Живопись маслом. Michele West

Живопись маслом. Michele West

Корин Мишель Вест — Corinne Michelle West

Корин Мишель Уэст (1908–1991) была американской художницей; она также использовала имена Микаэль и Майкл Уэст. Она была абстрактным экспрессионистом .

Содержание

Корин Мишель Уэст родилась в Чикаго, штат Иллинойс. Она училась в Музыкальной консерватории Цинциннати, а затем перешла в Академию искусств Цинциннати в 1925 году. Она окончила Художественную академию Цинциннати в 1930 году. Запад — 26 июня 1930 года в часовне Уэсли в Цинциннати — вышла замуж за актера театра Рэндольфа Нельсона (1909–1909) 1978).

Уэст переехала в Нью-Йорк в 1932 году. Она начала изучать живопись у Ханса Хоффмана в Лиге студентов-художников Нью-Йорка и коммерческое искусство в Школе моды Трафагена . После окончания учебы и оставления учения Хофмана в 1934 году Уэст начал учиться у Рафаэля Сойера . Она была музой Аршила Горки и, вероятно, его любовницей, хотя она отказалась выйти за него замуж, когда он сделал несколько предложений. Они разделяли страсть к искусству и вместе посещали музеи и галереи.

Картины Уэста с середины 1930-х до середины 1940-х годов были стилизованы под кубизм и неокубизм. В 1936 году у нее была первая персональная выставка в Рочестерском клубе искусств; также в 1936 году она начала обращаться к Микаэлю, чтобы получить лучшие возможности, и после того, как Аршил Горки сказал ей, что имя «Коринн» звучит как имя «дочери дебютантки». Предложение Горького, однако, было основано на реальном предубеждении против женщин в мире искусства, например, в случае с Жорж Санд и Джорджем Эллиотом . В 1941 году она начала использовать имя Майкл, которое она использовала в своей обычной жизни, а также в рисовании. В 1946 году, после возвращения в Нью-Йорк из Рочестера, она выставлялась в галерее Пинакотека вместе с Марком Ротко и Адольфом Готтлибом . Уэст — 30 июня 1948 года на Манхэттене — замужем за кинорежиссером Фрэнсисом Ли; они развелись в 1960 году.

Уэст была одной из немногих женщин-участниц движения Нью-Йоркской школы искусств. Создавая свои работы, Уэст вдохновлялась теорией «живой энергии» писателя-экзистенциалиста Анри Бергсона и руководствовалась своим инстинктивным творчеством и страстью. В 1950-х годах она увлекалась живописью в стиле боевик , как показано в таких работах, как « Космическая поэзия» (1956). В 1953 году она выставлялась в престижной Stable Gallery на Манхэттене, а в 1957 году у нее была персональная выставка в Uptown Gallery в Нью-Йорке. В 1958 году у нее была выставка одной женщины в галерее Domino в Джорджтауне, Вашингтон, округ Колумбия.

В 1960-е и 1970-е годы Уэст провел три персональные выставки в галереях Granite Gallery, Imaginary Art и Woman Art Gallery в Нью-Йорке. Ее стиль в эти годы стал более экспериментальным, когда Уэст начал изучать коллаж, каллиграфию и методы окрашивания.

Уэст также писал стихи; она написала серию из 50 стихотворений в 1940-х годах, в том числе поэму «Новое искусство» в 1942 году. Позже, в 1968 году, она создала серию поэм-картин, связанных с войной во Вьетнаме.

Вест умер в 1991 году в Нью-Йорке. Через пять лет после ее смерти в Доме Поллока-Краснера прошла ретроспектива ее работ . Первая крупная выставка ее работ на Западном побережье прошла посмертно в галерее Art Resource Group в Ньюпорт-Бич, штат Калифорния, в 2010 году.

Экспонаты, проведенные после смерти

  • 1996 г.
    • «Другие художники 50-х»
      • Кендалл Кампус Художественная галерея
      • Общественный колледж Майами-Дейд Майами, Флорида
      • Дом и учебный центр Поллока-Краснера Нью-Йорк, Нью-Йорк
  • 1999 г.
    • Майкл Уэст: Автоматические картины
      • 123 Watts Gallery, Нью-Йорк, Нью-Йорк
  • 2001 г.
    • «На втором месте: шесть художников нью-йоркской школы»
      • Галерея Томаса Маккормика, Чикаго, Иллинойс
  • 2005 г.
    • «Рапт в школе Нью-Йорка»
      • Студия Армонк, Нью-Йорк
  • 2007-2008 гг.
    • «Картины на чемодане Малый абстрактный экспрессионизм»
      • Музей искусств Джорджии, Афины, Джорджия
      • Музей искусств государственного университета Болла, Манси, Индиана
      • Музей изящных искусств Юты, Солт-Лейк-Сити, Юта
      • Галерея Сиднея Мишкина, Колледж Баруха, Нью-Йорк, Нью-Йорк
      • Музей искусств округа Гринвилл, Гринвилл, Южная Каролина
      • Музей искусств Университета Лойолы, Чикаго, Иллинойс

Известные работы

Арлекин (1946)

Corrine Мишель Запад считается одним из родоначальников абстрактного экспрессионизма , стиля , обычно связанных с Виллема де Кунинга и Живопись действий из Джексона Поллока . Вдохновленный теорией парижского философа Анри Бергсона о «живой энергии» и новой духовности, появившейся в послевоенном американском искусстве, Уэст принял стиль, который можно охарактеризовать как неокубизм, используя тяжелые живописные мазки, чтобы придать движение живописному миру. холст. В эссе от января 1946 года она говорит: «Новый мир породил мир открывающих фактов — и скорость, которая вызывает изменение как материи, так и способа делать вещи — другую систему — мир художника внезапен. рассматривать и чувствовать по-новому ». С помощью Арлекина Уэст исследовала« искусство как процесс », и ее выразительные абстракции превратились в более агрессивные картины действия. В 1950-х годах она нарисовала Арлекина, заявив, что перерисовка была ее ответом на разрушение атомной бомбы и напряженность, возникшая из-за холодной войны .

LiveInternetLiveInternet

Метки

Рубрики

  • друзья (1)
  • поэзия Вероники Тушновой (0)
  • видео, клипы (0)
  • живопись (0)
  • мои рамки (0)
  • стихи пожелания (0)
  • стихи пожелания (0)
  • Стихи Ахматовой, Эпиграфы (0)
  • Стихи Ахматовой (0)

Цитатник

НЕВЕРОЯТНЫЙ ЛАЙФХАК С РАСТЕНИЯМИ

С днём рождения,Марго! (для margogrin) Волшебное имя ! Ну, что тут сказать! Сам .

С днем рождения Риточка ( margogrin ) Дорогая Риточка. С днем .

С Днём рождения, Маргарита! (margogrin) Спешу поздравить с Днём Рождения И пожелать от всей ду.

С днём рождения, Риточка .

Ссылки

Музыка

Поиск по дневнику

Друзья

Сообщества

Статистика

Итальянский художник Michele Cascella и его замечательные картины.


Осень (Autumn)

Michele Cascella (1892-1989) – итальянский художник, известный акварелями и картинами маслом. Но он также занимался керамикой, литографией и текстилем. С 1924 по 1942 он регулярно выставлялся на Венецианском биеннале, а его произведения находятся в крупнейших музеях Италии, а также в музее Виктории и Альберта в Лондоне и Galerie nationale du Jeu de Paume в Париже.
Первым учителем Микеле был его отец Базилио, занимавшийся живописью, гравюрой, литографией, керамикой и иллюстрацией в Пескаро, где городской совет выделил ему участок земли для строительства художественной студии, в которой Базилио мог бы организовать производство цветной литографии. Это здание сегодня является музеем семьи Cascella, в котором находится более 500 работ, принадлежащих трем поколениям.
Свою первую картину Michele Cascella продал в 1908 году, когда ему было 16 лет, частным образом. А в следующем году состоялась его первая выставка в Париже.
В 1915 году, в начале Первой мировой войны Cascella был отправлен на фронт в Трентино, где продолжал свои занятия живописью. Его командир
дал ему задание делать фронтовые зарисовки. Некоторые из этих сцен военной жизни сегодня сохранились в музей Рисорджименто в Милане.
С 1969 года художник проводил большую часть своего времени в сельской местности Colle di Val d’Elsa (провинция Сиена) со своей второй женой Изабель Lane Cascella. Он написал много Тосканских пейзажей в течение этого периода. Художник умер в возрасте 97 лет в Милане и был похоронен
в Ортоне.

Дом у моря (House by the Sea)

Пейзаж с желтой изгородью, Санта-Маргерита.

Пейзаж с качиной (Paesaggio con Cachina)

Сельские дома (Case coloniche)

Джинестра, Абруццо (La Ginestra, Abruzzo)

Гортензии и дрок (Ortensie e ginestre), 1984-86г

Осенний пейзаж (Autumn Landscape)

Пейзаж

Париж, Сена (Parigi, il lungo Senna). 1953г

Маковое поле (Campo di papaveri).1980г

Дом и сад (House and Garden)

Вид с террасы в Портофино (View from a Terrace in Portofino)

Сосны в Параджи (Pini a Paraggi)

Белые березы и желтые паруса (White Birches and Yellow Sails)

Вид Портофино (View of Portofino)

Желтые кусты в Калифорнии (Yellow Shrubs in California)

Весна за стенами (Primavera fuori mura)

Дом в Италии (A House in Italy)

Портофино (Portofino)

Лес в Калифорнии (Forest in California)

Ортонезская сельская местность (Campagna ortonese)

Поле хризантем в Сан-Ремо (Chrysanthemum field, San Remo)

Портофино, бухта (Portofino, la baia)

Тенистые деревья в Пало-Альто, Калифорния.

Фантазия Абруццо (Fantasy of the Abruzzi)

Пшеничное поле с маками (Campo di grano con papaveri). 1968г

Дерево в цвету (Pianta in fiore).

Paesaggio abruzzese. 1981г

Сен-Жермен-ан-Лэ (Saint Germain en Laye)_1966

Лодки Портофино (Barche di Portofino)

Весна в Портофино

Березы (Betulle)

Читать еще:  Живопись маслом. David Cheifetz

Спасибо за внимание! -МАРГО-

Процитировано 2 раз
Понравилось: 11 пользователям

Как изображали Марию Магдалину величайшие художники: Тициан, Джентилески, Иванов и др

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

«Магдалина с дымящей свечой» Жоржа де Латура (1638-1640)

Жорж де Латур — французский художник эпохи барокко, который написал этот шедевр в 1640 году. Сцена, изображенная в «Магдалине с дымящей свечой», происходил в темной и простой комнате. На картине де Латура Мария Магдалина сидит перед столом и целиком погружена в свои мысли. Ее правая рука лежит на черепе, ноги обнажены, а белая рубашка приоткрыла обнаженные плечи героини. Тело Марии Магдалины окутывает таинственная тьма, а лицо освещает только свеча. Лампа не только создает атмосферу движения, но также является элементом, намекающим на хрупкость человеческой жизни.

Благодаря этому источнику света можно увидеть книги и атрибуты, характеризующие Страсти Христовы и мимолетность жизни. Вот деревянный крест и окровавленная плеть. Череп представляет собой Голгофу, место распятия Христа. Смысл есть и в руке, ласкающей череп — это отражением темы смерти. Пламя и череп вкупе олицетворяют быстротечность и невозвратность времени. Таким образом, все элементы картины отсылают к темам покаяния и испытаний, посланных Богом.

«Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения в Италии» Александр Иванов (1834-1835)

Хотя Иванов написал картину в традициях академического искусства, в неё чётко прослеживаются особенности итальянского искусства и живописи эпохи Возрождения. «Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения» считается «репетицией» перед созданием масштабного полотна «Явление Христа народу» (его Иванов писал долгих 20 лет!). Однако, работа с Магдалиной все же заслуживает должного внимания, ведь именно благодаря ей автор получил звание академика, а картина украшала стены дворца самого царя Николая I.

Сюжет с Магдалиной кисти Иванова отличается элегантной простотой и итальянским изяществом. Зритель видит только две фигуры — Христа и Магдалину. Художником запечатлен момент из Евангелия, когда Магдалина увидела его воскресшим. Она спешит к Христу, но он останавливает Магдалину спокойным жестом.

Лицо Марии озарено множеством искренних и сложных чувств: удивление, волнение, горе, восхищение и пр. Магдалина одета в ярко-красное платье. Христос изображен в белой мантии. Образ Магдалины пробуждает у
зрителя веру в чудеса. А главный посыл картины в том, что даже самую заблудшую душу можно спасти.

Фредерик Сэндис «Мария Магдалина», 1859 г.

Фредерик Сэндис (1829–1904) был сыном художника и получил образование в Норвичской школе дизайна. Он начал свою карьеру как портретист и иллюстратор антиквариата. Его переезд в Лондон в 1851 году стал судьбоносным, там он стал членом Братства прерафаэлитов, подружился и жил в одном доме с Данте Габриэлем Россетти. Последний назвал Сэндиса «величайшим из ныне живущих рисовальщиков». Сильные и чувственные образы женской красоты и культовые изображения соблазнительных и загадочных женщин, выполненные в стиле прерафаэлитов, принадлежат именно этому художнику.

Глядя на его работу «Мария Магдалина», зритель не сразу узнает в героине Святую Магдалину. Она изображена красавицей с длинными золотыми волосами в стиле прерафаэлитов. Интересно, что Сэндис специализировался именно на поясных фигурах красивых и роковых женщин. Пристальное внимание Сэндис к деталям типично для школы прерафаэлитов. Образы женской красоты Сэндис — это знаковые изображения очаровательных и загадочных женщин, представляющих его уникальный стиль. Героиня изображена практически в профиль. Фон – темно-зеленый с английским орнаментов. В руке у героини сосуд с притираниями (ее главный атрибут), а плечи покрывает красно-зеленый платок с растительным орнаментом. Этот образ Магдалины резко выделяется на фоне других картин.

Карло Дольчи «Кающаяся Магдалина» (1670)

Покаяние Святой Марии Магдалины — традиционная тема, особенно популярная в итальянском искусстве XVII века. На картине Долчи Магдалина изображена с распущенными волосами, ее правая рука лежит на груди, а ладонь левой руки поднята вверх и опирается на раскрытую книгу. Ее традиционный атрибут — горшок с притираниями, с которым она пришла к Христу, чтобы помазать его – изображен на правом переднем плане среди скал. К слову, распущенные волосы и горшок – это ссылка на Евангелие от Луки (7: 37-8). В писании описывалась женщина-грешница, которая помазала ноги Христа, омыла их своими слезами, а отерла длинными волосами. Карло Дольчи был глубоко набожным человеком и прославился своей эмоциональной передачей религиозных сюжетов, а также тщательной детализацией. Мария Магдалина была его наиболее часто изображаемой героиней.

Самобытный и детализированный стиль живописи Дольчи принес ему известность как во Флоренции, где он провел большую часть своей жизни, так и за ее пределами. Эта картина вошла в Королевскую коллекцию в качестве подарка сэра Джона Финча католической королеве Екатерине Брагансской, жене Карла II. Будучи английским резидентом при дворе великого герцога Фердинанда II, Финч встретил Карло Дольчи во Флоренции и имел возможность заказать у него ряд работ. Финч восхищался художником и оказывал ему покровительство и поддержку.

Артемизия Джентилески «Преображение Марии Магдалины (Кающаяся Мария Магдалина)», 1615-1616

Артемизия Джентилески — это первая женщина-художник, присоединившаяся к флорентийской академии, написала образ трогательной Магдалины в 1617 году. Это был заказ от семьи Медичи. Героиня Джентилески одета в желтое с кружевами платье и и сидит среди роскошного шелка и бархата. Одна рука Магдалины прильнула к груди, а вторая — к зеркалу, которое показывало ей, кем она была перед Богом. Ее глаза теперь полностью открыты и жаждут свободы, Христа, света. Мария Магдалина не перестает быть красивой, когда обращается к Христу, но эта красота больше не предназначена для обогащения. Она – для прославления Господа, который любит ее больше, чем кто-либо и когда-либо.

Известно, что сама Артемизия Джентилески испытала боль публичного проступка после того, как в 17 лет была изнасилована коллегой своего отца. Последующий судебный процесс по делу об изнасиловании унизили девушку и подвергли ее сплетням еще больше. Собрав всю свою волю и «упаковав» свой потрясающий художественный талант, она переехала во Флоренцию, чтобы начать свою жизнь заново.

Тициан «Кающаяся Магдалина» (1531, 1565)

Тициан был одним из тех художников, которые изображали Магдалину как символ искупления. В двух знаковых произведениях он демонстрирует кающуюся Магдалину. Зритель видит момент из Евангелия, когда Магдалина осознает свою греховную жизнь и плачет, поднимая свой взор на небо. Его первая Магдалина была написана в 1531 году, а затем он вернулся к ней 30 лет спустя.

Читать еще:  Движущая сила искусства. Anna Bocek

Работы Тициана хоть и затрагивают христианскую тему, но кажутся довольно чувственными. Причина кроется в средневековых повествованиях. В них говорится, что в течение 30 лет после вознесения Иисуса Мария Магдалина бродила по пустыне и ее одежда буквально разваливалась. Художники того времени стремились использовать это упоминание как способ смешения чувственности и религии. Картины, таким образом, становились более популярными, а художники не боялись скандальной реакции общественности. Физические характеристики Магдалины Тициана соответствуют идеалу красоты того времени: золотистые длинные волосы, полные губы и пышное тело.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Как изображали Марию Магдалину величайшие художники: Тициан, Джентилески, Иванов и др

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

«Магдалина с дымящей свечой» Жоржа де Латура (1638-1640)

Жорж де Латур — французский художник эпохи барокко, который написал этот шедевр в 1640 году. Сцена, изображенная в «Магдалине с дымящей свечой», происходил в темной и простой комнате. На картине де Латура Мария Магдалина сидит перед столом и целиком погружена в свои мысли. Ее правая рука лежит на черепе, ноги обнажены, а белая рубашка приоткрыла обнаженные плечи героини. Тело Марии Магдалины окутывает таинственная тьма, а лицо освещает только свеча. Лампа не только создает атмосферу движения, но также является элементом, намекающим на хрупкость человеческой жизни.

Благодаря этому источнику света можно увидеть книги и атрибуты, характеризующие Страсти Христовы и мимолетность жизни. Вот деревянный крест и окровавленная плеть. Череп представляет собой Голгофу, место распятия Христа. Смысл есть и в руке, ласкающей череп — это отражением темы смерти. Пламя и череп вкупе олицетворяют быстротечность и невозвратность времени. Таким образом, все элементы картины отсылают к темам покаяния и испытаний, посланных Богом.

«Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения в Италии» Александр Иванов (1834-1835)

Хотя Иванов написал картину в традициях академического искусства, в неё чётко прослеживаются особенности итальянского искусства и живописи эпохи Возрождения. «Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения» считается «репетицией» перед созданием масштабного полотна «Явление Христа народу» (его Иванов писал долгих 20 лет!). Однако, работа с Магдалиной все же заслуживает должного внимания, ведь именно благодаря ей автор получил звание академика, а картина украшала стены дворца самого царя Николая I.

Сюжет с Магдалиной кисти Иванова отличается элегантной простотой и итальянским изяществом. Зритель видит только две фигуры — Христа и Магдалину. Художником запечатлен момент из Евангелия, когда Магдалина увидела его воскресшим. Она спешит к Христу, но он останавливает Магдалину спокойным жестом.

Лицо Марии озарено множеством искренних и сложных чувств: удивление, волнение, горе, восхищение и пр. Магдалина одета в ярко-красное платье. Христос изображен в белой мантии. Образ Магдалины пробуждает у
зрителя веру в чудеса. А главный посыл картины в том, что даже самую заблудшую душу можно спасти.

Фредерик Сэндис «Мария Магдалина», 1859 г.

Фредерик Сэндис (1829–1904) был сыном художника и получил образование в Норвичской школе дизайна. Он начал свою карьеру как портретист и иллюстратор антиквариата. Его переезд в Лондон в 1851 году стал судьбоносным, там он стал членом Братства прерафаэлитов, подружился и жил в одном доме с Данте Габриэлем Россетти. Последний назвал Сэндиса «величайшим из ныне живущих рисовальщиков». Сильные и чувственные образы женской красоты и культовые изображения соблазнительных и загадочных женщин, выполненные в стиле прерафаэлитов, принадлежат именно этому художнику.

Глядя на его работу «Мария Магдалина», зритель не сразу узнает в героине Святую Магдалину. Она изображена красавицей с длинными золотыми волосами в стиле прерафаэлитов. Интересно, что Сэндис специализировался именно на поясных фигурах красивых и роковых женщин. Пристальное внимание Сэндис к деталям типично для школы прерафаэлитов. Образы женской красоты Сэндис — это знаковые изображения очаровательных и загадочных женщин, представляющих его уникальный стиль. Героиня изображена практически в профиль. Фон – темно-зеленый с английским орнаментов. В руке у героини сосуд с притираниями (ее главный атрибут), а плечи покрывает красно-зеленый платок с растительным орнаментом. Этот образ Магдалины резко выделяется на фоне других картин.

Карло Дольчи «Кающаяся Магдалина» (1670)

Покаяние Святой Марии Магдалины — традиционная тема, особенно популярная в итальянском искусстве XVII века. На картине Долчи Магдалина изображена с распущенными волосами, ее правая рука лежит на груди, а ладонь левой руки поднята вверх и опирается на раскрытую книгу. Ее традиционный атрибут — горшок с притираниями, с которым она пришла к Христу, чтобы помазать его – изображен на правом переднем плане среди скал. К слову, распущенные волосы и горшок – это ссылка на Евангелие от Луки (7: 37-8). В писании описывалась женщина-грешница, которая помазала ноги Христа, омыла их своими слезами, а отерла длинными волосами. Карло Дольчи был глубоко набожным человеком и прославился своей эмоциональной передачей религиозных сюжетов, а также тщательной детализацией. Мария Магдалина была его наиболее часто изображаемой героиней.

Самобытный и детализированный стиль живописи Дольчи принес ему известность как во Флоренции, где он провел большую часть своей жизни, так и за ее пределами. Эта картина вошла в Королевскую коллекцию в качестве подарка сэра Джона Финча католической королеве Екатерине Брагансской, жене Карла II. Будучи английским резидентом при дворе великого герцога Фердинанда II, Финч встретил Карло Дольчи во Флоренции и имел возможность заказать у него ряд работ. Финч восхищался художником и оказывал ему покровительство и поддержку.

Артемизия Джентилески «Преображение Марии Магдалины (Кающаяся Мария Магдалина)», 1615-1616

Артемизия Джентилески — это первая женщина-художник, присоединившаяся к флорентийской академии, написала образ трогательной Магдалины в 1617 году. Это был заказ от семьи Медичи. Героиня Джентилески одета в желтое с кружевами платье и и сидит среди роскошного шелка и бархата. Одна рука Магдалины прильнула к груди, а вторая — к зеркалу, которое показывало ей, кем она была перед Богом. Ее глаза теперь полностью открыты и жаждут свободы, Христа, света. Мария Магдалина не перестает быть красивой, когда обращается к Христу, но эта красота больше не предназначена для обогащения. Она – для прославления Господа, который любит ее больше, чем кто-либо и когда-либо.

Известно, что сама Артемизия Джентилески испытала боль публичного проступка после того, как в 17 лет была изнасилована коллегой своего отца. Последующий судебный процесс по делу об изнасиловании унизили девушку и подвергли ее сплетням еще больше. Собрав всю свою волю и «упаковав» свой потрясающий художественный талант, она переехала во Флоренцию, чтобы начать свою жизнь заново.

Тициан «Кающаяся Магдалина» (1531, 1565)

Тициан был одним из тех художников, которые изображали Магдалину как символ искупления. В двух знаковых произведениях он демонстрирует кающуюся Магдалину. Зритель видит момент из Евангелия, когда Магдалина осознает свою греховную жизнь и плачет, поднимая свой взор на небо. Его первая Магдалина была написана в 1531 году, а затем он вернулся к ней 30 лет спустя.

Читать еще:  Идиллические пейзажи Бесконечного Лета. Kasia Domanska

Работы Тициана хоть и затрагивают христианскую тему, но кажутся довольно чувственными. Причина кроется в средневековых повествованиях. В них говорится, что в течение 30 лет после вознесения Иисуса Мария Магдалина бродила по пустыне и ее одежда буквально разваливалась. Художники того времени стремились использовать это упоминание как способ смешения чувственности и религии. Картины, таким образом, становились более популярными, а художники не боялись скандальной реакции общественности. Физические характеристики Магдалины Тициана соответствуют идеалу красоты того времени: золотистые длинные волосы, полные губы и пышное тело.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Как продавать на Etsy картины в технике импасто

Почему одни художники перебиваются с хлеба на воду, а другие не успевают создавать свои картины, потому что их слишком быстро раскупают?

Расскажу вам сегодня о технике, в которой вы можете творить что угодно — и у вас тоже будут хорошо покупать.

Продажами картин художников я заинтересовалась после того, как на мой курс Зарабатываем много на Etsy поступил художник — я тогда множество страниц Etsy просмотрела в поисках прибыльных ниш.

Художникам довольно трудно продавать свои картины, потому что мало написать картину профессионально — надо покупателю еще и угодить.

Вот вы написали московский дворик — а он хочет видеть звездное небо. Да еще и в необычном ракурсе (простым звездным небом его уже не удивишь).

То есть чтобы ваши работы покупали, вам необходимо:
— знать спрос,
— понимать предпочтения в образах у массовой публики,
— быть профессиональным художником.

Но есть техника, которая недавно стала особо модной среди ценителей живописи (на картинке внизу — ее растущий тренд):

Благодаря чему не обязательно предугадывать предпочтения публики и не обязательно быть профессиональным художником. Достаточно писать картины в указанной технике.

Это техника импасто — когда мазки накладываются друг на друга настолько выпукло, что у картины возникает четко видимый рельеф:

Самым известным художником, применяющим эту технику, был Ван Гог. Говорят, он просто выдавливал краски на холст, а затем размазывал их пальцами:


(одна из самых известных картин Ван Гога — Звездное небо)

Ван Гог, конечно, гений (потому что не побоялся писать картины по-своему). И его образы по-настоящему фантастичны.

Но нашим художникам не обязательно быть гениями, чтобы суметь написать техникой импасто несколько простеньких натюрмортов с тюльпанами (меняете цвет тюльпанов — и вот уже у вас не одна картина, а несколько):

Художница, которая пишет подобные незамысловатые натюрморты (но зато они выполнены в модной технике), уже продала на Etsy более трех тысяч своих картин (ее магазин — etsy.com/shop/IronsideImpastos):

Причем, ее работы достаточно небольшие по размерам — 6 на 6 дюймов (это 15 на 15 сантиметров) — меньше тетрадного листа:

А продает она каждую такую свою картинку по 45 долларов.

Понятно, почему эта художница пишет в основном цветы — само строение цветков подсказывает, как накладывать мазки — по ходу роста лепестков.

Я нашла еще одну художницу (с Украины), которая тоже рисует цветы в технике импасто и вполне успешно их продает на Etsy (ее магазин — etsy.com/shop/AbstractArtbyOlga):

В этой технике можно писать не только цветы, но и фантастические деревья. Например, как это делает израильский художник Коби Фельдмос (его магазин на Etsy — etsy.com/shop/KobyFeldmos):


(это одна из самых продаваемых картин израильского художника, она называется «Дерево жизни» и продается за 450 долларов)

Посмотрите его мазки поближе (возможно, вы сможете тоже овладеть подобным искусством):

И, как доказал израильский художник, в технике импасто можно изображать не только цветы и деревья, но и все что угодно, даже животных. Если представить, что изображение складывается из выпуклых мазков, как обычная мозаика:


(эту картину художник продает за 720 долларов и доставка, кстати, стоит 77 долларов)

Всего у израильского художника — более 4000 продаж за 4 года (то есть он продает по 3 картины в день!).

Другими словами, неважно, где вы живете и что пишете. Главное — в какой технике вы это делаете. Сегодня модно и прибыльно писать в технике импасто.

Так что если вы — традиционный художник и хотите зарабатывать своим творчеством, учитесь технике импасто. Изображайте в ней свои любимые образы, но не забывайте в заголовке и в тегах своего листинга упомянуть слово «impasto» — тогда его заметят и купят.

А если вы еще не нашли свое прибыльное творчество — поступайте к нам на курс «Зарабатываем много на Etsy» — мы вам поможем и научим.

RELATED ARTICLES

Как зарабатывать по 20 тысяч долларов в месяц на Etsy на.

Портреты в стиле «Кошмара перед Рождеством» Тима Бертона

Деревянная елка-конструктор

Как жить в России, а продавать на Etsy как в Америке.

Плетеные корзины из Африки

Походный гриль

4 COMMENTS

Many thanks for the site, it is full of a lot of handy information. This helped me a lot.

КРУТО! Всё бросаю — пишу Импасто! … блин времени в жизни не хватает на всё…. Ладно, поделюсь опытом с ХУДОЖНИКАМИ — как сэкономить на письме таких картин -на красках -в 10 раз!
Смотрите -краски акриловые( ибо масляные, как у Ван-гога будут сохнуть года 2 с такой толщиной слоя.
Поэтому и акриловые. Есть такая вещь — холодный фарфор, или пластик для лепки ( одно и то же). Там — акрил — основа. Берите пластик нужного цвета, подмешайте туда обычной акриловой краски, если насыщенность пластика слабовата и мажьте мастихинами, пальцами, палочками, кистью жесткой — все что придет в голову. Чтобы еще в 3-4 раза уменьшить стоимость краски — возьмите любой рецепт приготовления белого хлолдного фарфора ( примерно так: стакан крахмала ( любого, но лучше кукурузного), стакан клея ПВА (акрил — основа его), и водички немного — чтобы не сильно густо было — смешиваем и на 15 секунд в СВЧ на 100 % мощности ставим, завернутый в целлофановый пакетик эту лепешку. Вынимаем горячий лепёшка и перемешиваем тщательно — опять в целлофан заворачиваем — если надо хранить долго и в холодильник. Если применяем сразу — подкрасьте продаваемыми концентрированными колеровками ( в магазинах строительных есть) и можете тот же акриловой краски добавить — если насыщенность или оттенок не тот.) Потом этот белый фарфор,подкрашенный — мажете на холст -как и акриловые краски, водичкой можете «отпускать» сгустившиеся кусочки. Основа у всех этих веществ одна — АКРИЛ. Потому и дружат они друг с другом, и тараканы эту краску есть не будут, ибо крахмал замешан с акрилом. Всем художникам удачи! 8))

Да, в холодный фарфор своего приготовления много чего можно подмешивать для основы и увеличения густоты и для уменьшения растрескивания — например алебастр — отличная вещь!. Я даже с солью или содой делал. Да! Забыл — соды какое-то количество надо обязательно добавлять — чтобы тараканы не позарились на такую вкусную краску 8))допустим, столовую ложку на выше описанный рецепт самодельного холодного фарфора.

Кто бы мог подумать! Мазня-мазнёй, а поди ж ты — Продажи! Чувствую в себе не мало талантов к живописи!

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector