Живопись - это магия. Raquel Ligorred

Живопись — это магия. Raquel Ligorred

От фрактала до рекурсии: краткий гид по миру М.К.Эшера

В Музее современного искусства на Петровке проходит большая ретроспектива Маурица Корнелиса Эшера, самого известного в мире создателя оптических иллюзий. «Воздух» составил микроучебник по творчеству Эшера.

Эшер и Италия

М.К.Эшер. «Пинета Кальви», Корсика, 1933

Эшер прославился своими оптическими иллюзиями и математически выстроенными рисунками. Куда менее известна его страсть к итальянским пейзажам — результат путешествия по Италии в 1922 году. Между тем эти пейзажи в его творчестве занимают довольно важное место (что по московской выставке очень заметно): с 1922-го по 1935-й Эшер создал множество гравюр с изображениями интерьеров восхищавших его церквей (например, «Внутри Св. Петра» 1935 года) и панорамных видов городов, а также итальянской природы и разных достопримечательностей. Природа Италии для него была неотделима от искусства Возрождения: строгие пропорции ренессансных зданий и важное место геометрии в творчестве художников Ренессанса явственно повлияли на все его последующее творчество. Кроме того, Эшер был сильно впечатлен мумифицированными останками священников на Сицилии и запечатлел их в очень реалистичной литографии. Позже он пытался создавать пейзажи в Голландии и Швейцарии, но разочаровался в местной природе и оставил это занятие.

Эшер и мавританский стиль

М.К.Эшер. «Предел круга IV», 1960

Еще в 1930-е годы Эшер посетил памятники мавританского искусства в Испании, в том числе Альгамбру, где его поразили знаменитые геометрические орнаменты. Орнаменты и вообще геометрические композиции для художников Востока были едва ли не главным способом самовыражения — ислам запрещает изображать людей, а самыми денежными стройками, как правило, были мечети. К тому же математика была любимой наукой исламского Средневековья.

Эшер и кристаллография

М.К.Эшер. «День и ночь», 1938

В основе многих известных рисунков Эшера лежит принцип симметрии — тот же самый, что положен в основу науки о кристаллах. Эшер не был ученым — его прежде интересовала эстетическая сторона симметрии, поэтому он развлекал и себя, и зрителя, заставляя симметрично кружить по поверхности ящерок, птиц, кошек, даже демонов и ангелов. Однако наукой он увлекался довольно серьезно — и в 1960 году по приглашению химика и кристаллографа Каролины МакГиллаври Эшер даже выступал с лекцией о симметрии на международной кристаллографической конференции в Кембридже.

Эшер и геометрия

М.К.Эшер. «Гравитация», 1952

Под впечатлением от мавританских орнаментов Альгамбры Эшер начал делать наброски с использованием разных кристаллических решеток. К этим наброскам он потом добавлял фигуры животных и создавал листы, мозаически заполненные разноцветными фигурами ящеров или птиц. Другие характерные приемы Эшера — переходы из двухмерного в трехмерное пространство и изображения сложных многогранников (типичный пример — работа «Гравитация»).

Эшер и математика

М.К.Эшер. «Меньше и меньше», 1956

О том, насколько творчество Эшера близко ученым-математиками, говорит тот факт, что во время XII Всемирного математического конгресса в Амстердаме в 1954 году была открыта выставка работ Эшера. Математикой он никогда специально не занимался, хотя прочитал исследование венгерского математика Дьёрдя Пойа о группах симметрии, которое ему прислал брат. Из этой работы он почерпнул знание о том, что существует 17 «групп рисунка обоев». Это специальное название для существующих в природе видов двухмерных повторяющихся паттернов, позволяющих без разрывов заполнить плоскость фигурами одного вида так, чтобы получилась мозаика или пазл. Эшер часто использовал принцип мозаичного замещения плоскости, например в орнаментах 1950-х годов. Математика описывает, какими фигурами можно замостить плоскость регулярно (тремя правильными многоугольниками: треугольником, квадратом и шестиугольником), но Эшер пошел дальше — его интересовала нерегулярная мозаика, состоящая из разных по форме фигур. Кроме того, Эшер стал изображать в своих мозаичных картинах фракталы (фигуры, состоящие из собственных маленьких подобий) еще до того, как математический термин «фрактал» был введен в употребление в 1975 году.

Эшер и неевклидово пространство

М.К.Эшер. «Картинная галерея», 1956

Самые знаменитые работы Эшера построены как визуальные обманки, но по сути являются визуальным воплощением неевклидова пространства — то есть такого пространства, в котором параллельные прямые спокойно могут пересекаться. Эшер не доказывал теорем с помощью своих рисунков, просто демонстрировал удивительные возможности нашего восприятия. Эти поиски, надо сказать, были вполне в русле авангардного искусства. Один из интересных примеров проявления неевклидовой геометрии в работах Эшера — «Картинная галерея». Здесь переплетаются два пространства — галереи и картины, которая висит в галерее. Так как перспектива построена по незнакомому нам принципу, сразу разобраться в происходящем непросто. Но постепенно мы понимаем, что видим ситуацию одновременно с нескольких сторон — мужчина в картинной галерее смотрит на картину, мы смотрим на него, а женщина, изображенная на картине, — на мужчину из галереи. Это немного напоминает поиски кубистов, которые отказывались от реалистичности в поисках широты взгляда. Еще один пример неевклидового пространства в работах Эшера — гравюра «Относительность».

Эшер и оптические иллюзии

М.К.Эшер. «Вавилонская башня», 1958

Уже в самых ранних своих работах Эшер экспериментировал с перспективой как способом изменить взгляд зрителя на картину. Этими экспериментами он отчасти обязан опыту искусства Возрождения — ведь так называемая прямая перспектива, которая была взята за основу ренессансной живописи, — это, в общем, точно такая же условность, как и «обратная перспектива», используемая в византийской иконописи. Идеальные пропорции — не меньшая иллюзия, чем искажение пространства, это Эшер хорошо понимал. Он начал создавать картины со сложной перспективой во время путешествий по Италии — когда выполнил работу под названием «Вавилонская башня».

Эшер и рекурсия

М.К.Эшер. «Относительность», 1953

Рекурсией называют такое явление, при котором объект повторяет сам себя, иногда — бесконечно. Эшер много раз использовал рекурсивный метод в разных формах.

Эшер и дизайн

М.К.Эшер. «Метаморфоза III», 1968

Эшер никогда не отказывался от возможности подзаработать, тем более что его семье, судя по сохранившимся свидетельствам, постоянно не хватало на жизнь. Эшер много работал с Королевской почтой Нидерландов, делая все что угодно — от дизайна поздравительных открыток и почтовых марок до 50-метрового панно «Метаморфоза III», в котором наглядно продемонстрированы различные приемы мозаичного замощения пространства в сочетании с оптическими иллюзиями. В «Метаморфозе» геометрические фигуры плавно перетекают в изображения птиц, животных и архитектурных форм, чтобы потом закольцеваться и вернуться к первоначальному рисунку. Эшер также создавал узоры для оберточной бумаги магазинов De Bijenkorf. Несмотря на то что дизайн не был основным делом его жизни, Эшер оказал серьезнейшее влияние на последующие поколения промышленных художников и дизайнеров, особенно на приверженцев психоделического искусства.

Читать еще:  Иранский художник. Nazanin Pouyandeh

Эшер и имп-арт

М.К.Эшер. «Водопад», 1961

Имп-арт — это направление в искусстве, нацеленное на изображение невозможных с точки зрения геометрии фигур. Например, английский ученый Роджер Пенроуз создал сразу несколько таких фигур, самые известные из которых — треугольник Пенроуза и лестница Пенроуза. Все «невозможные» картины были созданы Эшером с 1958 по 1961 год — вскоре после того, как эти фигуры были описаны Пенроузом. Эшер применил находки Пенроуза в гравюрах наряду с обычными, евклидовыми многогранниками. Самые яркие примеры невозможных фигур у Эшера — в литографии «Водопад» и в гравюре «Спускаясь и поднимаясь». В «Водопаде» создана модель вечного двигателя, основанная на «невозможном треугольнике», а «Спускаясь и поднимаясь» — это художественная модель «невозможной лестницы», по которой движение в одну сторону будет бесконечным спуском, а движение в другую сторону — бесконечным подъемом. Секрет «невозможных» фигур заключается в ракурсе, с которого на них смотрят, — что было особенно увлекательно для Эшера, в совершенстве овладевшего различными видами перспектив и их искривлений.

Необычный вид рукоделия преобразил Мадрид. Архитектурная вышивка

Улицы Мадрида украшены яркими цветами даже зимой. И все благодаря художнице, которая доказала, что в области стрит-арта есть место чему-то новому. Девушка создает свои вышивки на проволочной сетке, работая толстыми шнурами. После того, как работа готова, ей находится места на одной из улиц города.

Цветы размещаются на фасадах зданий и закрывают потертости старых стен. Весь город становится похожим на поделки ручной работы. Произведения Ракель выполнены по всем правилам вышивки крестом. Только девушка создает свои произведения в принципиально новых формах и материалах. Хотя вместо тонких нитей мулине художница использует толстые канаты, работы смотрятся не менее изящно, чем обычная вышивка. Этот стиль получил название ArquiCostura, от сочетания испанских слов «архитектура» и «рукоделие». Это принципиально новый взгляд на уличное искусство. Изящные работы Ракель контрастируют с монументальными формами города.

Архитектурная вышивка удачно дополняет привычное граффити.

Так работы выглядят при ближайшем рассмотрении.

Вышивки Ракель Родригес стали новой достопримечательностью Мадрида.

Работы создаются в студии, и лишь потом транспортируются на место установки.

Самые скромные городские пейзажи расцветают, обретая такое яркое дополнение.

Стены старых зданий деликатно дополняются новым декором.

Вышивки Ракель способны оживить самые необычные места города.

Летними вечерами архитектурные вышивки кажутся частью испанского пейзажа.

Вопрос из «Что? Где? Когда?» про живопись, или проверьте свою смекалочку

Недавно смотрел «Что? Где? Когда?», и там был интересный вопрос про конференцию в Мадриде и картины Диего Веласкеса и Иоахима Патинира. Вообще люблю вопросы про живопись, сразу чувствую себя знатоком, и моя дама сердца называет меня очень умным. Это она еще не знает, что я смотрю с ней по второму разу))

Так вот, там был вопрос. Уважаемые читатели поста, в декабре прошлого года в Мадриде прошла одна конференция. Чтобы привлечь внимание к теме этой конференции, организаторы сделали плакаты, взяв за основу несколько картин, но внесли в них изменения.

В частности у этих картин изменения были прямо противоположные.

Иоахим Патинир – «Переправа через Стикс» и Диего Веласкес – «Конный портрет Филиппа IV»

Внимание, вопрос (звук гонга, конечно же): какой проблеме была посвящена эта конференция?

Ответ будет в конце поста, не подсматривайте. Можете не глядя прокрутить в комментарии и закинуть свою версию))

А пока вы думаете, давайте я немного расскажу про первую картину, уж больно она интересная.

Иоахим Патинир – «Переправа через Стикс», 1520-е

Патинир считается одним из основоположников нового европейского пейзажа, когда задний фон и природа преобладают над главными героями. Для 16 века с его религиозным искусством это было точно в новинку.

Но все же Патинир не создавал самостоятельные пейзажи. Вот и тут перемешались мифы и Страшный суд: река Стикс проходит границей между адом и раем, лодочник Харон везет своего пассажира делать выбор.

Ангел показывает правильную дорогу, но пассажир уже сделал выбор — в аду веселее:

Слева находится райский источник и вообще сплошная благодать, гуляют праведники и ангелы (вон один указывает ребятам путь).

Справа же кромешный ад и привет от Босха: Цербер охраняет ворота, в замке идут всякие непотребства, а справа внизу – маленькая обезьянка. Кстати, тут она символ дьявола)

В аду своя атмосфера. Вход охраняет Цербер, одновременно похожий на собаку и крысу:

И как мы видим, пассажир сделал не самый грамотный выбор – персонаж смотрит на адское зарево и собирается присоединиться. Не очень умный ход, правда?

Ну что же, хватит держать интригу, пришло время ответов, возвращаемся к нашей игре!

Итак, ваша версия принята. Теперь, внимание, правильный ответ. Ну, гонг же))

Посмотрите: в оригинале герой одной картины плывёт по реке, а второй скачет по суше. А вот в новом варианте все наоборот – на одной картине пересохла река, а на другой – наводнение. Конференция была посвящена проблеме изменения климата!

Вот такие плакаты подготовили WWF и музей в Прадо:

Уважаемые знатоки, ну как, угадали?

Найти другие истории из мира живописи можно в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo

А если не любите телегу, то вот ссылка в инстаграмм: https://www.instagram.com/picturebymaslo

Экология, не иначе.

Вспомнил, как в детстве в деревне тоже смотрел с родственниками «Что? Где? Когда» в повторе и с лету давал правильные ответы впереди знатоков. Ни хуя какой умный ребёнок, говорили они потом всей деревне.

Читать еще:  Зачем нужен ЖК дисплей в цифровом фотоаппарате?

Ну тут это шутка, я повторы не смотрю)

А я про шахматы подумал. Слева — ладья, справа — конь

Я смотрела этот выпуск,помню этот вопрос и ответ.И вроде знатоки ответили правильно.

Что нибудь про изменение климата. Где-то затопило, а где-то высохло.

А как вам понравился вопрос про художника, который не дорисовывал части тел животных и людей, а потом дорисовывал их за дополнительную плату? Крюк ясно сказал, что в этой картине с монахами так он поступить не мог, но что он сделал, чтобы позже стрясти еще бабла с заказчика? Правильный ответ: не дорисовал кисти рук. Л- логика.

Маска — портрет

Бразильский художник Хорхе Рориз рисует маски, на которых воспроизводит лица их владельцев и, тем самым, помогает людям не потерять себя, свое лицо, в пандемию.

До недавнего времени он рисовал для знаменитого карнавала в Рио-де-Жанейро, а первую маску нарисовал для друга. Но, оказалось, что многие хотят иметь маски-портреты (маски-невидимки).

Отличная работа

Хочу как старые мастера!

Процесс с фото — как я погружаюсь в прошлые эпохи. Холст, масло и немножко магии)

Простите за качество фото, делала давно и фоткала на калькулятор))

Дождливый день

Картина маслом 30х40.

Сияние над рекой

В январе этого года я впервые увидела северное сияние и это событие меня вдохновило на серию картин. Одна из них перед вами.

Холст, акрил, диаметр 30 см.

Пионы маслом

Холст /масло. Размер картины 50х40

Картина маслом

Немного про Эдгара Дега, самого нетипичного импрессиониста

В славном ряду импрессионистов Дега стоит немного особняком. В отличие от своих коллег, он писал картины в помещениях, в его подходе мало случайного и сиюминутного, все работы срежиссированы до мельчайших подробностей.

Однажды Дега притащил в свою мастерскую тазы и всякие прибамбасы для ванной, нагнал натурщиц и сел наблюдать. Девушки часами занимались своими делами: расчесывались, мылись, вытирались, зевали, раздевались и одевались. Сперва они удивлялись, чего он не рисует то, а потом просто забивали на него и тусовались.

Хитрому Дега это как раз и было нужно)

Эдгар Дега – «Ванная», 1886

Таким образом создавалась нужная автору непринужденность, зарисовка жизни. Именно естественность героинь и повседневность обстановки позволили художнику выставлять на выставках голых девушек без мифических сюжетов, но не получать по шапке, как Мане.

Барышня не смотрит на зрителя, а живет сама по себе. Картина как будто обрезана, но если дополнить ее недостающими деталями, то все разрушится. Согласитесь, как будто автор не написал ее, а сфоткал))

Главные особенности творчества Дега — смещенная композиция, неожиданные предметы «в кадре», частое использование пастели вместо красок и сумасшедший перфекционизм: художник мог месяцами писать картину, бросить, а иногда выкинуть все и начать заново. Для примера тот же Моне мог написать полотно за 10 минут и успокоиться)

Эдгар Дега во всех любимых сюжетах искал и писал прежде всего движение: моющиеся женщины, жокеи перед стартом, разминающиеся, почесывающиеся и поправляющие прически балерины заняты своей жизнью и не подозревают, что за ними наблюдают.

Эдгар Дега – «Джентльмены на скачках: наездники перед стартом», 1862

Особняком стоит тема «Дега и танцовщицы».

Вот скажите мне, вы любите балет или балерин? Художник явно любил вторых))

Можно составить целый альбом с балеринами Дега, самая известная его работа – это «Голубые танцовщицы».

В момент написания картины художник уже страдал отслоением сетчатки и видел очень плохо. Через 6 лет он совсем перестал заниматься живописью и начал лепить скульптуры буквально наощупь.

Эдгар Дега – «Голубые танцовщицы», 1898

И это удивительно! Полуслепой художник смог создать удивительную композицию – складывается ощущение, что это одна и та же девушка кружится в сложном танце. Выверенное и будто математически точное расположение героинь картины придают эффект случайного фотографического кадра. И хотя Дега любил изображать тяжелый быт балерин и их изматывающие репетиции перед выступлениями, здесь он возвращает балету торжественность и праздник.

Эх, Дега, может мы тоже просто любим балерин?))

Другие истории можно посмотреть в моем телеграме или инстаграме.

Грация, немного ню и античная идея совершенства на фресках живописца Высокого Возрождения Корреджо

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Антонио Аллегри из Корреджо

Относительно недолгим был жизненным путь этого итальянского художника, но слава Корреджо – или Антонио Аллегри, таким было его настоящее имя – пережила его самого на много веков, а живопись этого мастера Высокого Возрождения продолжает и сейчас вызывать восхищение, и у знатоков Ренессанса, и у неискушенных зрителей. Картины и фрески Корреджо обладают замечательной способностью привлекать и удерживать внимание – живостью образов, сложностью композиций и ракурсов, мягкостью и одновременно смелостью контуров.

Он родился примерно в 1489 году в небольшом городке Корреджо на севере Италии, и, как и другие мастера того периода, был известен под именем своей малой родины – Антонио да Корреджо. Отец художника был торговцем, а дядя, Лоренцо Аллегри, занимался живописью. Он и дал племяннику первые навыки владения кистью. У Антонио были и другие учителя, и одним из важнейших предметов, изученных в детстве, оказалась анатомия.
По одной из версий, Корреджо учился в Модене, в мастерской Франческо Феррары. Вообще, о взрослении и становлении его как художника известно довольно мало, искусствоведы прослеживают биографию мастера уже после начала его творческого пути.

Поначалу Корреджо находится под сильным влиянием Андреа Мантеньи и Лоренцо Лотто, а с 1514 года начинает путешествовать по Италии и изучать работы Рафаэля, Тициана, да Винчи, Микеланджело. Фрески Сикстинской капеллы в Риме произвели на молодого Корреджо неизгладимое впечатление, вдохновив и его самого на создание шедевров фресковой живописи.
К 1520 году он завершил работу над росписью покоев настоятельницы монастыря в Сан-Паоло, Корреджо по заказу аббатисы создал фрески на мифологические сюжеты. Этот памятник искусства Возрождения отлично сохранился и до наших дней.

Читать еще:  Израильский художник. Natalia Stangrit

Купол Пармского собора и другие произведение Корреджо

Самое, пожалуй, знаменитой творение Корреджо – это роспись купола кафедрального собора в Парме, фреска «Вознесение Богоматери». Современники не особенно оценили новаторские приемы мастера: в его стремлении воплотить эффект «ожившей скульптуры», движения по спирали видели «рагу из лягушачьих лапок», возникали даже идеи уничтожить фреску.

Творение Корреджо спасли слова Тициана, который на вопрос о ценности росписи ответил: «Если взять купол, перевернуть его и наполнить золотыми монетами, то и тогда эта живопись окажется дороже».
Корреджо стал одним из первых, кто создавал традиции плафонных росписей, которые учитывали бы особенности перспективы, а значит, требовали несколько искаженного изображения фигур, чем было принято в традициях станковой живописи. Примерно тогда появился художественный прием di sotto in su, то есть «снизу вверх», в числе прочих ознаменовавший переход к эпохе барокко, когда помещения стали расписывать полностью, включая верхнюю часть интерьера.

Картинам и фрескам Корреджо присуща неповторимость и уникальность, при этом стиль художника менялся с течением времени, по мере того, как он совершенствовал свое мастерство и открывал все новые возможности живописи. Если поначалу творения Корреджо напоминали работы Леонардо – такие же прозрачные контуры, тонкая игра светотени, то позже цвета на его полотнах становились более насыщенными, контрастными, художник усиливает эмоциональную составляющую игры света, композиция становится сложнее и напряженнее.

Корреджо, как истинный мастер эпохи Ренессанса, в своих работах воплощал античные традиции – так, красивые и добродетельные лица он изображал бесстрастными, неподвижными, тогда как смех отмечал лица порочные. Значительное число произведений художника представляли собой мифы и аллегории, последние особенно любила Изабелла д’Эсте, герцогиня Мантуанская, заказавшая Корреджо несколько картин для своей коллекции.

А примерно с 1530 года по поручению герцога Федерико II Гонзага Корреджо начал цикл картин о любовных похождениях Юпитера, большая их часть предназначалась в подарок королю Испании, но некоторые, в частности, «Юпитер и Ио», Гонзага, по всей видимости, заказал для своего палаццо.

Единственная картина Корреджо в России

И сейчас произведения Корреджо обращают на себя внимание сложно выстроенной композицией и необычными для художников Возрождения ракурсами, они не только нарушают существовавшие в те времена живописные традиции изображения типичных сюжетов из христианской и античной мифологии, но и удивляют своей естественной грацией, динамичностью, выразительностью. А пейзажи, которые художник писал очень редко и скорее как фон для главного своего замысла, ему удавались на редкость хорошо. А вообще наследие художника – это прежде всего картины, воспевающие все чувственное, это своеобразная ода гедонизму.

В России Корреджо представлен лишь одним произведением – это «Портрет дамы», написанный примерно в 1518 году. Портреты были редкостью среди картин Корреджо; имя женщины, изображенной на холсте, неизвестно. Возможно, женщина имела отношение к ордену францисканцев – об этом может говорить цвет и фасон ее платья. Авторство картины было установлено относительно недавно, в прошлом веке, ранее же она предполагалась принадлежащей кисти Лоренцо Лотто.

Унаследовав от отца навыки обращения с деньгами, Корреджо вкладывал заработанное творчеством в сельскохозяйственные земли, и тем жил. В 1519 году он женился на шестнадцатилетней Джироламе Мерлини, с которой прожил девять лет. После тяжелых родов его жена умерла, и Корреджо остался с четырьмя детьми, до взрослого возраста дожили двое.

По свидетельствам современников, в первую очередь летописца Возрождения Джорджо Вазари, художник был исключительно скуп. Замкнутый по характеру, он проводил время за работой или в семейном кругу. Умер Корреджо в возрасте 45 лет, после того как отправился из Пармы в родной город и, разгоряченный, выпил холодной воды, после чего слег с лихорадкой и больше уже не поднялся.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Клод
Лоррен

Клод Лоррен (Claude Lorrain, 1600-1682) – французский живописец, мастер классического пейзажа. Но его картины выходили за рамки академизма, они оживлялись светом, проработанным до такой степени, что каждый листик и травинка на полотнах становились такими же настоящими, как и зелень реального мира.

Творчество Лоррена завораживает, успокаивает и погружает в особую атмосферу, где настоящее встречается с прошлым, а понятие времени постепенно совсем исчезает. Так происходит, должно быть, потому что сюжеты картин зачастую литературные, они не привязаны к истории, датам и лишены сухой конкретики. Исторические сюжеты, конечно, тоже брались за основу, но они терялись в красоте ландшафта.

Клод Лоррен родился в крестьянской семье, и ему предстоял долгий путь совершенствования навыков. Художнику довелось работать над очень разными произведениями: одни из них действительно помогали развивать талант, а другие больше походили на рутинную работу. Лоррен был гравёром, обучался архитектуре и перспективе, выполнял декор свода церкви, работал над «пейзажными фресками», успешно попробовал себя в качестве офортиста (офорт – разновидность гравюры на металле — прим. ред.).

Но усерднее всего он изучал искусство и секреты пейзажной живописи. Часто «главными героями» работ Лоррена были морские порты, залитые лучами солнца. «Прибытие Клеопатры в Тарс» (1642) – картина, очевидно, рассказывающая о прибытии царицы Клеопатры в город Тарс. Но зритель, увидевший полотно, вправе усомниться в том, что в этой работе исторический сюжет важнее пейзажа.

Солнце на картине напоминает золото, небо восхищает разнообразием оттенков, а архитектура выглядит точёной, величественной и грандиозной. Что касается людей, то они, скорее, как интерьер на полотнах других художников, лишь дополняют композицию. Балом правит пейзаж, наполненный воздухом и светом.

Невероятно тонкая работа – «Утро» (1666). Она трогает до глубины души, как это происходит тогда, когда наблюдаешь живую природу и осознаёшь, насколько она прекрасна и совершенна. В данном случае эти чувства испытываешь, глядя на полотно. И это уже не только восхищение природой – это восхищение миром в проекции Лоррена и талантом художника.

Не удивительно, что у живописца уже при жизни было много почитателей. Среди его заказчиков были даже испанский король Филипп IV и папа Урбан VIII.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector