Портретная живопись. Michael Gillespie

Портретная живопись. Michael Gillespie

vanatik05

vanatik05 (Nataly)

«Живопись наружно так проста,
что уму нельзя не обмануться,
но к интимной пластике холста
можно только чувством прикоснуться.»

И.Губерман.

Родившись во Франции, импрессионизм быстро распространился за пределы страны и стал международным явлением, покоряя одну за другой страны Европы и перешагнув через океан. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха», легший в основу пленэрной живописи импрессионистов, нашел свое отражение и в творчестве некоторых немецких художников, оппозиционно настроенных по отношению к застывшим нормам официального академического искусства.

«Для немецких импрессионистов неизменно важную роль играет композиция картины, живопись решает формальные задачи, она по сравнению с французской оказывается более индивидуалистичной, плоской и куда более темной.» (Ютта Хюльзевиг-Йонен)
Немецкая живопись более пространственна и конструктивна, немецкие художники изображают объекты, людей, пространство, а не идущий от них переливающийся свет, они вовсе и не стремились повторить французские образцы они сделали определенные выводы из французского опыта, но их живопись вовсе не является «недотянутым» импрессионизмом, сравнивать их картины со знаменитыми французскими образцами не стоит: немецкий импрессионизм – самостоятельное, отдельное явление. Коротко можно сформулировать отличие немецкого импрессионизма от французского так: французская традиция — это традиция видимости, немецкая – осязаемости, немецкий импрессионизм гораздо более экспрессионистичен, больше тяготеет к сюжету, творчество немецких импрессионистов говорило столько же уму и сердцу, сколько и глазу.
Хронологически немецкий импрессионизм возник на два десятилетия позже французского, в нем чувствовалось влияние голландской школы и немецкого художника-реалиста Вильгельма Лейбла, которого можно считать предтечей немецкого импрессионизма.

Немецкие импрессионисты ориентировались скорее на его технику alla prima («в один присест» — разновидность техники масляной живописи, также используется и в акварели, позволяющая выполнить картину за один сеанс). Лейбль смешивал краску прямо на холсте, его мазки были свежими и энергичными. Лейбль был сторонником наполнения картины «говорящими» деталями, которые повествовали о трудной судьбе простого народа.

Вильгельм Лейбль (Wilhelm Maria Hubertus Leibl, 1844 — 1890), был пятым ребенком из шести в семье кёльнского капельмейстера. Он рано покинул школу, свое художественное образование получил в Академии художеств Мюнхена, дружил с Гюставом Курбе, во время короткого путешествия в Париж в 1870 году познакомился с живописью Эдуарда Мане, которая безусловно оказала влияние на его манеру письма, в чем вы сами можете убедиться на примере двух этих картин.

Родоначальником немецкого импрессионизма считается
Макс Либерман (Max Liebermann, 1847 – 1935), родившийся в Берлине в ортодоксальной семье богатого еврейского текстильного промышленника.

В семье было еще пятеро детей, воспитывавшихся в строгости, поэтому его родители не были в восторге от увлечения сына рисованием, и хотя оплачивали его частные уроки живописи, не разрешили упоминать имя Либерманов при первой публикации его работ (тогда ему было 13 лет). После окончания средней школы он начал изучать химию, но вместо лекций ездил в Тиргартен на этюды

и, в конце концов, был отчислен из университета за «отсутствие прилежания», что вызвало конфликт с отцом, но после долгих споров он разрешил ему учиться живописи в Саксонской школе искусств Веймара, где на него произвела большое впечатление живопись Рембрандта. Брат Георг финансирует его поездку в Нидерланды, где он пишет много пейзажей. Его первая большая реалистическая картина, написанная вскоре после возвращения, была выставлена в Гамбурге и ясно отражала влияние «голландцев».

Не найдя отклика в сердцах немцев, Макс уезжает в Париж и открывает студию на Монмартре, лето проводит в Барбизоне возле леса Фонтенбло, увлекается импрессионистами, потом опять едет в Нидерланды¸ изучает творчество Франса Хальса, едет в Венецию, ищет свой собственный стиль, начинает использовать эффект света уже в импрессионистической манере.

Летом 1880 года Либерман отправился в Брабант в село Донген, и там, наконец, он начинает писать в импрессионистическом духе, фильтруя свет, что позже получило название «солнечные пятна Либермана». Через два года несколько его картин были выставлены в парижском салоне, и французская пресса приветствовала появление нового художника-импрессиониста.

Вернувшись в 1884 году в Берлин, Макс Либерман присоединился к берлинской ассоциации художников, участвовал в выставке Академии художеств, позже в парижском Салоне и в первой презентации неофициальной немецкой живописи на французской земле в рамках Всемирной выставки.

В 1892 году в Берлине одиннадцать независимых художников создали Ассоциацию ХI, ставшей основой для последующего движения Сецессиона (secessio — «разделение»), оппозиционного по отношению к консервативной школе живописи Академии, реакционность которой только усугублялась под влиянием Вильгельма II.

В середине 90-х годов Либерман впервые обратился к портретной живописи и рисованию движущихся тел в открытом свете. Он сопровождает директора Национальной галереи в его поездках в Париж, консультируя его в выборе картин французских импрессионистов, подружился с Дега, а при поездке в Лондон знакомится с американским художником Джеймсом Уистлером, творчество которого оказало на него некоторое влияние.

К концу века консервативная Берлинская Академия начала постепенно открываться для новых веяний, и это нашло отражение в присуждении Либерману Большой золотой медали и звания профессора.
«Палитра Либермана становится светлой и радостной в передаче красок солнечного летнего дня. Световая моделировка сменяется цветовой. Наблюдаемые на натуре рефлексы обретают динамику, отражая неуловимое и изменчивое взаимодействие света и цвета».

После начала Первой мировой войны он посвятил себя художественной пропаганде войны и создавал рисунки для еженедельных художественных листовок. На время художник-еврей перестал чувствовать себя аутсайдером, после речи кайзера «К моим дорогим евреям» Либерман посчитал себя обязанным оказывать содействие в войне. Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».

Прусская Академия художеств устроила большую (около 200 картин) ретроспективу работ художника по случаю его 70-летия, в 1918 году в Национальной галерее открылся зал Макса Либермана, а в 1920 году он стал президентом Берлинской Академии художеств, Берлин присвоил ему звание почетного жителя города.

В мае 1933 года, в день сожжения книг, Либерман сложил с себя все свои полномочия и объяснил прессе:
«В течение моей долгой жизни всеми силами я пытался служить немецкому искусству. По моему убеждению, искусство не имеет ничего общего ни с политикой, ни с происхождением, поэтому я более не могу относиться к прусской Академии художеств, поскольку моя точка зрения больше не имеет значения».
В 1934 году, после тяжелой болезни появился его последний автопортрет.

Одному из своих друзей Либерман признался:
«Я живу исключительно из ненависти. Я больше не смотрю в окно этой комнаты, я не хочу видеть новый мир вокруг меня».
Либерман умер 8 февраля 1935 года в своём доме на Парижской площади, не дожив, к своему счастью, до «окончательного решения еврейского вопроса». Похороны великого художника одновременно явились символическим прощанием с целой эпохой, представителем которой он являлся.
Предлагаю вашему вниманию слайдшоу (в котором гораздо больше репродукций), в сопровождении музыки известного немецкого композитора и дирижера, дружившего с Максом Либерманом, Рихарда Штрауса.

Читать еще:  Натюрморт с улыбкой. Jenny Muncaster, Наивное искусство

rmonakhov

Рубен Монахов

записки художника

Joan Gillespie.

И опять среда. И снова художник, который понравился мне, и, хотелось бы верить, понравится вам.
Героиня моего сегодняшнего обзора, шотландский художник Джоан Гиллеспи.

Биографические данные:
Джоан Гиллеспи получила образование в Колледже искусств Дункана Джорданстоуна в Данди, где училась с 1972 по 1975 г. в мастерской Альберто Марроко, а затем в Эдинбургском колледже искусств под руководством сэра Робина Филипсона в 1975–76 г.г.
Следующие семь лет она работала графическим дизайнером и дизайнером выставок в Королевском музее Шотландии (сейчас Национальный музей Шотландии). После чего решила полностью посвятить себя живописи.

Вот, что писшет о художнике Scotland on Sunday:
«За последнее столетие многие Шотландские художники попадали под влияние Шотландских колористов. По большей части, адаптируя это наследие, они утратили свою индивидуальность и демонстрируют пресный псевдоколоризм, который по-прежнему доминирует на ежегодных коллективных выставках. В случае с Джоан Гиллеспи дело обстоит иначе. В её работах существует нечто более фундаментальное, более неукротимое, чем у её шотландских наставников или их сверхосторожных подражателей. Когда она переносит свет Средиземноморья на Эдинбургскую улицу или заснеженную тропинку Пертшира, она как-то более непосредственна и менее застенчива, чем когда-либо был Каделл.

Джоан оглядывается дальше за колористов, вдохновляясь французской живописью, а точнее фовистами. .
. Ее картины — это праздник жизни и чувственные удовольствия. Ее обнаженные источают тонкий эротизм. Ее цветы сияют невообразимым цветом. Ее улицы пульсируют светом. Она превращает энергию вокруг себя в образы изысканной красоты, а повседневность — в жизнеутверждающее веру в возможность бессмертия».

Ян Гейл, художественный критик
Scotland on Sunday

Мнение обозревателя, т.е. моё:
Люблю я жизнерадостную живопись. Очень люблю. Всяких ужасов мрачных вокруг и так хватает с избытком, а живопись — она же, всё-таки, душу греть должна. Вот живопись Джоан Гиллеспи — греет! По полной программе греет! Ярко, свежо, весело, и, что немаловажно, достоверно. Кстати, немного напомнила Олега Фронтинского.

В бистро.
картон, м., 51х36 см.

[увеличить изображение]
Персонального сайта художника мне найти не удалось — видимо, нет его.
Вот пара галерей, в которых представлены работы Джоан Гиллеспи:
Annan Gallery
The Richard Hagen Gallery

Надеюсь, вы не поленитесь дать мне знать, понравился ли вам этот автор.
В голосовалке нет пункта с нейтральным ответом. Причина этому в том, что, мне хочется знать, понравился ли вам художник. Соответственно, если вы
подумываете о нейтральном мнении, то ответ на вопрос должен быть «Не нравится! Не понимаю, что он в нем нашел. «. Или, скажем проще: если
художник понравился — отвечаем «Да! Мне тоже нравится!», во всех остальных случаях — отвечаем «Не нравится! Не понимаю, что он в нем нашел. »

Как изображали Марию Магдалину величайшие художники: Тициан, Джентилески, Иванов и др

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

«Магдалина с дымящей свечой» Жоржа де Латура (1638-1640)

Жорж де Латур — французский художник эпохи барокко, который написал этот шедевр в 1640 году. Сцена, изображенная в «Магдалине с дымящей свечой», происходил в темной и простой комнате. На картине де Латура Мария Магдалина сидит перед столом и целиком погружена в свои мысли. Ее правая рука лежит на черепе, ноги обнажены, а белая рубашка приоткрыла обнаженные плечи героини. Тело Марии Магдалины окутывает таинственная тьма, а лицо освещает только свеча. Лампа не только создает атмосферу движения, но также является элементом, намекающим на хрупкость человеческой жизни.

Благодаря этому источнику света можно увидеть книги и атрибуты, характеризующие Страсти Христовы и мимолетность жизни. Вот деревянный крест и окровавленная плеть. Череп представляет собой Голгофу, место распятия Христа. Смысл есть и в руке, ласкающей череп — это отражением темы смерти. Пламя и череп вкупе олицетворяют быстротечность и невозвратность времени. Таким образом, все элементы картины отсылают к темам покаяния и испытаний, посланных Богом.

«Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения в Италии» Александр Иванов (1834-1835)

Хотя Иванов написал картину в традициях академического искусства, в неё чётко прослеживаются особенности итальянского искусства и живописи эпохи Возрождения. «Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения» считается «репетицией» перед созданием масштабного полотна «Явление Христа народу» (его Иванов писал долгих 20 лет!). Однако, работа с Магдалиной все же заслуживает должного внимания, ведь именно благодаря ей автор получил звание академика, а картина украшала стены дворца самого царя Николая I.

Сюжет с Магдалиной кисти Иванова отличается элегантной простотой и итальянским изяществом. Зритель видит только две фигуры — Христа и Магдалину. Художником запечатлен момент из Евангелия, когда Магдалина увидела его воскресшим. Она спешит к Христу, но он останавливает Магдалину спокойным жестом.

Лицо Марии озарено множеством искренних и сложных чувств: удивление, волнение, горе, восхищение и пр. Магдалина одета в ярко-красное платье. Христос изображен в белой мантии. Образ Магдалины пробуждает у
зрителя веру в чудеса. А главный посыл картины в том, что даже самую заблудшую душу можно спасти.

Фредерик Сэндис «Мария Магдалина», 1859 г.

Фредерик Сэндис (1829–1904) был сыном художника и получил образование в Норвичской школе дизайна. Он начал свою карьеру как портретист и иллюстратор антиквариата. Его переезд в Лондон в 1851 году стал судьбоносным, там он стал членом Братства прерафаэлитов, подружился и жил в одном доме с Данте Габриэлем Россетти. Последний назвал Сэндиса «величайшим из ныне живущих рисовальщиков». Сильные и чувственные образы женской красоты и культовые изображения соблазнительных и загадочных женщин, выполненные в стиле прерафаэлитов, принадлежат именно этому художнику.

Глядя на его работу «Мария Магдалина», зритель не сразу узнает в героине Святую Магдалину. Она изображена красавицей с длинными золотыми волосами в стиле прерафаэлитов. Интересно, что Сэндис специализировался именно на поясных фигурах красивых и роковых женщин. Пристальное внимание Сэндис к деталям типично для школы прерафаэлитов. Образы женской красоты Сэндис — это знаковые изображения очаровательных и загадочных женщин, представляющих его уникальный стиль. Героиня изображена практически в профиль. Фон – темно-зеленый с английским орнаментов. В руке у героини сосуд с притираниями (ее главный атрибут), а плечи покрывает красно-зеленый платок с растительным орнаментом. Этот образ Магдалины резко выделяется на фоне других картин.

Карло Дольчи «Кающаяся Магдалина» (1670)

Покаяние Святой Марии Магдалины — традиционная тема, особенно популярная в итальянском искусстве XVII века. На картине Долчи Магдалина изображена с распущенными волосами, ее правая рука лежит на груди, а ладонь левой руки поднята вверх и опирается на раскрытую книгу. Ее традиционный атрибут — горшок с притираниями, с которым она пришла к Христу, чтобы помазать его – изображен на правом переднем плане среди скал. К слову, распущенные волосы и горшок – это ссылка на Евангелие от Луки (7: 37-8). В писании описывалась женщина-грешница, которая помазала ноги Христа, омыла их своими слезами, а отерла длинными волосами. Карло Дольчи был глубоко набожным человеком и прославился своей эмоциональной передачей религиозных сюжетов, а также тщательной детализацией. Мария Магдалина была его наиболее часто изображаемой героиней.

Читать еще:  Повествовательная живопись. Dagmar Cyrulla

Самобытный и детализированный стиль живописи Дольчи принес ему известность как во Флоренции, где он провел большую часть своей жизни, так и за ее пределами. Эта картина вошла в Королевскую коллекцию в качестве подарка сэра Джона Финча католической королеве Екатерине Брагансской, жене Карла II. Будучи английским резидентом при дворе великого герцога Фердинанда II, Финч встретил Карло Дольчи во Флоренции и имел возможность заказать у него ряд работ. Финч восхищался художником и оказывал ему покровительство и поддержку.

Артемизия Джентилески «Преображение Марии Магдалины (Кающаяся Мария Магдалина)», 1615-1616

Артемизия Джентилески — это первая женщина-художник, присоединившаяся к флорентийской академии, написала образ трогательной Магдалины в 1617 году. Это был заказ от семьи Медичи. Героиня Джентилески одета в желтое с кружевами платье и и сидит среди роскошного шелка и бархата. Одна рука Магдалины прильнула к груди, а вторая — к зеркалу, которое показывало ей, кем она была перед Богом. Ее глаза теперь полностью открыты и жаждут свободы, Христа, света. Мария Магдалина не перестает быть красивой, когда обращается к Христу, но эта красота больше не предназначена для обогащения. Она – для прославления Господа, который любит ее больше, чем кто-либо и когда-либо.

Известно, что сама Артемизия Джентилески испытала боль публичного проступка после того, как в 17 лет была изнасилована коллегой своего отца. Последующий судебный процесс по делу об изнасиловании унизили девушку и подвергли ее сплетням еще больше. Собрав всю свою волю и «упаковав» свой потрясающий художественный талант, она переехала во Флоренцию, чтобы начать свою жизнь заново.

Тициан «Кающаяся Магдалина» (1531, 1565)

Тициан был одним из тех художников, которые изображали Магдалину как символ искупления. В двух знаковых произведениях он демонстрирует кающуюся Магдалину. Зритель видит момент из Евангелия, когда Магдалина осознает свою греховную жизнь и плачет, поднимая свой взор на небо. Его первая Магдалина была написана в 1531 году, а затем он вернулся к ней 30 лет спустя.

Работы Тициана хоть и затрагивают христианскую тему, но кажутся довольно чувственными. Причина кроется в средневековых повествованиях. В них говорится, что в течение 30 лет после вознесения Иисуса Мария Магдалина бродила по пустыне и ее одежда буквально разваливалась. Художники того времени стремились использовать это упоминание как способ смешения чувственности и религии. Картины, таким образом, становились более популярными, а художники не боялись скандальной реакции общественности. Физические характеристики Магдалины Тициана соответствуют идеалу красоты того времени: золотистые длинные волосы, полные губы и пышное тело.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Пять самых гениальных портретистов разных эпох

Портрет — один из самых интересных видов живописи. Это особый дар: суметь передать на холсте не только внешнее сходство героя, который позирует, но и рассказать будущим поколениям о характере, привычках, роде занятий.

Художники-портретисты всегда востребованы чуть больше коллег, специализирующихся на пейзажной или батальной живописи. И это понятно: аристократы заказывали портреты, чтобы увековечить свой облик для наследников и истории.

Леонардо да Винчи: эпатажный гений

Леонардо да Винчи — яркий представитель эпохи Возрождения, талант которого так и не удалось никому превзойти. Сохранилось всего 19 работ, авторство которых 100 % принадлежит Леонардо да Винчи. Его открытия в живописи невозможно переоценить. Один из первых, кто начал использовать масляные краски и вписал фигуры людей в пейзаж. Применил светотеневую модулировку.

Самый популярный портрет украшает зал Лувра. Его название известно каждому школьнику. Вряд ли найдется человек, кому не знакома «Мона Лиза». До сих пор точно неизвестно, кем была дама, изображенная на картине. Предположений несколько. Наиболее эпатажное, — с портрета на нас, улыбаясь, смотрит сам великий Леонардо.

Официальная версия — супруга торговца из Флореции, Лиза Герардини. Еще один вариант, который рассматривают историки искусства, — любовница Джулиано Медичи, умершая во время сложных родов.

Этот портрет да Винчи писал 15 лет (1503-1519). Почему так долго, если размер полотна составляет всего 53 х 76 см? У гения Возрождения сложились свои отношения со временем: никуда не торопился, стремился добиваться совершенства.

Леонардо в портрете использовал знаменитый метод сфумато. Если долго стоять перед «Джокондой» в Лувре, возникает ощущение, что вот еще пара мгновений, и она разомкнет губы, вздохнет. Еле заметная дымка, которая растушевывает линии, делает изображенную на полотне даму почти реальной.

Рафаэль: вдохновенный лирик

Рафаэль Санти — еще один представитель эпохи Возрождения. Написанные его рукой портреты восхищают гармоничными композициями. Не проблема выбрать красивую модель. Гораздо труднее грамотно расположить фигуру в пространстве. Это удавалось Рафаэлю с виртуозной легкостью.

Портреты художника очаровывают нежностью и красотой. Его работы хронологически можно разбить на два этапа: холсты, созданные во время его жизни во Флоренции и картины, написанные в зрелом возрасте в Риме.

Рафаэль идеализировал образ человека, которого писал. Не стремился воспроизвести полное сходство, давал волю фантазии. Поэтому люди, изображенные на картинах, кажутся совершенными. Художник умел в каждом разглядеть что-то прекрасное и передать свою влюбленность.

Произведения итальянского живописца, которого современники боготворили за мягкость и естественность работ, в наше время ценятся еще больше. К примеру, эскиз, известный под названием «Голова молодого апостола», на аукционе «Сотбис» продали за ошеломляющую сумму — 48 млн долларов США.

Рубенс: избранник королей

Если бы потребовалось кратко охарактеризовать жизнь этого знаменитого нидерландского живописца, то слово «энергия» подошло бы идеально. Написал около 3000 художественных полотен, большая часть из которых — портреты. Ему позировали сильные мира сего: королева Мария Медичи, герцог Мантуанский, Анна Австрийская, Ян Брейгель, герцог Бекингемский. Портреты Питера Пауля Рубенса — своеобразный каталог «кто есть кто» из представителей западноевропейской аристократии XVII столетия.

Рембрандт: мастер настроения

Одного из наиболее талантливых портретистов миру подарили Нидерланды. Интересная и самобытная работа — «Ночной дозор». Это групповой портрет членов стрелковой гильдии. Заказчиков ждало разочарование, художник не стал копировать манеру авторов, которые в то время считались эталонными, а пошел своим путем. Картина притягивает динамикой, накалом. Тревожное настроение Рембрандт подчеркнул с помощью необычного контраста. В работе художник использовал нестандартный способ наложения света и тени.

Рембрандт смог на своих холстах передать полный спектр человеческих переживаний: от радости до глубочайшего отчаянья.

Тициан: художник, поцелованный Богом

Еще один живописец, которого подарила миру эпоха Возрождения. Тициан — представитель венецианской школы, и это хорошо просматривается в его работах. Не зря через несколько столетий его по-прежнему считают великим мастером колористики и стремятся научиться передавать цвет теми же методами, как это делал Тициан Божественный — такое ему дали прозвище поклонники таланта.

Читать еще:  Немецкий художник. Hans-Gerhard Meyer

Самые известные работы: «Портрет Карла V с собакой», «Кларисса Строцци», «Флора», «Мужчина с перчаткой», «Портрет молодого англичанина».

Маленький художник эпохи Возрождения — Пинтуриккио (первая часть)

Автопортрет — около 1501 (деталь фрески в капелле Бальони в Спелло)

Пинтури́ккьо (вариант написания — Пинтури́ккио), (Pinturicchio), собственно Бернардино ди Бетто (или ди Бенедетто) ди Бьяджо (Bernardino di Betto di Biagio), 1454, Перуджа — 1513, Сиена), — итальянский живописец эпохи Возрождения.

Довольно интересный, своеобразный художник, но на нем видно, на чем ломается гармония Возрождения. Бернардино ди Бетто, или Бенедето ди Бьяджо родился в Перудже, и он один из ярких представителей умбрийской школы.

Палаццо колонна, апартаменты принцессы Изабель, зал фонтана, фрески Пинтуриккьо и мастерская

Как и у многих художников Возрождения, Пинтуриккио — это не имя, это прозвище, что значит «маленький художник». Так прозвали его из-за маленького роста. Но по другим версиям, это имя можно перевести как «маляр» или «плохой художник, мазила». Он получил признание, преимущественно как мастер монументальной живописи и как человек, которого щедро оплачивали богатые заказчики. Он пользовался любовью очень богатых представительных людей. Для папы Александра VI он сделал расписал апартаменты Борджиа, для папы Пия II, Энея Пикколомини, — его библиотеку. Он вошел в круг церковной элиты.

Мадонна с Младенцем и ангелами — 1488-1490
Фреска — Дворец приоров — Перуджа

О ранних годах жизни Пинтуриккио ничего не известно. Даже дата его рождения определяется очень приблизительно. В большинстве источников указывается 1454 год или около того. Первые документальные свидетельства — это запись в реестре гильдии живописцев Перуджи 1481 года.

Базилика Санта Мария дель Пополо

В содружестве c другими мастерами он получает плату за роспись Дворца приоров в Перудже. Это первое упоминание о нем, и довольно, так сказать, скромное упоминание, потому что он сначала помогал и Перуджино, и другим художникам. И надо сказать, что слава Пинтуриккио своеобразна, потому что многие исследователи, особенно в начале XX века, когда стали по-настоящему раскрылся Ренессанс, относились к нему довольно прохладно, если не сказать хуже.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960)

Например, Александр Бенуа в своем монументальном труде «История живописи» пишет так:

«Если мы обратимся к сохранившемуся творению Пинтуриккио, то мы убедимся, что оно не что иное, как парафраз искусства Перуджино».

Главу о Пинтуриккио он даже назвал «Талантливый маляр», играя на его прозвище. Бенуа утверждал, что художник был маленьким, глуховатым, невзрачным человеком, и все это, вероятно, держало его на известном расстоянии от жизни, которая могла казаться ему тем более радостной и завидной.

Апофеоз Святого Бернардина Сиенского — 1484-1486
Фрагмент фрески — Капелла Буфалини, церковь Санта-Мария-ин-Арачели, Рим

Получается, по Бенуа, что он был в стороне от жизни, но, исследуя его творчество, мы видим, что он не только не был в стороне от жизни — может, он и имел маленький рост и даже, может быть, был невзрачным, — но богатство его заказчиков и великолепно исполненные им фрески и росписи дворцов, апартаментов и храмов говорят о том, что он был в самой гуще событий. Так что такая характеристика не совсем соответствует действительности.

Похороны Святого Бернардина — 1484-1486
Фреска — Капелла Буфалини, церковь Санта-Мария-ин-Арачели, Рим

Впервые Пинтуриккио попадает в Рим в качестве помощника Перуджино в росписи Сикстинской капеллы и работает здесь вместе с Рафаэлем, Боттичелли, Лукой Синьорелли, то есть сразу, хотя и на вторых ролях, но он входит в круг первых художников эпохи. И надо сказать, что несмотря на то, что его роль была достаточно скромна, скорее всего, ему давали здесь как подмастерью орнаменты, какие-то детали, но все-таки его замечает папа, и он в Риме становится желанным гостем.

Но сначала он пишет фрески, уже как самостоятельный художник пишет фрески в базилике Санта Мария ин Арачели и пять лет расписывает капеллу Буфалини в этой базилике на Капитолийском холме. Это цикл фресок, связанный с жизнью святого Бернардина Сиенского, покровителя семьи Буфалини, заказчиков этой капеллы. Святого Бернардина очень любят в Италии до сих пор. Он прославился как борец с чумой, а уж тогда его любили именно потому, что чума была таким бедствием, и, конечно, многие молились именно этому святому.

Санта Мария ин Аракоэли (Рим), алтарь Сан Джакомо делла Марка

И интересно, что в одной из сцен видно — это прощание со святым Бернардином, успение его — видно как раз влияние Перуджино. То есть он делает второй план, городской пейзаж, очень похожим на ту фреску, о которой мы говорили. «Передача ключей» в Сикстинской капелле. То есть он здесь выступает как такой истинный продолжатель Перуджино. И в пейзаже он тоже старается подражать Перуджино. Ну вот капелла делла Ровере в церкви Санта Мария дель Пополо, тоже в римской церкви и тоже достаточно интересно им расписана.

Роспись Зала святых — 1492-1494
Апартаменты Борджиа, Апостольский дворец, Ватикан

Но самая известная его работа — это апартаменты Борджиа. В 1492 году Пинтуриккио приступает к росписи комнат в Ватиканском дворце. Названы они так в честь папы Александра VI, Родриго Борджиа. Благодаря протекции папы и его сына Чезаре Борджиа Пинтуриккио получил этот заказ.


Роспись потолка Зала сивилл. 1492&-1494
Апартаменты Борджиа, Апостольский дворец, Ватикан

Будучи еще достаточно молодым, он действительно входит в этот круг и исполняет то, что хотели эти люди. Поэтому то, что часто ему ставят в вину как художнику, что он очень декоративен, что он перегружает свои фрески, свои росписи большим количеством орнаментов, золота, он часто вводил лепнину, даже мозаику в свои произведения, но я думаю, что это роль заказа. Вообще роль заказа очень велика в искусстве и средневековом, и Возрождения, да и сегодня тоже, особенно в церковном. Мы знаем, что роль заказа — просто 90% того, что получается в результате.

Благовещение — 1492-1494
Фреска — Зал таинств веры. Апартаменты Борджиа, Апостольский дворец, Ватикан

И действительно, то, за что не поощряли и до сих пор критикуют Пинтуриккио, я думаю, идет от его заказчиков, которым хотелось, конечно, в своих капеллах, в своих апартаментах показать вот это богатство, богатство и власть, поэтому Пинтуриккио как хороший исполнитель все это умел сделать. Но если вглядываться в его композиции, в лики, в то, как написаны фигуры, видно, что это неплохой мастер. Хотя, может быть, он не мастер уровня Перуджино и Рафаэля, но это все равно очень интересный мастер.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector