Израильский поп-арт художник. Rina Mualem

Израильский поп-арт художник. Rina Mualem

направление

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ. Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 2704 дня].

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».

Марио Амайя (англ.)

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

5 художников поп-арта, повлиявших на моду

#Уорхол, #Лихтенштейн, #Харинг и другие

Воспев культуру массового потребления, поп-арт сам стал одним из наиболее цитируемых направлений в современной культуре. Мы выбрали 5 художников поп-арта, которые влияют на моду до сих пор

18 августа в штате Индиана откроется выставка «POPOP: поп- и оп-арт», которая продемонстрирует то, как «массовое» искусство повлияло на современную культуру и направления в живописи. А мы в этой связи решили вспомнить, какие художники направления поп-арт внесли важный вклад в развитие моды.

1. Энди Уорхол

Икона поп-арта, превращавший в произведение искусства в принципе любой продукт широкого потребления, не обошел вниманием и одежду. Знаменитое бумажное платье The Souper Dress, созданное по мотивам его работ с банками супа Campbell’s, положило начало долгой связи Уорхола и моды. Так, в той же коллекции, что и платье «Мондриан», Ив Сен-Лоран обратился к творчеству Энди, используя на трапециевидных платьях коллаж из его портретов. На этом влияние Уорхола на мир моды не закончилось. В 2013 году Dior выпускают коллекцию платьев и аксессуаров с эскизами обуви, сделанными Уорхолом, а Жан-Шарль де Кастельбажак создает ироничное платье с черно-белым портретом отца поп-арта и белым синтетическим мехом вместо волос.

2. Рой Лихтенштейн

По использованию мотивов картин в дизайне одежды и мебели Лихтенштейн занимает чуть ли не первое место. В 2011 году Lisa Perry выпустили коллекцию платьев, целиком посвященную картинам-комиксам знаменитого художника. Через год их примеру последовали Karla Spetic, а Markus Lupfer выпустили серию кашемировых свитеров с вышитыми пайетками надписями с картин Лихтенштейна. А уж количество пар обуви, созданной по работам художника, и вовсе не счесть: кроссовки Nike, туфли Charlotte Olympia, кеды Vans и Converse — найдется пара на любой вкус и стиль жизни.

3. Кит Харинг

Работы Харинга настолько плотно вошли в современную культуру, что в прошлом году универмаг Colette запустил pop-up-магазин, весь заполненный вещами, созданными под влиянием его творчества. Целая коллекция маек, аксессуаров и даже скейтборды пользовались огромной популярностью. Гвоздем модной программы тогда стало платье, придуманное Vivienne Westwood. Это не первый раз, когда модельеры обращаются к творчеству знаменитого ученика Уорхола: дизайнер обуви Николас Кирквуд уже создавал провокационную коллекцию туфель по мотивам работ Кита, впрочем, как и adidas, и даже Томми Хилфигер (дизайнер выпустил резиновые сапоги со знаменитыми человечками Харинга).

Читать еще:  Женщина художник. Chelsea Owens

4. Такаси Мураками

Один из самых успешных современных японских художников работает в очень близкой к поп-арту стилистике. Источник его вдохновения — культура манга и анимэ. Сам Мураками говорит, что «это более всего представляло современную жизнь Японии». Его интерес к моде как части современной поп-арт-культуры вылился в сотрудничество с Марком Джейкобсом для линии сумок и других предметов коллекции Louis Vuitton. В итоге бутики по всему миру превратились в сказочную «страну Мураками», населенную анимэ-персонажами и по-детски яркими цветами.

5. Яей Кусама

Дом Louis Vuitton вообще занимает первое место по количеству коллабораций с художниками поп-арта. Яей Кусама — японская художница, известная на весь мир своим узнаваемым рисунком в горошек, которым она заполняет комнаты, предметы и даже обнаженные тела своих ассистентов, не стала исключением. В 2012 году результат ее коллаборации с Louis Vuitton превратил бутики бренда в арт-инсталляции, а образ художницы послужил прототипом для манекенов витрин марки по всему миру. Сотрудничество с Кусама продолжило добрую традицию привлекать живописцев к работе над коллекциями Марка Джейкобса. До этого знаковые сумки уже превращались в произведения искусства с помощью Ричарда Принса и Стивена Спрауза.

Энди Уорхол — гений поп-арта

История искусства двадцатого века была бы скудной и неполной, не будь в ней имени Энди Уорхола (©Andy Warhol). Работы этого знаменитого художника, фотографа, дизайнера знакомы большинству наших современников, а его имя уже давно стало синонимом эпатажа и неординарности.

Энди Уорхол (настоящее имя — Эндрю Вархола) родился в 1928 году в США в семье эмигрантов-словаков. Свое имя получил в честь отца — Андрея, только в американизированной вариации. В жилах одного из самых знаменитых представителей современного искусства текла славянская кровь. Возможно, это сыграло определенную роль в формировании его своеобразного взгляда на жизнь и искусство, так эпатировавшего консервативную Америку.

Эндрю рос довольно слабым и болезненным мальчиком, часто пропускал школьные уроки, поэтому большую часть времени был предоставлен сам себе.

Уже в юном возрасте, будучи подростком, Эндрю проявлял большой интерес к изобразительному искусству и фотографии. В этот период он создал свои первые коллажи, для которых использовал газетные и журнальные вырезки с изображениями популярных звезд. С девятилетнего возраста начал посещать художественные кружки и уже тогда принял твердое решение связать свою дальнейшую судьбу с искусством.

Начало творческой деятельности

Студенческие годы Вархола провел в технологическом институте, изучая графический дизайн. Получение диплома в 1949 году стало отправной точкой для дальнейшей карьеры художника. Начинающий мастер без промедления перебрался в Нью-Йорк, который считал центром мировой творческой интеллигенции.

Начало профессиональной деятельности ознаменовалось знаковым событием — сменой имени. Именно тогда исчез провинциальный парнишка Эндрю Вархола, а на «сцене» появился Энди Уорхол. Его первая работа была связана с рекламным бизнесом. Молодой человек активно занимался разработкой иллюстраций для рекламных объявлений, вывесок, магазинных витрин и стендов. Достаточно быстро талантливый художник получил профессиональную известность и признание, с ним начали сотрудничать крупные компании и знаменитые бренды.

После того, как Уорхола пригласили поработать для таких модных гигантов как «Вог» и «Харперс Базар», его услуги стали пользоваться огромной популярностью.

Появление фирменного стиля

Уже в этот период Энди Уорхол активно работал над созданием своего особого «почерка», который вскоре сделал его творения необычными и хорошо узнаваемыми. Одна из фирменных фишек художника — использование трафаретной печати с множеством аналогичных фото.

Позднее Уорхол активно применяет эту методику для создания неординарных фотопортретов многих знаменитостей — от Мэрилин Монро до Мика Джаггера. Она позволяла создавать тиражированные произведения, делать искусство доступным и «ставить его на конвейер». Именно благодаря трафаретной шелкографии Уорхол начал свой путь в качестве главного создателя направления коммерческого поп-арта.

Консервная банка

К числу самых узнаваемых работ Энди относятся изображения знаменитых консервных банок, первой из которых стала этикетка томатного супа торговой марки Campbell.

Сначала эти изображения были рисованными, затем Уорхол начал использовать для их создания свою любимую трафаретную технологию.

Такой простой обыденный сюжет принес создателю неслыханную популярность. Стоили картины недорого. Сам Уорхол продавал растиражированные экземпляры всего по сто долларов. А вот после смерти художника одно из изображений консервной банки с его любимым супом было продано за 24 миллиона долларов, став одним из самых дорогих произведений современного искусства.

Фотоработы

Несмотря на огромную любовь Энди к фотоискусству и широкому использованию его методов в творческой деятельности, известность Уорхола-фотографа не столь велика, как в других сферах его деятельности.

Тем не менее, и в фотоискусстве Энди удалось добиться потрясающих успехов. Среди всех жанров фотографии он отдавал предпочтение портретной съемке.

Позировать Уорхолу почитали за честь многие всемирно известные личности — Майк Тайсон, Лайза Минелли, Джон Леннон, Рудольф Нуриев, Арнольд Шварценеггер и многие другие.

Читать еще:  Женщины в творчестве 16+ Jo King

Фирменный стиль фотопортретов Уорхола — акцент на лице крупным планом и преобладание нейтрального светлого фона. Энди не использовал никаких специфических методов или сложных приемов, но он настолько удачно умел «поймать» момент на фото, что никакие дополнительные изыски ему не были нужны.

Значительную денежную прибыль Уорхолу принесли фотосъемки в виде его фирменных фотоколлажей, самым известным из которых стал портрет Мэрилин Монро. Многие клиенты хотели получить собственное изображение в таком же стиле.

Автопортреты и не только

Оригинальная творческая натура Энди Уорхола нашла интересный способ самовыражения в создании фотографических автопортретов в гриме. Энди очень любил снимать себя в различных образах, зачастую — женских.

Художник скрупулезно подбирал макияж, парики, создавал разные прически, благодаря чему его портреты становились настоящей актерской игрой — он полностью перевоплощался.

Еще один пласт работ Уорхола как фотографа — пейзажная и предметная фотосъемка. Большинство этих работ мало известны широкой общественности, их редко показывают на выставках.

Но связано это отнюдь не с отсутствием фотографического таланта у Уорхола. Скорее наоборот: его творчество настолько обширно и многогранно, что требует длительного исследования и изучения.

Энди Уорхол умер в 1987 году. Но его популярность после смерти только возросла, имя художника и фотографа стало культовым. Сделав искусство доступным и понятным каждому, он сумел приобрести всемирную славу, навсегда закрепив за собой статус лидера поп-арта и искусства второй половины двадцатого столетия.

Видеоканал Фотогора

Альберто Варгас — художник, который сделал пин-ап трендом

Среди всех жанров современного изобразительного творчества пин-ап можно считать самым народным. Картины в плакатном стиле, с красивыми, нередко раздетыми девушками, не претендуют на звание высокого искусства, но при этом нравятся почти всем.

Но мало кто знает, что своей популярностью пин-ап во многом обязан Альберто Варгасу — художнику, которого сегодня считают классиком этого направления. (Осторожно! Обнаженная натура).

Хоакин Альберто Варгас-и-Чавес (исп. Joaquin Alberto Vargas y Chávez) родился 9 февраля 1896 года в Арекипе, Перу. Отец Хоакина — Макс Варгас, был известным в стране фотографом-портретистом, а на досуге снимал живописные горные пейзажи и немного рисовал.

Поэтому совсем неудивительно что юный Альберто с самых юных лет начал интересоваться живописью и фотографией. В 7 лет юный Варгас уже продавал местным газетам свои карикатуры, а в 10 ловко управлялся с отцовским фотооборудованием и сам делал отпечатки в домашней лаборатории.

Родители приветствовали увлечения сына и когда ему исполнилось 15 лет отправили его и младшего брата Макса учиться в Швейцарию. Макс посвятил себя изучению банковского дела, а Альберто, как и планировал, начал брать уроки фотомастерства. Глава семейства страстно желал, чтобы старший сын продолжил его дело и тот просто не мог разочаровать любимого отца.

Варгас за работой

Но Первая мировая война нарушила планы братьев и им пришлось возвращаться на родину, в Перу. Путь их лежал через Нью-Йорк, увидев который Альберто потерял голову. С этого момента жизнь Варгаса завертелась совсем не так, как хотела его семья, благодаря чему мы и знаем его как классика пин-апа.

Всего несколько дней понадобилось молодому фотографу, чтобы принять решение остаться в Америке и посвятить себя рисованию. Путь к успеху не был простым — первое время Альберто приходилось работать на киностудиях, рисуя декорации и афиши.

С тем периодом жизни и творчества художника связаны две самые известные его картины — портрет актрисы Олив Томас и афиша с полуобнаженной Зитой Йоган к кинокартине «Грех Норы Моран», вышедшей в 1933 году.

«Грех Норы Моран», 1933 год

Но настоящий успех пришел к Альберто Варгасу в 40-е годы. Художник рисовал для журнала Esquire тех самых знаменитых «девушек Варгаса», которых так любили американские военные.

Девушки, образы которых были навеяны журнальными иллюстрациями Альберто, появились на фюзеляжах боевых самолетов, рубках подводных лодок, башнях бронетехники. Вместе с другим мастером пин-апа, Джорджем Петти, Варгас стал самым востребованным среди американских военных и их союзников художником.

Варгас был востребован и его работы хорошо оплачивались, пока не начался конфликт между Esquire и Почтовой службой США. Ведомство требовало запретить публикацию фривольных изображений на обложках или перевести журнал в самую дорогую рассыльную категорию, что могло обернуться для издания банкротством.

Судебные тяжбы продолжались с 1943 по 1946 год и Esquire таки выиграл дело, оставшись доступным для подписчиков с любым доходом. К сожалению, Альберто Варгасу, из-за которого и разгорелся скандал, после череды судебных исков, в редакции журнала места не нашлось. У художника началась затяжная полоса неудач, сопровождавшаяся бедностью и периодами отчаянья.

Светлая полоса началась в 1960 году, когда Варгас начал работать в журнале Playboy у Хью Хефнера, с которым вместе трудился в 40-х в Esquire. Журнал не только охотно публиковал иллюстрации Альберто, но и подписывал их как «девушки Варгаса», способствуя еще большему росту популярности мастера.

Читать еще:  Испанский скульптор и художник. Jose Antignani

Альберто Варгас стал известен и в 70−80х годах его выставки проходили во многих странах. Работы художника высоко ценятся на аукционах как при его жизни, так и после смерти в 1982 году.

В 2003 году на «Кристис», при распродаже архивов Playboy, картина Варгаса «Trick or Treat» 1967 года была продана за рекордную для работы в стиле пин-ап сумму 71 600 долларов.

Если вам кто-то скажет, что пин-ап сегодня не в тренде, покажите этому человеку иллюстрации тайваньского художника Pigo Lin, одним из вдохновителей которого был Альберто Варгас.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Поп-арт / pop art

от /англ./ pop art, сокращение от popular art — массовое популярное искусство (1950-1970-е годы)

Направление в искусстве конца 1950-х – начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму; знаменует переход к концепции нового авангардизма. Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (Lawrence Alloway). Если в Англии выражение «массовое популярное искусство» использовалось теоретиками «Независимой группы» для обозначения образов, созданных массмедиа (рекламой, кинематографом, комиксами, таблоидами и модой), американский вариант интерпретации той же формулы в работе Лоуренса Эллоуэя означал собственно то искусство, которое в медийной иконографии черпало свои сюжеты.

Уорхол отмечал, что «поп-арт поменял внутреннее и внешнее местами. Поп-артисты создавали образы, который любой человек, идущий по Бродвею, узнавал в ту же секунду – комиксы, столы для пикника, мужские штаны, знаменитости, занавески для душа, холодильники, бутылки кока-колы – все те великие вещи, которые абстрактные экспрессионисты изо всех сил старались вовсе не замечать». Художники реабилитировали мир красоты банального, в их произведениях прослеживается гордость тем, что торговля Америки создала такие товары, которые всегда дешевы, хороши, равнодоступны. Их искусство – в определенном смысле памятник таким товарам и социальному равенству, ведь потребляя продукт, мы можем идентифицировать себя с любым другим потребителем этого продукта: «Ты можешь смотреть телевизор и видеть кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, ты тоже можешь пить кока-колу… Все бутылки кока-колы одинаковы и все они хороши» – говорил Энди Уорхол, прославляя потребление и делая потребление (чужих образов) частью своего искусства.

Художники: Энди Уорхол ( Andy Warhol) , Джим Дайн ( Jim Dine) , Роберт Индиана ( Robert Indiana) , Рой Лихтенштейн ( Roy Fox Lichtenstein) , Класс Олденбург ( Claes Oldenburg) , Джеймс Розенквист ( James Rosenquist) , Марио Скифано ( Mario Schifano) , Джорж Сигал (George Segal), Том Вессельманн ( Tom Wesselmann) .

Выставки: 1962, Нью-Йорк, Галерея Дженис «Новые реалисты»; Нью-Йорк, Галерея Кастелли (Лихтенштейн); Галерея Грин (персональные выставки Розенквиста, Сигала, Олденбурга и Вассельманна); Галерея Джексон (Дайн); Галерея Стейбл (персональные выставки Индиана и Уорхола); 1964, Венецианская биеннале (Дайн, Джонс, Олденбург, Раушенберг).

Тексты: Дж.Р.Свенсон «Что такое Поп-арт: ответы восьми художников», 1963. Л.Липпард «Поп-арт», 1966.

Джеймс Розенквист «Я и мой «Форд» любим тебя», 1961. Холст, масло. Стокгольм, Музей современного искусства. На холсте крупного формата, столь типичном для его работ, Розенквист размещает три горизонтальные полосы, каждая из которых заполнена изображениями. Две верхние черно-белые, нижняя – цветная: капот автомобиля, лица приникших друг к другу мужчины и женщины, спагетти с томатом. До 1959 года художник был абстракционистом и занимался рекламой. Он привнес в живопись приемы рекламной графики и логику коллажа. Он как будто бы выстраивает эпизод фильма, основанный на последовательно увеличивающихся планах и предлагает связанную цепь ассоциаций, концентрирующихся вокруг вожделений. Он рассказывал в 1968 году: «Когда я начинал писать, мне хотелось, чтобы работы были достаточно велики, чтобы воздействовать на зрителя. Последний должен был испытать шок, сравнимый с тем, что бывает от рекламы. В то же самое время, он должен был оставаться равнодушным и не испытывать никаких чувств, совершенно никаких, и этот паралич позволил бы им мечтать и думать».

Джеймс Розенквист «Я и мой «Форд» любим тебя», 1961

Энди Уорхол «Лавандовая Мэрелин», 1962. Холст, шелкография, акрил. Штутгарт, Собрание Ули Кнехт. Образ Мэрилин Монро появился у Урхола в 1962 году, когда дива ушла из жизни. Он изображал в своих работах знаменитостей – Мэрилин, Элвиса Пресли, Джеки Кеннеди, Лиз Тейлор – когда они же были мертвы или их жизнь омрачалась печалью и болезнями. В центре холста лицо Мэрилин. Это реплика – реплики. Исходная фотография (из газеты) увеличена, переведена на шелк, дополнена цветом, отпечатана и пройдена сверху акриловыми красками. В этом процессе последовательной трансформации черты упрощаются: сведенное к плоскому рисунку лицо актрисы превращается в запоминающуюся раз и навсегда формулу. Мэрилин становится иконой. Ее лицо возникает в других работах, с иным колоритом или в многократном повторении лика на одном холсте. Навязчивые повторы, как снижающий прием, свойственный массовой коммуникации, Уорхол превращает в художественный метод: «Я так пишу, потому что хочу быть машиной».

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector