Индийский художник. Snehal Page

Индийский художник. Snehal Page

Индийский художник. Snehal Page

Индийская живопись
Традиция живописи на Индийском субконтиненте уходит корнями в далекое прошлое. Доказательствами высокого мастерства индийских художников служат сохранившиеся до нашего времени фрески в пещерах Аджанты и Эллоры, буддистские манускрипты на пальмовых листьях, миниатюрная живопись могольской и раджпутской школы и многое др.
Посредством рисунка индийское классическое живописное искусство выражает радостность жизни, щедрость ее даров, религиозные чувства и торжество духовного совершенства. Характерной чертой индийской живописи является отсутствие в ней, в отличии от европейской, темы трагичности.
Индийское классическое изобразительное искусство можно условно разделить на два вида: на настенную живопись (фрески) и на миниатюру. Со временем эти виды развились в смесь различных стилей, влиявших один на другой. К примеру, от пещерной настенной живописи впоследствии возникает индийская храмовая настенная роспись.

Пещерные (наскальные) фрески
История наскальной живописи Индийского полуострова восходит ко II тысячелетию до н. э. Ярким примером этого могут служить пещерные фрески Багха, Ситтанавасала. Отдельного внимания заслуживают фрески Аджанты и Эллоры, занесенные в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, являющие собой сокровищницу древнего художественного искусства.

Пещеры Аджанты (Ajanta), датируемые II в. до н.э. — V в. н.э., когда-то были обителью буддистских монахов. Позже, покинутые, как считается, во времена расцвета Эллоры, они были забыты вплоть до 1819 г. Обнаруженные по случайности британским охотничьим отрядом, пещеры открыли миру высшее художественное мастерство древней Индии. В пещерах находится множество великолепных фресок, написанных темперой. Отреставрированные в 20-х годах ХХ столетия фрески Аджанты демонстрируют истории из жизни Будды, а также царственных персон и окружения. Сегодня наскальная живопись Аджанты признана историческим наследием и культурным достоянием Индии.


Настенная роспись Аджанты


Падмапани Бодхисаттва (Аджанта)

В пещерном храмовом комплексе Эллоры (Ellora) наскальные фрески сохранились в основном в храме Кайласа. Одни из них изображают бога Вишну и его супругу Лакшми, другие — небесных куртизанок апсар, а также риши — святых мудрецов.


Фрески Эллоры

Высеченные в скале пещеры Багх (Bagh), расположенные в штате Мадхья-Прадеш, славятся своей настенной живописью. Согласно легенде, эти пещеры были основаны буддистским монахом Датакой. Ранее считалось, что пещеры Багх датируются VII в. н. э., но найденные в них настенные надписи указывают на то, что пещеры были созданы в период с IV по VI в. н.э.
В X в. с упадком буддизма пещеры были заброшены, но в 1982 г. их отреставрировали. Самые знаменитые фрески Багха выполнены темперой.


Багх


Фрески Багха

Пещера Ситтанавасал (Sittanavasal/Chithannavasal) — это прекрасный пример наскальной живописи средневековой Индии, расположенный в штате Тамил-Наду. Пещера представляет собой вырезанный в скале джайнийский храм-монастырь, известный как Аривар Койл (Arivar Koil), датируемый VII-IX вв. н.тэ. Он примечателен своими фресками, которые были написаны растительными и минеральными красками на нанесённой тонким слоем мокрой штукатурке. На стенах изображены прекрасный лотосовый пруд, танцующие фигуры людей, животные, птицы.


Ситтанавасала


Фрески Ситтанавасала


Фрески Ситтанавасала

Индийская миниатюра

Миниатюра — это изящный вид живописи Индийского субконтинента. Изюминкой этого искусства является сложная и деликатная манера письма. Краски для написания миниатюр традиционно делали из натуральных материалов: минералов, растений, драгоценных камней, золота, серебра, раковин моллюсков. Написание миниатюрных картин является очень сложным, кропотливым искусством, где без внимания не остается ни одна из деталей.

Восточно-индийская школа миниатюрной живописи XIXII вв.
Школа живописи Пала
Самые ранние экземпляры индийской миниатюры относятся к периоду правления буддистской империи Пала, охватывавшей территории современных Зап. Бенгалии, Бангладеша и Бихара. Миниатюры Пала представляют собой иллюстрации к религиозным буддистским манускриптам, датируемым XI-XII вв. Стиль школы Пала — это искусные изящные линии, приглушенные тона, умелое моделирование фигур, использование натуральных красок. Этот натуралистический стиль напоминает идеально отлитые формы бронзовых скульптур и перекликается с фресками Аджанты. Школа Пала уделяет особое внимание символическому использованию цвета в картинах, заимствованному из тантризма.


Бодхисаттва Майтрея (Пала)


Мамаки (Пала)


Херука (Пала)

Западно-индийская школа миниатюрной живописи XIIXVI вв.
Джайнская миниатюра
Западно-индийский стиль миниатюрной живописи развился и доминировал на территориях Гуджарата, Раджастана и Мальвы. Одной из движущих сил творчества в этом регионе, на тот период времени, был джайнизм, покровительствовали которому с середины X в. до конца XIII в. правители династии Чалукьев. Огромное количество религиозной джайнийской литературы широко использовалось среди знати и богатых купцов того времени. Множество из этих манускриптов хранятся сегодня в джайнийских книгохранилищах (Бхандара/Bhandara) во многих местах Западной Индии. Рисунки в этих рукописях сильно стилизованны и искаженны. Акцент в джайнской миниатюре делается на несоразмерность частей тела, глаз, бедер и груди, на их существенное преувеличение. Джайнская школа мниатюрной живописи уделяет особое внимание чистым цветам, тяжелым золотым контурам и минимизации одежды.
Начиная с XV в. на западно-индийскую школу живописи начинает оказывать влияние персидский стиль изобразительного искусства. Об этом свидетельствуют присущие персидской живописи типы лиц на картинах, формы цветущих деревьев, присутствие сцен охоты, трава растущая пучками, небеса и облака. Особенно заметно это влияние в использовании ультрамаринового и золотого цветов, преобладающих в изобразительном искусстве Персии. Ранними примерами персидской живописи в Индии являлись иллюстрированные манускрипты, многие из которых копировались и постепенно распространялись по всему Индостану.


Бахубали (Джайнская миниатюра)

Могольская школа миниатюрной живописи
Могольская миниатюрная живопись отражает сочетание индийского и персидского стилей. Как искусство она возникла в период правления могольского императора Хумаюна (1530-1540 гг.; 1555-1556 гг.). Вернувшийся в Индию из Персии, где он находился в изгнании, Хумаюн привез с собой двух персидских художников, положивших начало развитию могольской миниатюрной живописи. Со временем персидская живопись, впитавшая местные традиций, сформировала свой характерный стиль. Основной тематикой могольской миниатюры являются сцены охоты, боя, сцены из придворной жизни, моменты из легендарных историй, природный ландшафт, изображения животных и портреты.

Читать еще:  Датский художник. Jan Esmann


Джахангир

Удивительная история любви бедного индийского художника и шведской девушки — ФОТО

Более сорока лет назад началась эта красивая история любви между индийским художником и шведской девушкой. Пережив все удары судьбы, эта пара всё ещё вместе. Day.Az со ссылкой на Mixstuff представляет их историю.

Прадьюмна Кумар Маханандиа родился в семье, принадлежащей к касте «неприкасаемых» в далёкой индийской деревушке в 1949 году. Согласно пророчеству астролога, сделанному сразу после рождения Кумара, он должен был жениться на девушке из далёкой страны, рождённой под знаком Тельца, занимающейся музыкой и владеющей лесом.

«Я крепко поверил в это предсказание и сейчас точно знаю, что всё на этой планете предрешено», — сказал Кумар корреспонденту журнала National Geographic.

Мужчина очень чётко помнит тот день, когда предсказание сбылось. Эта прекрасная история началась 17 декабря 1975 года. В то время Кумар был уличным художником. Красивая блондинка с голубыми глазами по имени Шарлотта фон Шедвин попросила нарисовать её портрет.

«Когда она появилась возле моего мольберта, я почувствовал себя в невесомости, — говорит Кумар. — Нет подходящих слов, чтобы описать это чувство. Её глаза были такими большими и голубыми, и мне казалось, что она смотрит не на меня, а внутрь меня, как рентген».

Из-за волнения мужчина не смог нарисовать портрет женщины своей мечты с первого раза, поэтому попросил Шарлотту прийти ещё.

«Она приходила трижды, и я нарисовал три портрета, — говорит он. — Во второй раз я почувствовал, что она и есть та единственная».

Оказалось, что таинственная иностранка родилась под знаком Тельца, владеет лесом и играет на флейте, точно как говорилось в предсказании. Тогда Кумар сказал ей, что она станет его женой, и что им суждено было встретиться.

Шарлотта, которой тогда было 19 лет, не испугалась такого неожиданного признания и перед тем, как вернуться в Швецию, она провела несколько недель вместе с Кумаром.

Эта история любви могла так и закончиться, но молодой и смелый Кумар решил иначе. Через полтора года художник продал всё, что у него было, и купил велосипед. С очень небольшим количеством денег и благодаря помощи нескольких неравнодушных людей, которых он встретил в дороге, Кумару удалось преодолеть больше девяти тысяч километров, чтобы снова увидеть Шарлотту.

«Самым большим препятствием были мои собственные мысли и сомнения», — говорит мужчина.

Закончилось всё тем, что двое влюблённых поженились и живут вместе уже более 40 лет. Они вырастили двоих детей, и их любовь так же сильна, как и прежде.

Индийский художник. Snehal Page

Индийская живопись
Традиция живописи на Индийском субконтиненте уходит корнями в далекое прошлое. Доказательствами высокого мастерства индийских художников служат сохранившиеся до нашего времени фрески в пещерах Аджанты и Эллоры, буддистские манускрипты на пальмовых листьях, миниатюрная живопись могольской и раджпутской школы и многое др.
Посредством рисунка индийское классическое живописное искусство выражает радостность жизни, щедрость ее даров, религиозные чувства и торжество духовного совершенства. Характерной чертой индийской живописи является отсутствие в ней, в отличии от европейской, темы трагичности.
Индийское классическое изобразительное искусство можно условно разделить на два вида: на настенную живопись (фрески) и на миниатюру. Со временем эти виды развились в смесь различных стилей, влиявших один на другой. К примеру, от пещерной настенной живописи впоследствии возникает индийская храмовая настенная роспись.

Пещерные (наскальные) фрески
История наскальной живописи Индийского полуострова восходит ко II тысячелетию до н. э. Ярким примером этого могут служить пещерные фрески Багха, Ситтанавасала. Отдельного внимания заслуживают фрески Аджанты и Эллоры, занесенные в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, являющие собой сокровищницу древнего художественного искусства.

Пещеры Аджанты (Ajanta), датируемые II в. до н.э. — V в. н.э., когда-то были обителью буддистских монахов. Позже, покинутые, как считается, во времена расцвета Эллоры, они были забыты вплоть до 1819 г. Обнаруженные по случайности британским охотничьим отрядом, пещеры открыли миру высшее художественное мастерство древней Индии. В пещерах находится множество великолепных фресок, написанных темперой. Отреставрированные в 20-х годах ХХ столетия фрески Аджанты демонстрируют истории из жизни Будды, а также царственных персон и окружения. Сегодня наскальная живопись Аджанты признана историческим наследием и культурным достоянием Индии.


Настенная роспись Аджанты


Падмапани Бодхисаттва (Аджанта)

В пещерном храмовом комплексе Эллоры (Ellora) наскальные фрески сохранились в основном в храме Кайласа. Одни из них изображают бога Вишну и его супругу Лакшми, другие — небесных куртизанок апсар, а также риши — святых мудрецов.


Фрески Эллоры

Высеченные в скале пещеры Багх (Bagh), расположенные в штате Мадхья-Прадеш, славятся своей настенной живописью. Согласно легенде, эти пещеры были основаны буддистским монахом Датакой. Ранее считалось, что пещеры Багх датируются VII в. н. э., но найденные в них настенные надписи указывают на то, что пещеры были созданы в период с IV по VI в. н.э.
В X в. с упадком буддизма пещеры были заброшены, но в 1982 г. их отреставрировали. Самые знаменитые фрески Багха выполнены темперой.


Багх


Фрески Багха

Пещера Ситтанавасал (Sittanavasal/Chithannavasal) — это прекрасный пример наскальной живописи средневековой Индии, расположенный в штате Тамил-Наду. Пещера представляет собой вырезанный в скале джайнийский храм-монастырь, известный как Аривар Койл (Arivar Koil), датируемый VII-IX вв. н.тэ. Он примечателен своими фресками, которые были написаны растительными и минеральными красками на нанесённой тонким слоем мокрой штукатурке. На стенах изображены прекрасный лотосовый пруд, танцующие фигуры людей, животные, птицы.


Ситтанавасала


Фрески Ситтанавасала


Фрески Ситтанавасала

Индийская миниатюра

Миниатюра — это изящный вид живописи Индийского субконтинента. Изюминкой этого искусства является сложная и деликатная манера письма. Краски для написания миниатюр традиционно делали из натуральных материалов: минералов, растений, драгоценных камней, золота, серебра, раковин моллюсков. Написание миниатюрных картин является очень сложным, кропотливым искусством, где без внимания не остается ни одна из деталей.

Читать еще:  Индихенизм, муральность, революционность

Восточно-индийская школа миниатюрной живописи XIXII вв.
Школа живописи Пала
Самые ранние экземпляры индийской миниатюры относятся к периоду правления буддистской империи Пала, охватывавшей территории современных Зап. Бенгалии, Бангладеша и Бихара. Миниатюры Пала представляют собой иллюстрации к религиозным буддистским манускриптам, датируемым XI-XII вв. Стиль школы Пала — это искусные изящные линии, приглушенные тона, умелое моделирование фигур, использование натуральных красок. Этот натуралистический стиль напоминает идеально отлитые формы бронзовых скульптур и перекликается с фресками Аджанты. Школа Пала уделяет особое внимание символическому использованию цвета в картинах, заимствованному из тантризма.


Бодхисаттва Майтрея (Пала)


Мамаки (Пала)


Херука (Пала)

Западно-индийская школа миниатюрной живописи XIIXVI вв.
Джайнская миниатюра
Западно-индийский стиль миниатюрной живописи развился и доминировал на территориях Гуджарата, Раджастана и Мальвы. Одной из движущих сил творчества в этом регионе, на тот период времени, был джайнизм, покровительствовали которому с середины X в. до конца XIII в. правители династии Чалукьев. Огромное количество религиозной джайнийской литературы широко использовалось среди знати и богатых купцов того времени. Множество из этих манускриптов хранятся сегодня в джайнийских книгохранилищах (Бхандара/Bhandara) во многих местах Западной Индии. Рисунки в этих рукописях сильно стилизованны и искаженны. Акцент в джайнской миниатюре делается на несоразмерность частей тела, глаз, бедер и груди, на их существенное преувеличение. Джайнская школа мниатюрной живописи уделяет особое внимание чистым цветам, тяжелым золотым контурам и минимизации одежды.
Начиная с XV в. на западно-индийскую школу живописи начинает оказывать влияние персидский стиль изобразительного искусства. Об этом свидетельствуют присущие персидской живописи типы лиц на картинах, формы цветущих деревьев, присутствие сцен охоты, трава растущая пучками, небеса и облака. Особенно заметно это влияние в использовании ультрамаринового и золотого цветов, преобладающих в изобразительном искусстве Персии. Ранними примерами персидской живописи в Индии являлись иллюстрированные манускрипты, многие из которых копировались и постепенно распространялись по всему Индостану.


Бахубали (Джайнская миниатюра)

Могольская школа миниатюрной живописи
Могольская миниатюрная живопись отражает сочетание индийского и персидского стилей. Как искусство она возникла в период правления могольского императора Хумаюна (1530-1540 гг.; 1555-1556 гг.). Вернувшийся в Индию из Персии, где он находился в изгнании, Хумаюн привез с собой двух персидских художников, положивших начало развитию могольской миниатюрной живописи. Со временем персидская живопись, впитавшая местные традиций, сформировала свой характерный стиль. Основной тематикой могольской миниатюры являются сцены охоты, боя, сцены из придворной жизни, моменты из легендарных историй, природный ландшафт, изображения животных и портреты.


Джахангир

Атмосферные скандинавские пейзажи, которые дарят умиротворение: Художник-классик Арвид Линдстрем

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

К слову сказать, у многих зрителей, сталкивающихся с творчеством Арвида Маурица Линдстрема, часто складывается впечатление, что сдержанная красота скандинавской природы, отраженная на его полотнах, очень уж напоминает ландшафты русского севера, с их тихой грустью, поэтичным настроением и сдержанной палитрой красок. А действительно ли это так — судите сами.

Творческий путь

Путь профессионального становления большинства скандинавских художников, творивших на рубеже XIX-XX столетия, был достаточно стандартен. Художественное мастерство они, как правило, осваивали у себя на родине, а затем отправлялись на учебу и стажировку в страны континентальной Европы. И чаще всего это были Италия, Германия, Франция, где художественную среду буквально будоражили новые идеи, стили, новомодные течения. Разумеется, что многие скандинавские художники увлеклись этой волной новшеств, поглотившей мир изобразительного искусства в конце позапрошлого века.

Но, были среди них и такие, которые все же остались верны той творческой манере, которую выбрали для себя еще в молодости. Среди них и был Арвид Мауриц Линдстрем, творивший в стиле классической скандинавской школы живописи 19 века. Его творения, написанные в реалистичной манере, в эпоху взлета абстракционизма и модерна вызывали немало протеста и негативных откликов у влиятельных критиков и искусствоведов. Тем не менее, это не помешало художнику сказать свое веское слово в искусстве, войдя в историю живописи великолепным мастером реалистического пейзажа.

И на сегодняшний день Линдстрем один из известнейших пейзажистов Швеции, он также входит в золотую десятку тысяч лучших живописцев мира.

Очарованный красотой родной природы

Первозданность красоты и чистоты природы буквально царит в пространстве каждого полотна шведского мастера, который зорким взглядом живописца сумел подметить изменчивый мир природных явлений, а потом так достоверно воссоздать их с помощью красок. Причем так, что иногда, кажется, будто слышны даже запахи и звуки, которые соответствуют тому или иному состоянию окружающей среды.

Пейзажи Линдстрема будто ведут зрителя по атмосферным местам из реальной жизни. Болотистые вересковые пустоши, густые леса и рощи, водная гладь озер и рек — всё выдержано в приглушённой, земляной палитре, свойственной Скандинавским землям. Исключением является одна деталь — пленительные колоритные закаты, которые освещают лучами заходящего солнца природу.

Именно они таинственным образом преображали полотна художника в некий сказочный мир. И именно с их помощью художник придавал некоторым своим работам желаемый яркий вид, которого порой не доставало в серой действительности.

Особенно впечатляют туманные пейзажи автора. Так и хочется иногда шагнуть в них, как в зазеркалье, и оказаться за картинной плоскостью, чтобы воочию насладиться удивительным зрелищем утренней дымки, вдохнуть влажный прохладный воздух и услышать шорох травы под ногами, мелодичное щебетание певчих птиц иль кряканье уток.

Читать еще:  Иранский художник. Javad Azarmehr

В заключение хотелось бы отметить, что дышащая спокойствием и умиротворением природа, воздушная атмосфера, запечатленная в пейзажах, невероятным образом оказывает очень тонкое воздействие на настроение зрителя, которому так порой не хватает в суете жизни именно этого спокойствия и умиротворения.

Несколько фактов из жизни художника

Арвид Мауриц Линдстрем родился в 1849 году в местечке Бьёркста в Вестманланде, Швеция. Обучался в Королевской академии художеств в Стокгольме в 1869–1872 гг. Для продолжения обучения и стажировки отправился в Мюнхен, затем в Париж. С начала 1880-х годов жил в Англии, где вступил в Художественную ассоциацию европейских художников и стал активным участником коллективной оппозиции Академии художеств. В 1885 году он участвовал на выставке в Парижском салоне с картиной «Пейзаж. Мотивы из Шотландии», которую приобрел Национальный музей.

Со временем Линдстрем перешел в Ассоциацию шведских художников, идеям которых весьма симпатизировал. Но, не найдя точек соприкосновения с современными ему соотечественниками, вскоре вышел из Ассоциации и в итоге избрал собственное оригинальное творчество. Арвид Мауриц Линдстрем вернулся в Швецию в 1889 году и поселился в Энгельсберге. Там он построил дом рядом с озером и, живя в близости с первозданной природой, художник с упоением писал реалистические пейзажи на протяжении всей своей жизни. Умер гений атмосферного пейзажа в 1923 году.

В продолжение темы о живописцах-пейзажистах, работающих в реалистической манере, предлагаем ознакомится с творчеством художника-самоучки Сергея Басова, работы которого напоминают картины великого Шишкина.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Самые известные работы Марселя Дюшана

Марсель Дюшан в начале 20 тысячелетия перевернул понятие творческого подхода в искусстве. Талантливый художник метался между импрессионизмом, дадаизмом и кубизмом и искал выход своим творческим взглядам. Работы Марселя Дюшана были очень необычны и даже не понятны для людей того времени.

перед вами самые знаменитые работы Марселя Дюшана:

Ландшафт Бленвилля (1902)

В начале своей живописной карьеры Марсель Дюшан пробовал многие стили и техники. Одним из примеров постмодернизма от Дюшана является яркий и жизнерадостный пейзаж окрестностей Бленвилля. Летняя зелень, заросший пруд на переднем плане создают ощущение жаркого солнечного летнего дня.

Портрет отца (1912)

Марсель Дюшан написал портрет своего отца, сидящего в кресле в непринуждённой позе: нога закинута за ногу, правая рука опирается о подлокотник кресла и поддерживает голову. Картина написана в стиле фовизм. Яркие цветовые пятна — жёлтый фон, зелёные отблески на рукаве серого пиджака оживляют картину, делают её экспрессивной.

Кстати на most-beauty.ru есть очень интересная статья о самых красивых портретах мира.

Обнажённая, спускающаяся с лестницы (1912)

Футуристическая и одновременно кубическая картина Дюшана «Обнажённая, спускающаяся с лестницы» вывела творчество художника на новый уровень. Он стал признанным гением. Кадры еле различимой человеческой фигуры накладываются друг на друга и создают ощущение движения.

Картина выполнена в тёплых охровых тонах на тёмном, практически чёрном фоне. Некоторые плоскости закрашены градиентом. Дюшан вспоминал, что на подобную работу его вдохновило новшество конца 19-го столетия — хронография, а именно цикл фотографий Э.-Ж. Марэ. Художника охватило желание описать движение обнажённой женской фигуры, спускающейся по лестнице.

Мельница для шоколада (1914)

На полотне прямоугольной формы изображена в трёхмерной проекции мельница для шоколада. Желто-песочная плоская основа и яркие оранжевые жернова написаны маслом на тёмном, практически чёрном фоне. Этот необычный натюрморт является сочетанием кубизма и экспрессионизма.

Фонтан (1917)

Более одиозной инсталляции, как фонтан из обычного писсуара, мир ещё не видел. Она вызвала шок, бурную критику и открытое неприятие. А это был всего лишь манифест, крик души в стиле «Чёрного квадрата» Малевича.

Дюшан хотел сказать, что настал предел творческим поискам чего-то нового и теперь объектом искусства можно сделать всё что угодно. Дюшан перевернул фарфоровый предмет, подписал его и изменил его назначение. Скульптурное изображение под громким названием «Фонтан» сдвинуло с места айсберг, под названием «Концептуализм».

Вешалка для шляп (1917)

Всё, что сделано руками человека — можно отнести к искусству. Инсталляция отполированной деревянной вешалки для головных уборов является ярким примером аналогичных инсталляций в стиле «реди-мейд».

Мона Лиза (1919)

Самое удивительное концептуальное «творение» Дюшана — образ усатой Моны Лизы. Он сделал то, о чём никто не додумывался. Ранее пародия на шедевр была просто невозможна. Пририсовав к изображению знаменитой мадонны Леонардо усики и бородку, и подписав аббревиатурой L.H.O.O.Q., что имеет довольно вульгарный перевод, Дюшан спустил с пьедестала культовое произведение искусства.

Кстати, с портретом Моны Лизы не менее успешно поиграл в своих работах Энди Уорхол, работы которого вы также можете увидеть на most-beauty.ru во всей красе.

Воздух Парижа (1919)

Подвешенный за нить стеклянный флакон с воздухом Парижа — пример предметно-ориентированного искусства. Первоначальный выставочный экземпляр не сохранился. В музеях можно увидеть только реплики произведения. Необычная ампула была взята в аптеке, и когда автор её случайно разбил, он пытался отыскать для повторной реплики в аптеках Парижа точно такую же.

Долговое обязательство № 30 (1924)

Игра в рулетку в заведениях Монте-Карло подвигла художника на создание коллажа. Он выполнен не только талантливо, но и с большим юмором. Человеческая голова с рогами барана выглядит достаточно убедительно на фоне потраченных билетов, рулетки и долговых облигаций игорного дома.

Послесловие

Работы Марселя Дюшана оказали огромное влияние на возникновение поп-арта, пластического и концептуального искусства. Он первый, кто увидел в обычных повседневных вещах интересные образы. Его инсталляции обрели известность и популярность во всём мире.

Как вы относитесь к творчеству французского художника? Ваши ответы просим писать в комментариях к этой статье.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector