Испанский художник. Carlos Martín

Испанский художник. Carlos Martín

Почему уничтожили полотно Пикассо, и как его вернула нейросеть

Коллаж © LIFE. Фото © Imagno / Getty Images, © Архив

» src=»https://static.life.ru/posts/2019/09/1244471/f2e1be41765dd03423525f91f2efde87.jpg» loading=»lazy» style=»width:100%;height:100%;object-fit:cover»/>

Видели полотно «Старый гитарист»? Если да, то вы знаете, о чём речь. Если нет — посмотрите внимательно. И ещё раз. Очень внимательно.

Эту картину Пабло Пикассо написал, когда ему было 22. И, как вы уже поняли, ему тогда было очень плохо. Вообще, весь «голубой период» надо понимать не только в смысле цветовой гаммы, но и в смысле «грустный».

На самом деле начиналось всё довольно бодро и весело: уже и Королевская академия изящных искусств в Мадриде успела надоесть, и приехал в Барселону, и выставки персональные, и любимое кафе «Четыре кота», и бордели, и всё прочее для искусства и вдохновения. А главное — друг был. Тоже художник, конечно. Звали его Карлос Касагемас. Посмотрите, какие картины писал.

Они с Пикассо очень дружили. А Карлос любил одну девушку. Жермен. Жермену Гаргальо. Ударение на последний слог — француженка. Танцовщица. Они одно время все вместе где-то «тусили», и 19-летний Касагемас влюбился безоглядно и навсегда. А она отвергала. Может быть, вся беда в том, что у мальчика были проблемы с потенцией, а может, просто сердцу не прикажешь, кто знает. Страдал невыразимо. Писал ей письма. Предлагал замуж. Пикассо, само собой, как мог поддерживал. Однажды друзья вместе провели Рождество, а потом поехали к родственникам Пикассо в Малагу Новый год встречать. Но там как-то Касагемас не очень красиво себя повёл, и Пикассо в сердцах его выпроводил. Друг уехал, отправился прямиком в Париж к Жермен и получил очередной отказ. Тогда Касагемас объявил, что возвращается в Испанию, и устроил прощальный ужин. Пригласил друзей и эту девушку. Пикассо там не было. И вот на этой вечеринке, действительно прощальной, художник в последний раз просит её выйти за него. Она говорит «нет», он достаёт пистолет и стреляет. Сначала в неё, потом в себя. В неё не попал. Умер в больнице.

Картина Пабло Пикассо «Смерть Касагемаса», 1901. Фото © «Артхив»

Если бы не это, вероятно, не было бы никакого «голубого периода». Конечно, Пикассо горевал и винил себя. На первых картинах, написанных после этого, — собственно Касагемас в гробу. На одной — с простреленным виском, на другой рядом плакальщицы, а наверху на небо его провожают три голые девицы в чулках, по мнению искусствоведов, подруги его и Пабло, и одна из них — Жермен.

Картина Пабло Пикассо «Похороны Касагемаса», 1901. Фото © «Артхив»

Потом Пикассо ещё много раз его писал. Судя по этим картинам, красивый был молодой человек. Выразительное лицо. Взять хотя бы широко известную поразительную (простите за субъективное мнение) картину «Жизнь». У парня, который обнимает девушку, лицо тоже — Касагемаса.

Картина Пабло Пикассо «Жизнь», 1903. Фото © Flickr/NichoDesign

И на всех картинах «голубого периода» — то же страдание, та же боль. И ещё немощь. Старость. Часто изображал слепых. Всё это одно большое размышление о жизни.

И вот наконец мы смотрим на «Слепого гитариста», картину 1903 года. Три года прошло, а краски те же. Музыкант повесил голову так, как будто умер, играя. Не доиграв. Худые ноги и руки, длинные пальцы — всё это искусствоведам и вообще понимающим в живописи людям напоминает Эль Греко. Пикассо им восхищался. Да… Так вот, видим седую голову, шею… Заметили, да? Там лицо. В смысле не лицо гитариста, там виднеется какое-то другое. Женское. А если на гитару посмотреть, то просматривается вроде как нога. Когда полотно «просветили» рентгеном, убедились, что так и есть: под одной картиной прячется другая.

Эксперты говорят, объясняется это весьма прозаично: в те времена Пикассо был нищим и у него просто не хватало денег на новые холсты. Он рисовал женщину, кормящую ребёнка грудью, а потом решил создать новое произведение, но было не на чем. И он решил, что этой работой можно пожертвовать. Только в мире искусства с этим категорически не согласны.

Эту женщину решили вернуть. Но до сих пор это было практически невозможно: силуэт слишком смутный, какие краски использовались, непонятно. По сути это означает, что нужно было писать картину заново. Но ведь ни один человек не сможет повторить Пикассо при всём желании: это будет другой человек, у него другая жизнь. Всё другое. Вот именно. Ни один человек. Через сотню лет после смерти Касагемаса настало новое время. И новые люди задались вопросом: а что, если восстановлением картины займётся не человек? И они познакомили с шедеврами живописи нейросеть — сеть искусственных нейронов. По образу и подобию мозга. Ещё не разум, скорее, идеальная машина для объективной обработки информации. В ней не хранится память о том, как мать рассказывала сказки, нет воспоминаний о погибшем друге. Нет никакого личного восприятия. Нет своей жизни. Есть только картины Пикассо. Искусственный интеллект «просканировал» весь «голубой период». От него не ускользнуло ничто: машина. А потом ему показали силуэт и дали задание — закончить работу так, как это сделал бы автор всех этих картин. И вот что скрывалось за слепым одиноким человеком и гитарой, по его скромному искусственному мнению.

В целом получается в том же духе — сплошное одиночество и тоска, верно? Правда, говорили, что у неё ребёнок должен был быть на руках. Это, наверное, она его правой рукой держит. Разработчики подчёркивают, что никто не претендует ни на какую нейросетевую гениальность и вообще не решится окончательно и бесповоротно объявить, что картина была именно такой. Но для истории искусства — пригодится.

Испанский импрессионизм.
Часть 1

Мы уже говорили ранее о немецком, русском и итальянском направлениях импрессионизма. Каждый из них, родившийся от французского, имел свои особенности: вспомните социальную и политическую направленность итальянских сюжетов или характерную немецкую экспрессивность. Но, пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников.

Читать еще:  Зазеркалье картины. Андрей Аллахвердов

Многие из них долгие годы жили и работали в Париже и, в отличие от итальянцев, много путешествовали – разнообразная природа Испании привлекала их своими пейзажами. Многие художники использовали более интенсивные цвета, чем французы: любили яркий белый, насыщенный красный, а также «вибрирующие» поверхности, «искры» на воде и солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах отражался воздух Испании.

Большая заслуга в этом принадлежит не только великим предшественникам импрессионистов, например Диего Веласкесу, но и их современнику и учителю бельгийского происхождения, большую часть жизни прожившему в Испании, Карлосу де Хасу (Carlos de Haes). Его называли «первооткрывателем испанского ландшафта» и проводником идеи работы на пленэре.

Одним из первых его учеников был Мартин Рико и Ортега (Martín Rico y Ortega), родившийся в артистической семье и получивший первоначальное художественное образование в Школе изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился у своего брата Бернардо и работал рисовальщиком и гравером. Мартин начинал как последователь Барбизонской школы и Тернера, под влиянием работ которого его пейзажи становились более «очеловеченными». Путешествия по Европе и знакомство с художниками разных направлений, особенно с Писсарро, все больше склоняли Мартина к импрессионизму.

Он очень много времени проводил в Англии, Франции, Швейцарии. Любимым и последним местом в его жизни стала Венеция, которую он воспел в многочисленных картинах, получивших признание зрителей и критиков и имевших особенный успех в США, где находится большинство его работ того периода.

Теперь мы переходим к трем художникам, которые работали в основном в Испании и смогли передать ее образ, дух и ландшафты в своих картинах очень по-разному.

Лауреано Барро (Laureano Barrau) родился в буржуазной семье, учился в Школе изящных искусств в Барселоне, а после переезда в Мадрид изучал живопись по картинам великих мастеров в Прадо. Начав затем обучаться в Париже в Художественной Академии у знаменитого Жерома, он спустя два года получил Римскую премию (Prix de Rome) в Барселоне. Она дала ему возможность продолжить изучение теперь уже великих итальянских мастеров.

Лауреано приобрел известность и награды в главных городах Европы и уже с 28 лет участвовал в выставках Парижского салона изящных искусств. В 47 лет Барро поселился с семьей на острове Ибица, очарованный его красотой. Там он написал свои лучшие работы, наполненные светом и цветом, и остался в этом месте до конца жизни.

Там же после его смерти жена открывала в 1963 году рядом со старой четырехсотлетней церковью музей, в котором хранится около 200 его картин. Эти работы прекрасны, эмоциональны, радостны, пронизаны светом и лучше всего соответствуют понятию «импрессионистский стиль».

Дарио де Региос и Валдес (Darío de Regoyos y Valdés) родился в Барселоне в семье известного архитектора, детство провел в Мадриде, был учеником Карлоса де Хаса в Академии Сан-Фернандо. В 1879 году по совету своего учителя Дарио отправился в Бельгию изучать европейское искусство. Там он поступил в Королевскую школу изящных искусств Брюсселя, участвовал в создании нескольких художественных кружков (например, «Десять»), проводил выставки и концерты, все больше отходил от натурализма, с которого начинал, а также выступал с антиакадемическими заявлениями.

В 1883 году вместе с друзьями-художниками он совершил большое турне по Марокко и Испании, восхищаясь природой, и вскоре поселился там, продолжая свои путешествия по Европе. Большое влияние оказали на него работы Сера, Синьяка и Писсарро, что можно увидеть в картинах того периода, носящих характерные признаки пуантилизма.

Большая часть его работ написана на пленэре и посвящена природе Испании. Она изображается в ярких сине-фиолетовых и зеленых тонах, а здания часто окрашены в розовые и желтые цвета рядом с ультрамариновой сверкающей водой. Художник не был избалован славой при жизни. После его смерти была проведена большая ретроспективная выставка, а сегодня его картины есть не только в музеях Испании, Европы и США.

vanatik05

vanatik05 (Nataly)

«Сколько же полотен
Этих светогамм!
Благодарна, Господи!
Только б свет звучал.
Как палитра многогранна
Звукополотна!
Цветовые звукопятна,
Все звукотона. «

ХОАКИН ТУРИНА

Мы уже говорили раньше о немецком, американском и итальянском направлениях импрессионизма, каждый из них, родившийся от французского, имел свои особенности, вспомните социальную и политическую направленность итальянских сюжетов или характерную немецкую экспрессивность. Пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников, многие из них долгие годы жили и работали в Париже, в отличие от итальянцев они много путешествовали, разнообразная природа Испании привлекала их своими пейзажами, стиль многих из них был более размашистым, они использовали более интенсивный цвет, чем французы, любили яркий белый, насыщенный красный, «вибрирующие» поверхности, «искры» на воде, солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах «отражался воздух Испании».

.

Большая заслуга в этом принадлежит не только великим предшественникам импрессионистов, например Веласкесу, но и их современнику и учителю бельгийского происхождения, большую часть жизни прожившему в Испании — CARLOS DE HAES (1826-1898). Его называли «первооткрывателем испанского ландшафта» и проводником идеи работы на пленэре.

Одним из первых его учеников был Мартин Рико (1833-1908), родившийся в артистической семье, получивший первоначальное художественное образование в Школе изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился у своего брата Бернардо и работал как рисовальщик и гравер. Мартин начинал как последователь Барбизонской школы и Тернера, под влиянием его работ пейзажи Рико становятся более «очеловеченными»,

а его путешествия по Европе, знакомство с художниками разных направлений, особенно с Писсарро, все больше склоняют его к импрессионизму. Он очень много времени проводит в Англии, Франции, Швейцарии.

Любимым и последним местом в его жизни становится Венеция, которую он воспел в многочисленных картинах,

получивших признание зрителей и критики, и имевших особенный успех в США, где находится большинство его работ того периода.

Читать еще:  Железнодорожные картины. Christopher Jenkins

Ignacio Pinazo Camarlench (1849 — 1916), один из самых известных художников Валенсии, родился в бедной семье и вынужден был с раннего возраста зарабатывать на жизнь укладчиком декоративной плитки и ювелирными работами по серебру. После смерти родителей он жил с дедушкой и бабушкой, страсть к рисованию привела его в Художественную академию Сан-Карлос в Валенсии, он обеспечивал свое существование в это время изготовлением шляп. Первый успех пришел к нему в возрасте 21 года на Национальной выставке в Барселоне.

После пятилетнего пребывания в Италии Игнасио вернулся на родину, резко изменив свои пристрастия: вместо обычных для него исторических тем он перешел к семейным сюжетам, сценам из повседневной жизни и обнаженной натуре.

Это было уже началом более интимного импрессионистского направления не только по сюжетам, но и по более живому, рыхлому стилю, использованию пленэра, хотя у него все еще преобладали более темные краски, характерные для классической испанской живописи.

Луис Хименес Аранда (1845 — 1928), родился в Севилье, в семье художников и первые навыки рисования получил у своего брата Хосе, а затем продолжил свое образование в Академии искусств Севильи. После завершения учебы, он переехал в Мадрид, где в течение непродолжительного периода жил и знакомился с творчеством испанских мастеров в музее Прадо.

В 1867 году он отправился в Рим для дальнейшего изучения живописи, написав несколько картин, имевших успех на мадридских выставках. В Италии он находит свой стиль и темы, рисуя бытовые сцены в элегантных интерьерах и садах 18-го века.

В 1874 году Хименес впервые приезжает в Париж, чтобы заключить контракт с артдилерами на продажу своих картин. В 1876 Луис поселился в Париже, и уже в следующем году начинает выставляться в Парижском Салоне, пользуясь репутацией мастера, сильного в характеристике изображаемых лиц и происшествий, блестящего в колорите и виртуозно владеющего кистью.

С 1890 года Хименес, благодаря знакомству со многими парижскими художниками и увлечению творчеством Сорольи, заинтересовался передачей света и «воздуха» в работах импрессионистов, что и привело его окончательно в их лагерь.

Теперь я перехожу к трем художникам, которые работали в основном в Испании и смогли передать ее образ, ее дух, ее ландшафты в своих картинах очень по-разному, но ярче всех представляли своими работами импрессионистское направление в испанской живописи того времени. Это художники Beruete, Sorolla и Regoyos.

Laureano Barrau (1863 — 1957), родился в буржуазной семье, учился в Школе изящных искусств в Барселоне, а после переезда в Мадрид изучал живопись по картинам великих мастеров в Прадо. Начав затем учиться в Париже в Художественной Академии у знаменитого Жерома, он уже спустя два года получает Римскую премию в Барселоне, давшую ему возможность продолжить изучение теперь уже великих итальянских мастеров.

Он приобретает известность и награды в главных городах Европы и уже с 28 лет участвует в выставках Парижского Салона изящных искусств.

В 47 лет Барро поселяется с семьей на острове Ибица, очарованный его красотой, он пишет там свои лучшие работы, наполненные светом и цветом, и остается там до конца жизни.

Там же после его смерти жена открывает в 1963 году рядом со старой четырехсотлетней церковью музей, в котором хранится около 200 его картин.

На мой взгляд, его работы прекрасны, эмоциональны, радостны, пронизаны светом и лучше всего соответствуют понятию «импрессионистский стиль».

Joaquín Sorolla y Bastida (1863 — 1923) родился в Валенсии в семье торговца. Уже через 2 года он и его младшая сестра остались сиротами после смерти родителей, вероятно, от холеры, и их воспитывали родственники матери. С 9 лет у Хоакина проявились художественные наклонности и он начинает получать образование сначала в своем городе, а 18 лет оправляется в Мадрид изучать наследие великих испанцев в Прадо.

После службы в армии, благодаря полученному гранту, он в течение четырех лет учится живописи в Испанской академии в Риме, ненадолго едет в Париж, где происходит его первое знакомство с современной французской живописью.

В 1988 году Соролья возвращается в Валенсию, женится, у него рождаются один за другим трое детей, а в 1985 году вся семья переезжает в Мадрид, где он увлечен написанием больших полотен на исторические и мифологические темы, успешно участвует в выставках в Мадриде, Европе и США.

Вскоре он становится признанным главой современной испанской школы живописи, выставляется в Париже на Всемирной выставке, за участие в которой награждается почетной медалью и орденом Почетного легиона, становится членом сразу трех академий — Парижа, Лиссабона и родной Валенсии.

Участие Сорольи в 1906 году в большой выставке (около 500 его работ) в Париже, принесло ему звание «Офицера ордена Почетного легиона». В 1911 году он начал большую серию картин об Испании по контракту с американским магнатом и меценатом Хангтингтоном. В этих работах, которые были закончены в 1919 году, с любовью и вдохновением представлена жизнь и природа испанских провинций.

Три последних года жизни художник был парализован после инсульта, случившего у него во время работы в саду за мольбертом. Он оставил после себя свыше двух тысяч произведений, все оставшиеся работы вдова передала в дар Испанской республике, и они составили основную коллекцию Музея Сорольи в его доме в Мадриде.

О третьем художнике из триумвирата наиболее знаменитых, Darío de Regoyos, и о современных испанских импрессионистах я расскажу во второй части.
Как всегда,предлагаю посмотреть слайдшоу, в котором в три раза больше репродукций и музыка Мануэля де Фальи.

Фотограф Carlos Martin

— Por desgracia rara vez salgo bien en una fotografía, al menos eso es lo que ven mis ojos.

— Как вы попали в индустрию фотографии?

— Dentro de la fotografía he hecho un poco de todo, pero hasta que no hice mi primera boda, no me di cuenta de cuanto me apasionaba la fotografía de bodas.

Читать еще:  Искусство о красоте жизни. Jill Hudson

— Как вы считаете, какие самые важные составляющие хорошей фотографии?

— En una fotografía de bodas lo más importante, al menos para mi, es que al verla te evoque sentimientos, que la fotografía hable por si sola, captando momentos con naturalidad.

— Me encanta! no puede haber nada más bonito que conocer mundo, otros lugares, otras culturas, otras gentes.

— Что в вашей профессии вам нравится больше всего?

— La verdad es que me gusta todo, pero si tuviese que destacar algo, algún momento, es a la hora de entregar un reportaje, ya que ese primer momento en el que la pareja ve su reportaje, es fantástico y no hay nada más satisfactorio que un trabajo bien hecho y haber podido ser participe de un momento tan especial que quedará grabado para siempre.

— Что в вашей профессии вам нравится меньше всего?

— Nunca me lo he planteado, ya que tengo la suerte de haber hecho de lo que más me apasiona mi profesión.

— Каким вы видите будущее фотографии?

— Yo creo que se está avanzando hacia un tipo de fotografía más natural, menos artificial y con menos posados.

— Что делает жанр фотографии, в котором вы снимаете, особенным?

— Los momentos que compartes con la pareja, ya que eres partícipe e inmortalizas un momento irrepetible y especial en la vida de una pareja.

— Как вы относитесь к критике?

— Como yo siempre digo, de las criticas, siempre que sean constructivas, se aprende.

— Есть ли в фотографии своя мода?

— Pienso que la tendencia que está más de moda en el mundo de las fotografías de boda es la naturalidad, es decir, captar los momentos tal y como son, huyendo de lo artificial y de los posados.

— По каким критериям клиенты должны выбирать своего фотографа?

— Pues aunque resulte obvio, buscar un fotógrafo cuyo estilo se adapte a sus gustos, es decir, que amen el tipo de fotografía que realiza. ¿y por que digo esto? porque hay parejas que lo primero que buscan y en lo primero que se fijan es en los precios y bajo mi opinión creo que es un gran error.

— Что обычные люди упускают из виду, в то время как фотограф может увидеть?

— Esos pequeño detalles que para la mayoría de la gente pasan desapercibidos.

— Что вы хотите донести до людей с помощью фотографии?

— Contar historias, las historias de amor de las parejas que confían en mi, narrar ese día tan especial que perdurará en su vida para siempre.

«Голубой период» Пикассо и трагическое событие, послужившее ему началом

В творчестве испанского художника, неутомимого новатора и экспериментатора Пабло Пикассо выделяется его так называемый «голубой период». Который, кстати говоря, мне особенно по душе.

Главный шедевр «голубого периода» картина «Жизнь».

Символическое наполнение картины делает ее невероятно загадочной. Карлос Касагемас, изображенный с прижавшейся к нему любовницей, главный герой «голубого периода» Пикассо. Что означает присутствие старой женщины с новорожденным младенцем, закутанным в складки ее покаянной ризы? Возможно это образ матери друга художника, которая была уже мертва в момент трагических событий. Ее взгляд сурово смотрит на пару, в то время как Касагемас с выражением вины и отчаяния указывает пальцем в небо в знак предопределенности своей судьбы. Между двумя противостоящими фигурами расположены две композиции, символизирующие печаль и боль. Одна из них напоминает работы Гогена, другая — Ван Гога.

Карлос Касагемас — друг Пикассо, с которым они познакомились и были практически неразлучны в период, когда в 1899 году Пикассо (за три года до смерти Карлоса) вернулся из Мадрида в Барселону.

* Карлос Касагемас, безответно влюбленный в их общую приятельницу Жермен Гаргалло, заканчивает жизнь самоубийством. Собрав в кафе компанию друзей, он выстреливает сначала в Жермен и, будучи уверенным, что убил ее, стреляет в себя. Жермен осталась жива, ранение Карлоса оказалось смертельным.

Пикассо был настолько шокирован смертью друга, чувствуя в этом и свою вину. Зная о невменяемости Касагемаса, он не смог предотвратить необратимость событий. После трагической кончины Касагемаса в 1901 году, Пабло Пикассо посвящает умершему другу несколько картин.

С 1901 года творчество Пабло Пикассо на фоне смерти друга окрашивается в голубые тона. Художник посвящает свое творчество теме людской немощи, страданиям и боли. Словно пытаясь отыскать через картины несуществующие ответы на земные вопросы.

Так на картине «Две сестры» Пикассо изобразил вместе монахиню и шлюху. Это мирской аналог посещения Девой Марией Святой Елизаветы, построенный на строгой симметрии форм.

«Старый еврей с мальчиком», «Слепой» и «Старый гитарист» — воплощение немощи у Пабло Пикассо.

Скорченный силуэт старого еврея, вылепленный игрой света, подчеркивает каждую вену на теле, каждую косточку под его кожей (1). Страдания старого гитариста передаются в изломанных линиях его истощенного тела (2). Сила слепого заключается в его огромной руке, которая словно ветвь сухого дерева, ищет кувшин (3).

Драматическая кульминацией «голубого периода» Пабло Пикассо является портрет одноглазой Селестины. Один из самых известных персонажей испанского театра, созданный Фернандо де Рохасом.

Лицо Селестины завораживает реализмом, совершенно не скрывающим физический недостаток — бельмо на глазу и ужасную алчность во взляде.

Портрет «Женщины с бельмом» становится одной из последних работ «голубого периода» Пикассо, закончившегося в марте 1904 года.

Посмотреть картины Пабло Пикассо, представленные в статье, можно в Музее художника в Барселоне.

*Текст блога авторский. Копирование материала без разрешения запрещено.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector