Изобразительное искусство в пастели. Ewelina Ladzinska

Изобразительное искусство в пастели. Ewelina Ladzinska

Слишком откровенные классические картины, способные смутить кого угодно

Мы привыкли обвинять современное искусство в безыдейности и склонности к порнографии. Но так ли невинные старые классические картины, милые сердцу эстетам и ценителям целомудрия? При детальном рассмотрении среди полотен известных гениев живописи можно найти шедевры с откровенными сюжетами, способными заставить краснеть современных, видавших виды ценителей «клубнички». (Осторожно! Обнаженная натура).

«Леда и лебедь»

Если говорить о наиболее нескромном классическом сюжете, то заслуженную пальму первенства получит античная история о близости бога Зевса и прекрасной Леды. Согласно легенде, житель Олимпа явился к девушке инкогнито, в облике лебедя, но тем не менее умудрился вступить с ней в связь и даже завести потомство.

Ранее предложил свое видение ситуации великий Микеланджело, который хоть и избежал излишней детализации, но все же не смог удержаться и изобразил пару прямо во время противоестественного межвидового соития.

На фоне всего этого картина Леонардо да Винчи кажется просто иллюстрацией к сказкам Пушкина для школьников младших классов. На его полотне все уже свершилось и Леда со скучающим лицом наблюдает, как из снесенных ею яиц вылупляются вполне здоровые годовалые малыши.

Нам эта идиллическая сцена кажется вполне приличной, но так было не всегда. Картины мастеров эпохи Возрождения были уничтожены в начале XVIII столетия престарелой фавориткой Людовика XIV маркизой де Ментенон как неприличные. Сегодня мы можем видеть весь этот разврат только благодаря поздним копиям.

«Брошенная кукла»

Французская художница Сюзанна Валадон творила в начале XX века. Она известна как автор множества замечательных картин, в основном воспевающих красоту женского тела в самых рядовых жизненных ситуациях. Несмотря на обилие обнаженных тел на полотнах художницы, лишь одно из творений Валадон вызывает у моралистов серьезные споры.

Картина «Брошенная кукла» в наши дни могла бы принести автору серьезные проблемы с педофилоборцами, но Валадон посчастливилось умереть в 1938 году, благодаря чему мы можем считать ее творение классикой. На картине изображена обнаженной совсем юная особа с начавшей формироваться грудью и детской прической с бантом.

История не сохранила для потомков описание этого полотна, но принято считать, что на нем изображено прощание с детством. Женщина с полотенцем, скорее всего, содержательница борделя, а ребенка готовят к встрече с первым в жизни клиентом. Название картине дала валяющаяся на полу кукла, очевидно, символизирующая сломанную судьбу. Впрочем, есть добряки, которые утверждают, что изображена мать, вытирающая дочь-подростка после купания.

«Похищение дочерей Левкиппа»

Великий голландец Питер Пауль Рубенс, известный своими прекрасными полотнами с тяжеловесными красавицами, в 1618 году представил зрителям свое «Похищение дочерей Левкиппа». На первый взгляд, между героями картины происходит удалая потасовка без всякого сексуального подтекста.

Но для тех, кто знаком с греческим мифом о братьях Диоскурах, совершенно очевидно, что раздетым блондинкам вовсе не до шуток. Второе название шедевра «Изнасилование дочерей Левкиппа» точнее отображает действие на картине.

В античной истории сыновья Зевса и Леды (смотри историю их странного рождения выше) , Кастор и Поллукс , похитили дочерей царя Левкиппа Гилаиру и Фебу и по старой доброй традиции, завещанной отцом, надругались над ними. Закончилось все вроде плохо — все умерли.

«Монах в кукурузном поле»

Если от Рубенса и Буше можно ожидать чего угодно, то сдержанный и склонный к религиозным сюжетам Рембрандт удивил. Хотя, в принципе, его небольшой, но мастерски выполненный рисунок «Монах в кукурузном поле» все же перекликается с духовной тематикой.

В центре композиции изображены католический монах и некая дама, предающиеся греху в миссионерской позе где-то среди сельскохозяйственных угодий. Пикантность сюжета даже не в том, что монах нарушает свой обет целомудрия, а в приближающемся слева человеке с серпом, благодаря которому вечер вот-вот перестанет быть томным.

«Неосторожность Кандавла»

Картина Уильяма Этти, носящая скромное нейтральное название, «Неосторожность Кандавла», изображает совершенно неприличную историю из « Истории» Геродота. Полное название этого полотна, написанного в 1830 году, раскрывает всю неоднозначность изображенной на ней сцены: «Кандавл , царь Лидии , украдкой показывает свою жену Гигу одному из своих слуг , когда она ложится в кровать».

Сложно сказать, почему «отец истории» решил описать эту полупорнографическую историю в своем труде, но благодаря ей мы получили трудно выговариваемый даже опытными сексопатологами термин кандаулезизм. Суть этой сексуальной девиации заключается в потребности демонстрировать своего обнаженного партнера посторонним людям.

Именно такой момент изображен Этти на картине. Царь Кандавл решил тайком показать свою супругу Нису телохранителю Гигу, но его замысел был раскрыт женщиной. Ниса потребовала у Гига, чтобы тот убил или ее, или мужа-извращенца, после чего Кандавла цинично зарезали прямо в его спальне.

«Авиньонские девицы»

С полотна «Авиньонские девицы » гениальный художник Пабло Пикассо начинает свой переход к кубизму. Известно, что на создание картины художника вдохновил Поль Сезанн своей работой « Купальщицы». Изначально Пикассо назвал картину «Философский бордель» и многие считают, что на ней маэстро изобразил сценку из публичного дома в барселонском Готическом квартале.

Картина изображает пятерых обнаженных дам, которые в развязных позах ожидают своих клиентов. Мы долго думали о том, стоит ли включать эту работу в список пикантных полотен. Проще говоря, если изображенные на полотне геометрические распутницы будят в вас нескромные фантазии, то у нас для вас плохие новости. Но слова из песни не выбросишь и сюжет картины, для 1907 года, все же очень вызывающий.

«Арабский рынок наложниц»

Отличная картина французского классика живописи Жана-Леона Жерома, написанная в 1866 году, изображает сцену на восточном невольничьем рынке. Группа мужчин в богатых одеждах прицениваются к обнаженной рабыне, проверяя, судя по всему, правильность ее прикуса.

Сам Жером, вне всякого сомнения, знал толк в невольничьих рынках и их завсегдатаях, так как обожал Восток и не раз путешествовал в тех краях в поисках вдохновения. Современники находили «Арабский рынок невольниц » очень вызывающей работой и называли картину гимном похотливого доминирования мужчины над женщиной.

«Великий мастурбатор»

Великий сюрреалист Сальвадор Дали обожал неприличные картины и от его эротоманства нас спасает лишь манера написания его картин, знатно искажающая сюжет. Вот и с работой «Великий мастурбатор » не все так однозначно. Более того, если бы не название, никто бы и не понял о чем эта прекрасная картина.

Читать еще:  Дыхание романтика. Vicente Penarroja Aparici

Но, как бы там ни было, явно выраженный сексуальный подтекст в этом полотне есть. Лицо женщины в правой части картины, почти упирающееся в мужской гульфик, раздражало современников Дали и вызывало даже осуждение. Хорошо никто не знает, что изобразил мастер сюрреализма в центре полотна — возможно, там творится самый разнузданный разврат.

«Происхождение мира»

Созданная в 1866 году Гюставом Курбе картина с незамысловатым бытовым сюжетом не выставлялась более 130-ти лет из-за излишней анатомической достоверности. Более того, даже сейчас, когда удивить посетителей музея, в принципе, сложно, к этой картине приставлен отдельный охранник.

В 2013 году в СМИ появилось радостное известие — была найдена вторая часть картины, на которой видно лицо натурщицы. Тщательное изучение биографии автора и его ближайшего окружения позволило выяснить личность дамы. Так, небритая промежность оказалась собственностью Джоанны Хиффернан, любовницы одного из лучших учеников Курбе, Джеймса Уистлера. Вот такая вот трогательная история воссоединения.

Это далеко не единственные в истории живописи работы с ярким сексуальным подтекстом — во все времена классики любили завернуть что-нибудь эдакое, вполне в духе нашего раскрепощенного времени.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Обнаженная натура в советском изобразительном искусстве. Часть II. 1930-1949

1930-40-е годы — период торжества соцреализма. Хотя существовали и другие направления. Основными темами при изображении обнаженной натуры оставались «натурщицы в студии» и водные процедуры — пляжи, купания и баня. Кроме как в студии — ради искусства, при гигиеническом омовении и оздоровительном принятии солнечных ванн советскому человеку, конечно же, негоже было щеголять нагишом.

Итак, начнем с купальщиц.
К.Сомов. «Купальщицы на солнце», 1930.

В Коваленко, «На пляже», 1930.

А теперь переместимся в студии художников.
Картина В.Буковецкого так и называется — «В студии». 1930 год.

Петр Кончаловский. «Натурщица» (этюд). 1930.

Иногда модели не выдерживали, да и засыпали. Н.Тырса. «Спящая модель», 1930.

Эта, похоже еще не заснула. Но на грани. Николай Мако, «Лежащая обнаженная», 1930.

Г.Горелов. «Обнаженная со спины», 1930.

Александр Самохвалов. «Девочка с полотенцем», 1930. Картинка безобиднейшая, но сейчас, боюсь, бедного художника чёрт те в чем бы обвинили.

Юрий Анненком в 1930 году написал картину к 10-летию смерти Амедео Модильяни. «Памяти Модильяни».

Владимир Лебедев, «Обнаженная», 1932.

И еще одна картина того же художника, того же года и с тем же названием.

Помимо студийных и водных сюжетов, стали появляться изображения жанра «ню», с тематикой «утро». Это направление особо станет популярным позже, начиная с послевоенных лет.
К.Сомов, «Летнее утро», 1932.

Александр Дейнека, куда же без него. «Купающиеся девушки», 1932.

А.Дейнека, «Полдень», 1932.

И опять — «Утро». Александр наш Дейнека, 1933 год.

Иногда художники рисовали мужскую натуру. П.Кончаловский. «Ученики в мастерской», 1932. Интересно там у них занятия проходили. Но тогда люди были неиспорченными, и ничего такого никому и в голову не придти не могло.

Но все же художники предпочитали натуру женскую. Г.Горелов. «Лежащая девушка», 1934.

А вот тут соцреализм и не ночевал. Давид Бурлюк, «Обнаженная», 1933.

Ф.Антонов, «На солнце», 1934.

Игорь Грабарь, «Флора», 1934.

А.Самохвалов, «После кросса», 1935. Спортсменка, и наверняка — комсомолка.

В.Тихов. «Купальщицы», 1935.

Б.Яковлев. «Девочка на камне», 1936.

Картина Вл.Пебедева с неожиданным названием «Кассирша», 1936.

А через год художник рисует ту же кассиршу, но уже с названием «Женщина со скрещенными руками».

Иван Астахов, «Модель», 1937.

Николай Тырса, «Сидящая модель», 1937.

Художница Татьяна Маврина явно отошла от принципов соцреализма и подверглась чуждым влияниям. «Обнаженные с синим чайником», 1936.

Ее же, «Портрет Ольги Гильдебрант», 1937. Ничего так портретик, да?

Ольга Амосова-Бунак, «Одуванчик», 1939.

И опять водно-помывочные дела. Н.Богданов-Бельский, «Перетягивание каната», 1939.

Александр Герасимов, по всей видимости, был любителем бани. Особенно женской. «В бане», 1940.

Его же «Баня», датированная как-то странно: 1938-1956.

В.Дрезнина, «Отдых на берегу», 1940.

С.Луппов, «Три грации», 1940.

И снова Александр Дейнека, «Бегущие девушки», 1941.

Аркадий Пластов, «Трактористки», 1942. Мужчины воевали, а женщины осваивали совсем не женские профессии.

В студиях художников, несмотря на тревожные предвоенные годы, жизнь не затухала. Александр Лабас, «Обнаженная перед зеркалом», 1940.

Константин Вещилов, «Женский портрет», 1940.

Николай Денисовский, «Обнаженная с веером», 1940.

Сергей Герасимов, «Натурщица», 1940.

А это уже послевоенное время.
Юрий Пименов, «Утро», 1946.

Г.Шегаль, «Натурщица», 1947.

О.Кулагина, «Натурщица в студии», 1948.

Евг.Кацман, «Обнаженная», 1949.

Мих.Баранчеев, «Утро», 1949.

Завершаю подборку картиной Александра Герасимова «Русская баня», которую иногда датируют 1949, а иногда 1950 годом. Но поскольку выше уже есть картины этого художника на банную тему, отнесем и эту к 1940-м годам.

Оригинал взят у catrina_burana в Обнаженная натура в советском изобразительном искусстве. Часть II. 1930-1949

Женщина за мольбертом: 20 художниц XVI — XIX века, получивших мировое признание

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Впервые начали появляться полотна, подписанные женскими именами, лишь в эпоху Ренессанса. Но, чтобы добиться полного равноправия и признания в изобразительном искусстве понадобилось еще пятьсот лет. Лишь к началу 19 века женщины у мольберта заняли свое достойную страницу в истории мирового искусства.

Потрясающие портреты Розальбы Карреры, изысканные полотна Мари Виже-Лебрен, поэтичные образы Анжелики Кауфман принесли художницам мировую славу и уважение. Берта Моризо и Сюзанна Валадон своими мастерски написанными полотнами доказали, что они не только модели, вдохновлявшие великих импрессионистов Огюста Ренуара и Клода Моне, но и сами талантливейшие художницы.

История искусства и по сей день не особо благосклонна к женщинам-художницам. Однако достойных женских имен равнозначных мужским известным именам в области живописи не так уж и мало, как кажется на первый взгляд.

Катарина ван Хемессен (1528 —1587)

Caterina van Hemessen — дочь и ученица нидерландского художника Яна ван Хемессена. Была придворной художницей королевы Марии Австрийской.

Читать еще:  Женская вселенная. Aldina Mateus

Софонисба Ангиссола (1532-1625)

Sofonisba Anguissola — испанская художница, которая была придворным живописцем короля Испании. Ее кисти принадлежат множество портретов членов королевской семьи и аристократов. Ее две сестры, также были художницами.

Лавиния Фонтана (1552—1614)

Lavinia Fontana — итальянская художница болонской школы.

Артемизия Джентилески (1593-1653)

Имя Artemisia Gentileschi — символ борьбы женщины за право быть художником в Италии. В 17 веке ей удалось стать первой женщиной, которую приняли в старейшую в Европе Академию изящных искусств во Флоренции.

Дочь художника — Орацио Джентилески, была в тематике и стилизации последовательницей Караваджо. Ее живопись стала отражением личной драмы, так как ей пришлось пережить позорный судебный процесс, связанный с сексуальным насилием. Поэтому основной темой ее творчества была женская способность отстаивать собственное достоинство.

Мария ван Остервейк (1630-1693)

Анна Васер (1678–1714)

Anna Waser — швейцарская художница и гравер.

Розальба Каррера (1675— 1757)

Rosalba Carriera — итальянская художница и миниатюристка Венецианской школы, одна из основных представителей стиля рококо в искусстве Италии и Франции.

Ангелика Кауфман (1741-1807)

Немецкая художница, дочь живописца Angelica Katharina Kauffmann вошла в число основателей британской Королевской академии художеств и на протяжении последующих полутора веков, она и Мэри Мозер — художница из Швейцарии, были единственными женщинами, получившими в ней членство.

Ангелика Кауфман удалось достичь мастерства в одном из самых традиционно «мужских» художественных жанров — исторической живописи — и стать признанным мастером классицизма.

Элизабет Виже-Лебрен (1755—1842)

Еlisabeth-Louise Vigеe-Le Brun — французская художница, мастер портретного жанра, представительница сентиментального направления в классицизме.

Талантливейшая французская портретистка Мари Элизабет Луиза Виже-Лебрён пользовалась огромной популярностью среди знатных заказчиков. Она настолько была востребована, что с 15-летнего возраста могла на заработанные деньги обеспечивать себя и содержать овдовевшую мать и младшего брата.

Сентиментальный жанр позволял художнице изображать портретируемых в весьма выгодных позах и элегантных одеждах, поэтому Луиза Виже-Лебрён пользовалась любовью среди французской аристократии и членов монарших семей.

Она написала один из первых портретов молодой Марии-Антуанетты, а позже став ее придворной художницей создаст еще около 30 ее портретов. В годы французской революции Луизе Виже-Лебрён пришлось покинуть Францию и отправиться в путешествие по миру. Шесть лет она жила и в России. Была знакома с императрицей Екатериной II, с которой задумала написать портрет. Однако не успела — императрица умерла, еще не начав позировать.

Маргерит Жерар (1761 —1837)

Marguerite Gеrard — французская художница, ученица Фрагонара.

Мария Башкирцева (1858-1884)

Башкирцева Мария Константиновна — уроженка села Гавронцы Полтавской губернии, большую часть прожившая во Франции, считала себя русской писательницей и художницей. Умерла в 26 лет от туберкулеза.

Мари Виктория Лемон (1754-1820)

Мари Виктория Лемон — французская художница, принимавшая участие в художественных салонах.

Мари Габриэль Капет (1761–1818)

Marie-Gabrielle Capet окончила Королевскую Академию Искусств в Париже в то время, когда в учебном заведении разрешалось учиться лишь четырем женщинам одновременно. Была талантливой портретисткой, мастерски писала акварелью, маслом и пастелью. Принимала участие в художественных выставках и салонах.

Аделаида Лабиль-Жиар (Винсент) (1749-1803)

Adеlaide Labille-Guiard — французская художница-портретист, основательница первой Парижской женской школы живописи.

Анна Валлайе-Костер (1744-1818).

Анна Валлайе-Костер — французская художница, дочь королевского ювелира, любимица королевы Марии-Антуанетты.

Мари-Элизабет Каве (1809-1882)

Так же известна под именем Eliza Blavot — французская художница, писательница и преподавательница искусств.

Элиза Кунис (1812-1847)

Elisa Counis — итальянская художница.

Каролина фон дер Эмдбе (1812-1904)

Caroline von der Embde — немецкая художница.

Роза Бонёр (1822—1899)

Rosa Bonheur — французская художница-анималист.

Софья Васильевна Сухово-Кобылина (1825—1867)

Софья Васильевна Сухово-Кобылина — русская художница ставшая первой женщиной, окончившей Академию художеств с золотой медалью.

Этот список можно продолжить и далее перечислять имена и достижения художниц с мировыми именами, жившими и творившими в 20 веке. Это и Тамара де Лемпицки с ее эффектными произведениями, Фрида Кало с пронзительными картинами. А также воодушевляться, испытав настоящий восторг, при виде работ русских художниц Зинаиды Серебряковой и Александры Экстер.

Однако мужчины-художники по-прежнему норовят принизить роль женщин в истории искусства и поддерживают миф, что они плохие художники: «Даже если в занятиях живописью в художественной академии более 90 процентов составляют женщины, это факт, что очень немногим из них удастся стать по-настоящему мощными художниками»,- заявил Георг Базелиц — известный немецкий художник.

Талантливым просвещенным женщинам во все времена приходилось нелегко. Многим приходилось отказываться от семейных уз ради своего творчества, оставаясь при этомстарыми девами.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Г. Вельфлин «Основные понятия истории искусств». Глава 1. Линейность и Живописность

1. Общие значения
Характер линий может указать на различие не только личностей, но и целых эпох. Западная живопись в XVI была линейной, но к XVII развилась в живописную. Произошла перемена в зрительных навыках, в способах видеть.
Живописный способ — позднейший и без линейного способа не существовал бы.
Линейный стиль — создал ценности, которыми не обладает стиль Живописный.

Это два мироздания, по разному ориентированных в смысле вкуса и интереса к миру, каждое из которых, способно дать законченную картину видимого.

Графический стиль видет в линиях
Живописный — в массах.

Видеть линейно — смысл и красота прежде всего в контурах ( и у внутренних формах есть свои контуры). Глаз движется вдоль границ и как бы ощупывает края предметов.

Дюрер — графичен, Рембрандт — живописен
Линия — путь взора и водительница глаза
По Иттену она может быть разная и иметь разный хар-р.:

  • Бурная
  • Нервная
  • Трепетная (дрожащая)
  • Длинная
  • Равномерная
  • Твердая
  • Извивающаяся
  • Вспыхивающая
  • Уверенная
  • Спокойная
  • Гладкая
  • Спокойно льющаяся

СВЕТ и ТЕНЬ в опреелении живописности и линейности.

Линейный рисунокнепрерывно бегущая линия, мы ее различаем, воспринимаем и она, как правило, «говорящая»: (бурная, вялая, и тд.). Может быть более ломаной, а может более округлой. Важны контуры! Ты как будто рукой можешь прощупать, как движется линия вдоль объектов. Края четко очерчены.
Обстоятельством, определяющим линейный характер стиля, является не наличность, вообще, линий, а впечатление, которое они производят, сила, с которой они принуждают глаз следовать за ними. Резко выраженное очерчивание формы делает ее (форму) неподвижной, так сказать утверждает явление.
В линейности изображения руководящее значение у края. Если оно отнимается и передается живописным массам, а края растушевываются, то мы можем уже больше говорить о живописности.
Яркие примеры можно найти в классическом искусстве. Где линейность, ясные, осязательные границы важны; каждая плоскость определенно очерчена. Здесь также важны пропорции, они идеальны и совершенны. Покой в движении – идеал классического искусства.
Живописный рисунок. Как только линия обесценена в своем качестве полагания границы, открываются живописные возможности. Картина внезапно как бы оживляется во всех своих частях таинственным движением.
То есть края затушевываются, теряют свое определяющее значение.
Живописное изображение сообщает явлению характер какого-то парения: форма начинает играть, свет и тени становятся самостоятельным элементом.
Видение в массах имеет место там, где внимание отвлекается от краев, где контур зрительного пути стал более или менее безразличен глазу, и основным элементом впечатления являются предметы как видимые счетлые и темные пятна. Важны не отдельные детали, а вся совокупность картины. Живописным называется все, что так или иначе связано с впечатлением подвижности.
В живописном стиле исключается прощупывание рукой контуров. Ты смотришь глазом, подобно ребенку, постепенно отвыкающему прикасаться к предметам при желании понять их, человечество также отвыкло оценивать произведение изобразительного искусства при помощи осязания. Выросшее искусство научилось отдаваться чистой видимости».
Предметы как видимые пятна. При этом безразлично, говорят ли такие пятна как краски или же только как светлости и темноты.
Искусство живописности — это барокко. Здесь появляются разные формы, фигуры становятся сложными, появляется движение, очень разное, все переплетается, нам сложно разобрать линию как таковую. Мы видим массу, часто бурлящую, не классически-спокойную, а в постоянном движении. Барокко дает не совершенное и законченное, а движущееся и становящееся, не ограниченное и объемлемое, а безграничное и необъятное. Идеальных пропорций нет, мы не исследуем вещь как таковую, важно движение, процесс. Мы мыслим массами в движении.

Читать еще:  Испанская художница и фотограф. Naiara Briones (фотограф)

Живописный силуэт никогда не может совпадать с формою предмета.
Линейное — передает вещи, как они есть, в то время как живописное — как они кажутся.


Дюрер или Кранах — ставит фигуру на черный фон. элементы различны: фон есть фон, фигура есть фигура.
Рембрандт — светлый фон тела как бы выростает из темноты. Буд-то все состоит из одного материала.

Важно:
— приписывается ли руководящее значение краям или оно у них отнимается. Края могут быть четко очерчены или затушеваны.
— Линейный рисунок — непрерывно бегущая линия. Живописность — неподчеркнутые границы, благоприятствующие связыванию. Важны не отдельные детали, а вся совокупность картины.
— Графический стиль видит в линиях, живописный в массах.
Видеть линейно — глаз движется вдоль границ и как бы ощупывает края предметов, между тем как видение в массах имеет место там, где внимание отвлекается от краев, где контур зрительного пути стал более или менее безразличен глазу, и основным элементом впечатления являются предметы как видимые пятна.
Линейное — передает вещи, как они есть, живописное — как они кажутся.
Линейный стиль — вы как бы можете пальцами ощупать тела и границы. Все тени тесно связаны с формой, что появляется осязательное ощущение от картины. Изображение и вещи тождественны.
Живописным называется все, что так или иначе связано с впечатлением подвижности. Осязсемые поверхности разрушены. Мы видим расположенные рядом несвязанные между собой пятна. Рисунок и форма перестают совпадать, передается только оптическое впечатление от вещи. Схвачено только явление дейчтвительности.

Изменение в искусстве веков.
В живписности светотень перестает нести функцию просто прояснения формы. Она больше не прилепляется к форме. Освещение становится живописным, оно разливается над формаой и затушевывает ее. Живописный силуэт не совпадает с формой предмета.
Искусство, как малые дети постепенно прекратило «прикасаться» линией к предметам чтобы понять их, выросшее искусство научилось отдаваться чистой видимости. Осязательный образ превартился в зрительный.
Барокко умножил богатство формы. Фигуры делаются более сложными, мотивы переплетаются друг с другом, порядок частей схватить труднее.
Классический вкус имеет дело с исключительно с линейными, ясными, осязательными границами; каждая плоскост определенно очерчена.

В классическом искусстве картина остается тою же, тогда как в послеклассическое искусство рождает иллюзию, будто она меняется под нашими взорами. Видимость тождествует над бытием.

Рококо — плоскость находится в непрестанном движении.

У Дюрера всюду границы, осязательные плоскости, изолированные предметы. Левая кулиса — мертвая оконница.

У Остаде все переход и движение. Все края нетверды, плоскости неосязательны, и свет свободно льется подобно потоку прорвавшему плотину. Оконница зажглась своеобразным мерцанием, потолок не гладкий и сомкнутый, но ветхий и очень сложный по форме, углы перестали быть отчетливыми и опрятными, но беспорядочно заставлены разной рухлядью.

Классика любит спокойные поверхности, а барокко — движущиеся.
Каждое возрождение классицизма, постоянно сопровождающееся защитой прав линии и осязательной объемности, считает своим долгом протестовать против вещественности.
Живописные фигуры никогда не бывают фигурами изолированными.

Бюсты
Бенедетто да Майяно. Весь образ вылился в отчетливый силуэт и каждая частная форма — рот, глаза, отдельные морщины — получила вполне уверенное, неподвижное, на впечатлении незыблеммости построенное, проявление.Плечи — спокойно льющаяся линия.

Бернини. На поверхности играют световые отблески, и форма теряется под ощупывающей рукой. Контур, благодаря своей подвижности всюду переплескивается через край. Все расчитано на впечатление непрестанного изменения. Барочные бюсты всегда требуют богатой драпировки. Впечатление подвижности лица нуждается в этой поддержке извне.
Пластические фигуры, изображающие человека во весь рост.

Якопо Сансовино. Силуэтное действие классического искусства.

Пюже. Характерное отрицание контура.

Вся классическая архитектура ищет красоты в сущем, барочная же красота есть красота движения.
Живописно компанованная мебель всегда требует воздуха: комод рококо нельзя приставить к любой стене, движение должно находить отзвук.

Рим. Церковь Андреа. Форма за формой, подобно отдельным волнам , принимают здесь такое непосредственное участие в волнении целого, что совершенно теряются в нем.

Вилла Корнаро. Архитектор Палладио. 30 км от Венеции. Италия.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector