном обществе он — привилегия, маркер и одновременно гарант статуса модели. В подавляющем большинстве случаев героями портретов становились пред­ста­вители высших общественных слоев. Портрет, в котором соблюдены и согла­­сованы необходимые условности изображения (поза, костюм, антураж и атри­буты), автоматически удостоверит высокий социальный статус своего персо­нажа. Портрет отражает и транслирует стандарты социального поведения. Он словно говорит: «Перед тобой благородный человек. Будь подобен ему!» Так, дворянский портрет в течение столетий представляет не только вельможу-деятеля, но и человека, которому присуща изящная непринужденность, то есть свойство, которое издавна служило телесным выражением благородства и вос­пи­тания, а следовательно, принадлежности к элите.

Портретная живопись — своего рода промышленность. Сам характер портрет­ного рынка предполагает высокую степень унификации. Портреты достаточно четко делятся на торжественные (парадные) и более камерные (приватные). Они, в свою очередь, предполагают определенный набор форматов, поз и атри­бутов, а также соответствующий прейскурант, который учитывает, сам ли художник исполнял портрет от начала до конца или поручал менее ответ­ственные участки работы подмастерьям.

С первых своих шагов в Древнем мире портрет играл роль магическую: он буквально замещал изображаемого и продлевал его бытие после смерти. Память об этих архаических функциях сопутствовала портрету и тогда, когда он стал одним из жанров живописи и скульптуры Нового времени. Она пере­давалась, в частности, литературными произведениями, которые описывали воображаемую коммуникацию с портретом: поэтические «собеседования» с ним, истории о влюбленности в портреты, а в эпоху романтизма — страшные рассказы об оживающих изображениях. В них обязательно говорится, что пор­трет «как живой», он «дышит», ему не хватает только дара речи и т. п. Как пра­вило, описываемые поэтами картины были плодом их воображения. Однако сама традиция, сохраняемая словесностью в течение столетий, задавала способ восприятия портрета и напоминала о том, что он принадлежит не только миру искусства, но напрямую связан с проблемой человеческого существования.

Классическая теория искусства невысоко ценит портрет. Соответствующее место этот жанр занимает и в академической иерархии. В конце XVIII века, например, считалось, что «в портретном… роде всегда делается только одна фигура, и по большей части в одинаковом положении… Не можно сей род… сравнять с историческим…». В эту пору портретная живопись, связанная с подражанием несовершенной натуре, не должна была стать престижным заня­тием. Между тем в России сложилась иная ситуация: востребованный общест­вом портрет стал одним из наиболее верных путей художника к успеху. Начи­ная с Луи Каравака, Ивана Никитина или Георга Гроота создание портре­тов было одной из главных задач придворных живописцев. Но художник первой половины — середины XVIII века все еще многостаночник: шереметев­ский крепостной Иван Аргунов выполнял разнообразные прихоти хозяина и завер­шил свой путь домоправителем, оставив живопись; Андрей Матвеев и Иван Вишняков надзирали за зодчими и декораторами Канцелярии от строе­ний; сходные обязанности были у Алексея Антропова в Синоде. Однако за одну лишь копию собственного коронационного портрета Петра III, заказанную Сенатом, художник получил 400 рублей — всего на треть меньше своего годового синодского жалованья.

Алексей Антропов. Портрет Петра III. 1762 год Государственная Третьяковская галерея

С основанием Академии художеств в 1757 году ситуация стала меняться. Прежде русский портретист, подобно ренессансному подмастерью, учился ремеслу в мастерской практикующего художника или брал уроки у заезжей знаменитости. Сорокалетний Антропов совершенствовался под руководством Пьетро Ротари — переселившегося в Россию живописца с европейской репута­цией. Аргунов учился у Гроота, и по повелению императрицы сам наставлял живописи «спавших с голоса» певчих, среди которых был будущий историче­ский живописец Антон Лосенко. Теперь же в основу образования художника был положен проверенный поколениями целостный метод. Портретный класс в Академии был основан в 1767 году.

Несмотря на, каза­лось бы, невысокий ста­тус жанра, из девяти окончивших Академию учеников первого приема пятеро выпустились как портретисты, и лишь двое специали­зировались на историче­ской живописи. Портреты занимали важное место на академиче­ских выставках и позволяли художнику сделать полноценную карьеру — стать «назначенным» (то есть членом-корреспондентом) или даже академиком. Боровиковский полу­чил первое звание в 1794 году за изображение Екате­ри­ны II на прогулке в Цар­скосельском парке, а через год — второе, за портрет великого князя Констан­тина Павловича. Портрет человека творческой профес­сии сам по себе мог символически повы­шать его статус. Левицкий изобразил архитектора Кокори­нова в 1769 году по стандарту портрета государственного дея­теля: ректор Академии художеств при шпаге и в роскошном костюме стои­мо­стью в его годовое жало­ванье исполненным благородства жестом указывает на секретер с академиче­ской казной, печать Академии и ее план. Через четыре года художник буква­льно воспроизведет эту схему в портрете вице-канцлера князя Голицына.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector